Te cuento los setenta

Gary Moore y el adiós

2011-02-07T10:55:00.000-03:00

Gary Moore está considerado como uno de los mejores músicos de la historia de las islas británicas. En una carrera que se remonta a la década de los 60, hay pocos géneros musicales que no hayan tocado sus virtuosas manos, y ha formado parte de destacadas bandas de rock, como son Thin Lizzy, Coliseum II y Skid Row, por nombrar sólo tres. Gary nació en Belfast, Irlanda del Norte, el 4 de abril de 1952. Como muchos otros, se vió atraído por el rock and roll, primero a través de Elvis Presley, y luego por The Beatles. Ver a músicos de la talla de Jimi Hendrix y John Mayall's Bluesbreakers en su ciudad natal a mediados de los años 60 le llevó a sumergirse totalmente en el fascinante mundo del Blues. El arte de la guitarra blues, interpretado por tales exponentes, como Peter Green, disparó el talento emergente de Moore, y no transcurrió mucho tiempo antes de que fuera considerado un prodigio musical durante su dolescencia.

La primera gran banda de Gary fue el power trío Skid Row, que obtuvo un contrato discográfico con el sello CBS en 1970. En ese momento, Gary se había trasladado a Dublín, donde se hizo amigo de Phil Lynott, que ocupó el puesto de vocal en Skid Row hasta poco antes de que se firmara el contrato con CBS. Gary grabó tres discos con la banda, e hizo una gira por los EE.UU junto a The Allman Brothers Band y Mountain, entre otros, antes de separarse de Skid Row para embarcarse en su carrera como solista. Este proyecto fue de corta duración, porque Gary, poco después, se unió a Phil Lynott como sustituto de Eric Bell en la formación de Thin Lizzy. A pesar de ocupar dicho puesto durante muy poco tiempo volvió a la formación tras la marcha de Brian Robertson en 1977, y otra vez, por último, durante la gira del álbum "Black Rose" en 1978.

En 1979, la carrera solista de Gary comenzó en serio con el single "Parisienne Walkways", que mostró el estilo emblemático de Gary, empapado de blues junto a la temperamental voz de Phil Lynott que aparecía como artista invitado. El single alcanzó el Top Ten en el Reino Unido en abril de ese mismo año, y su siguiente álbum, "Back On The Streets" también fue muy bien recibido.

El guitarrista Gary Moore ha fallecido el día 6 de febrero de 2011, en la Costa del Sol, Málaga, a los 58 años de edad. El músico irlandés falleció en el hotel Kempinski de Estepona por causas que aún se desconocen.

La muerte del excepcional y prodigioso guitarrista, desde hoy convertido en una leyenda de la guitarra moderna, fue confirmada por el propio mánager de Thin Lizzy, Adam Parsons, en la cadena británica BBC, aunque no precisó más detalles.

Grinding Stone, del álbum del mismo nombre, 1973

Parisienne Walkways, 1979

Para saber mas... Fuente

Vox Dei

2010-11-05T12:47:00.002-03:00

Hace un par de añitos, escribí este post. Ante el reciente fallecimiento de Ruben Basoalto, no se me ocurrió otra cosa que esto. Me gusta recordar a los hombres por sus obras, que en definitiva, es lo que los hace eternos para el resto de lo mortales.

Bienvenidos al Rock Suburbano. A finales de los ´60, si había algo más difícil que querer tocar Rock en la Argentina, era querer hacerlo proviniendo de los suburbios. En Quilmes, bien al sur de conurbano bonaerense, en la primavera del ´67 se juntan unos muchachos con ganas de tocar. Ellos eran Willy Quiroga, Rubén Basoalto, Ricardo Soulé y Juan Carlos Godoy. No tenían un peso partido al medio para comprar instrumentos, y el primer bajo que pudieron armar fue de fabricación cacera, y según comentase tiempo después Willy Quiroga, estaba tan doblado que podía usarse para lanzar flechas.

En un principio, Ricardo Soulé oficiaba de bajista y Quiroga de guitarrista, junto con "Yodi" Godoy. Soulé era el único que había estudiado música seriamente (entiéndase por ello, en un conservatorio) y su instrumento era el violín, el mismo que tocaba en alguna que otra canción. Con el tiempo, el virtuosismo de Ricardo, lo llevó a hacerse cargo de la primera guitarra del grupo, Quiroga gustosamente aceptó.

Se llamaron Match 4 (nombre puesto por Quiroga, quien había pasado por la escuela de aviación) y cantaban en inglés temas propios y, obviamente, covers. En un festival, un hombre flaquísimo que ya comenzaba a tener un poco de fama, les sugirió "con lo rico que es el idioma ¿Por qué no cantan en castellano?" Sin quererlo, Luis Alberto Spinetta, estaba llevando a las nuevas promesas por el camino indicado.

Tras varios shows, la banda consigue audicionar para Jorge Álvarez (productor de Manal, Almendra y Sui Generis, entre otros hitos) quien ocupaba un gran puesto en la primera discográfica de rock argento, Mandioca. Fue el mismo Álvarez que les sugirió a los chicos que con ese nombre no iban a ningún lado. A Quiroga le vino a la mente la frase "Vox Populi, Vox Dei", que en latín, a grandes rasgos, quiere decir "La Voz del Pueblo es la Voz de Dios". Corría el año 1969.

Ese mismo año, graban para Mandioca lo que sería su primer single, "Azúcar Amargo" y "Quiero Ser". Meses después graban un segundo simple que pasaría casi inadvertido hasta que fuera regraba dos años después en un formato más rockero. Estamos hablando de uno de los más grandes clásicos de la historia del Rock Nacional: Presente.

Estos simples que fueron bien vendidos, llevaron a que el grupo tuviera acceso a su primer Larga Duración. En 1970 ve la luz "Caliente". Pero eso no era lo importante. Soulé y compañía venían gestando lo que sería la primera obra conceptual del rock en castellano. "La Biblia".

No hacía mucho que se había editado "Tommy" de The Who, obra que influyó notablemente en la concepción de hacer rock. Vox Dei lo capitalizó al extremo. Entraron a estudios solo con una canción completa y muchas ideas en la cabeza. EL trabajo prácticamente se compuso en estudio, a excepción de Génesis, que ya fuera estrenada en un show en vivo previo a la grabación.

Como no se puede analizar la historia sin tener en cuenta el contexto, hay que mencionar que por esos años, la Argentina se encontraba bajo un gobierno de facto. De más está decir que la obra despertó inquietudes de la Iglesia Católica de nuestro país, cuyas autoridades le requirieron al sello Mandioca la entrega de las letras para "controlarlas" antes de su publicación. El Arzobispo de Buenos Aires, Cardenal Antonio Caggiano, no solo la autorizó, sino que además dirigió unas palabras a los músicos: "A mí me hubiera costado tres horas explicar qué es Dios y vos apenas con un silogismo lo conseguiste." Se refería a "Él era el principio y de la noche hizo luz", obrante en Génesis.

El disco era grabado bajo una presión constante que recaía sobre los músicos, ante la expectativa que se generaba en torno a la obra y sobre todo, por la quiebra de Mandioca. Finalmente fue editado por el sello "Disc Jockey", quienes cometieron un error gravísimo. En la contratapa del álbum, invirtieron los nombres de las canciones de "Profecías" y "Libros Sapienciales", generando una confusión terrible (de hecho yo, 20 años después de editado el disco, no entendía porque los nombres coincidían con las letras inversamente). Toda esta presión llevó a una pelea irreconciliable entre Godoy y Soulé, por lo que el primero de ellos, abandonó la banda una vez finalizada la grabación. Su voz es la de la segunda parte de "Las Guerras" y la de "Cristo".

En 1974, el Ensamble Buenos Aires (orquesta que se puede escuchar en Cuando Ya Me Empiece a Quedar Solo y Rasguña las Piedras de Sui Generis) decide llevar a cabo una versión un tanto más pesadita del disco, que ya de por sí tenía un sonido potente, muy a lo Black Sabbath. Aliándose con la Pesada del Rock Nacional, se grabó la obra integra con músicos de la talla de Claudio Gabis, Jorge Pinchevsky, Charly García, Black Amaya, David Lebón, Oscar Moro, Carlos Cutaia, Alejandro Medina, Billy Bond y otros grosos más. Vox Dei, a pesar de haber dado el visto bueno, no pudo participar de modo alguno por esas cosas que tienen las discográficas.

La carrera de Vox Dei continuó más allá de La Biblia, aunque nada volvió a ser lo mismo. Es una regla casi general que cuesta sobrevivir a una obra tan superior como lo fue este trabajo increíble desde el punto de vista musical y cultural.

En 1972, Vox Dei edita "Jeremías Pies de Plomo", que sería un éxito arrastrado por la obra anterior. Lejos de lo conceptual, es un soberbio disco de flor, rock y blues. En el mismo están muchos de los clásicos del grupo: Detrás del Vidrio, Juntando Semillas en el Suelo, Si Separarnos Más y Ritmo y Blues Con Armónica.

En 1974 y luego de editar un disco en vivo (La Nave Infernal) la banda edita "Vox Dei para Vox Dei" y Soulé se va del grupo. La carrera siguió erráticamente hasta nuestros días, con idas y vueltas de Soulé y obviamente, con una merma en la calidad de las composiciones ante la ausencia de su principal autor.

Barry White

2010-09-25T02:56:00.001-03:00

Sinónimo del apriete y de la música para estar a solas con una chica, varios jóvenes deben su existencia a algún disco de Barrence Eugene Carter, más conocido como Barry White. Poseedor de una voz increíblemente grave y, a la vez, melodiosa, Barry no imaginaba que podría llegar a donde llegó. Nació en un barrio marginal de Los Angeles y a los 15 años ya estaba preso. Sin embargo, dijo que esa estadía en la carcel le cambió la vida. Al poco tiempo era Director del coro de la Iglesia a la que asistía con su familia y comenzó a grabar discos con diversas formaciones y dudoso éxito.

Hay quienes creen en los golpes de suerte. El caso de Barry no fue el ejemplo. Luego de años de grabar sin pegarla, en 1969 arma la Love Unlimited, un trío vocal femenino con el que edita, en 1973, el álbum I’ve Got So Much To Give. Al álbum le fue más que bien, para ser un disco debut, por lo cual los productores accedieron a darle lo que pidiera. Barry hizo realidad sus ambiciosas pretenciones y creó una orquesta gigante para lo que era el mundo del Soul. Así nació la Love Unlimited Orchestra, con la que edita en 1973, el disco Rhapsody in White. Y ahí llega la fama internacional, de la mano de Love´s Theme. El boom era un hecho y Barry White se convirtió en el ícono del Soul, compartiendo el trono de aquellos años con un joven Stevie Wonder y los Jackson Five.

Pero 1973 todavía no se terminaba y Barry tenía mucho más para demostrar. La Love Unlimited Orchestra edita Stone Gon´ y colocan otro tema en los charts, esta vez con la voz de Barry al frente. El combo era demoledor, una voz grave en pleno boom de las voces agudas, una orquesta clásica cuando ya nadie les daba bola y un ritmo poderoso y contagioso en extremo. Never, Never Gonna Give You Up era el tema del momento.

1974 arrancaba con Barry sonando en todas las discos del planeta, y el éxito aún no había alcanzado su punto máximo. Can’t get enough, estaba saliendo a la calle y ya se percibía en la primera reproducción que iba a hacer historia. Se convirtió en el disco más exitoso de su carrera y uno de los más vendidos del siglo XX. No era para menos, si tenemos en cuenta que contaba en su listado con Can’t get enough of your love, babe y You’re the first, my last, my everything,

En los setenta, el Soul terminó derivando en su hermano más odiado por los puristas -y por los músicos en general- que fue la Disco Music. A pesar de ello, Barry White ya había llegado antes que todos a copar las discotecas, sin perder la calidad de sonido, de composiciones complicadas, de arreglos soberbios y de letras sugerentes, sin llegar a lo obseno. Barry hizo del romanticismo una marca registrada y, a pesar de sus perfectas composiciones, no dudó en grabar covers de otros artistas. Así y todo, les daba un toque tan personal, que el tema parecía pertenecerle. Tal fue el caso de Just The Way You Are, de Billy Joel, que fue más popular por la versión de White que por la del gran Billy.

La carrera de Barry continuó por las décadas siguientes de un modo particular. Sus discos no eran exitosos en los charts, pero se vendían como si lo fueran. Se había convertido en un artista de culto para millones de personas. En los ´90 se hizo popular para nuevas generaciones gracias a la televisión, siendo uno de los primeros famosos en poner voz para su propia caricatura en Los Simpsons, como sus numerosas apariciones en Ally Mc Beal. En 2002 su hipertensión crónica no le permitió resistir la espera de un transplante renal y abandonó este mundo, no sin antes dejarnos un legado único en lo que se refiere a música, ritmo, sensualidad y buen gusto.

Espero que no se hagan los otarios y cuenten cómo la pasaban en los asaltos y/o bailes con estas canciones.

Tienes un e-mail

2010-05-31T01:35:00.004-03:00

La vida nos da sorpresas y muchas veces, a Dios gracias, muy agradables.
Ésta es una de ellas y es necesario compartirla.

En abril del 2008, en este blog escribimos un post sobre la telecomedia "Los Campanelli". La entrada la pueden leer ACÁ.
El pasado fin de semana, en la cuenta de la redacción del blog, recibimos un e-mail de Carlos Escalada, quien fuera director durante el primer año del programa, y que, por desconocimiento, obviamos nombrar en el post. Mil perdones por ello.
Carlos me dio permiso para compartir el texto con todos los lectores, de manera que no les cuento mas, solo que vale la pena leerlo, pues tiene detalles del programa que, al menos yo, desconocía.
Aprovecho la ocasión para agradecerle a Carlos la deferencia de escribirnos y, especialmente, de seguir en contacto con nosotros para futuros post de la década que tanto disfrutamos.

Ahora sí, el texto completo del e-mail.

Gracias por tu recuerdo a los queridos Campanellis!....
Como una de tantas familias anteriores (Los Perez García, La familia Falcón, y tantos otros...llegaron Los Campanelli!!.
En mi condición de Director Integral del Canal 13, fuí convocado por Toto Maselli, quien (te corrijo respetuosamente), fué el dueño de la idea y Productor del programa.
Dirigí a los Campa desde el primer día, y desde el primer programa supimos que era un éxito. Se paraba Buenos Aires!.
Y como nota de color, te cuento que en los primeros programas, las pastas que comían los actores en escena, la traían de un bar cercano. Y siempre llegaban frías!....Los actores evitaban comerlas y nosotros necesitábamos que eso fuera real!.
Por eso junto a Maselli, le propuse incorporar a una cocinera de Buenas tardes Mucho Gusto, colocamos una cocina en el estudio de al lado del nuestro, y todos los domingos venía una señora QUE AMASABA LOS FIDEOS para todo el Elenco!....
Demás está decir que no tuvimos más problemas!...Y como el programa IBA EN VIVO!!, (qué tiempos!....cuando había un error, no se podía repetir nada!), y cuando nos salíamos del aire...estaban todos los técnicos del resto del Canal que venían a devorarse los deliciosos tallarines que amasaba esta señora!.
Por lo dicho, dirigí este programa durante todo el primer año, y cuando pasó al Canal 11, (yo me quedé en el 13), lo siguió dirigiendo Gerardo Mariani, quien continuó en esa otra etapa.
Gracias por llevarme a estos imborrables recuerdos de la mejor etapa de mi vida profesional!. También dirigí Manuela, Muchacha italiana viene a casarse, Así o asá, Tato Bores, e infinidad de programas con increíbles actores!...
Un abrazo grande par vos y tus seguidores.

Carlos Escalada
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Así nos vendían...

2010-05-23T02:16:00.006-03:00

Ya hemos hablado de la publicidad en la década del 70 ACÁ y ACÁ. Pero nos referimos hasta ahora a los comerciales que pasaban por TV.
Hoy toca la gráfica.
La historia de la publicidad nos cuenta como en las décadas anteriores, lo mas importante era el producto. Un mensaje simple y concreto de sus ventajas y listo.
Con el avance de la industria, la cosa se va complicando, pues la competencia es mayor. Entonces no era suficiente vender un producto de buena calidad y bajo costo. Había que seducir al consumidor de alguna manera. Y es así que la emotividad comienza a jugar un papel importante en la publicidad.
Veamos algunos ejemplos. Si cliquean en las imágenes, las verán mejor.

Shampú Cadum (1971) con Susana Gimenez

El Capitán Piluso (1970)

Jeans Far West (1971)

Jeans Perfecta Lew (1974) (con Carlitos Monzón)

Plancha Atma (1975)

Shampúes Roby (1978) con las Trillizas de Oro

Lencería Triumph (1974)

La Victoria (navidad 1975) con Federico Luppi

La suavidad de los cabellos, la risas de los chicos y las sonrisas de los grandes, la amistad que conseguimos con un vaquero, la personalidad dominante (ésta me causó gracia, en realidad, a esta altura y sabiendo como terminó, me parece tragicómica), las trillizas y todo lo que ellas significaban, la liberación femenina...
Son claros ejemplos de lo que vivíamos por esas épocas.
Y dejé para el final la de la sidra, porque me parece muy emblemática.
Con los cambios que se estaban produciendo en el mundo y, específicamente en nuestro país, decidieron apelar a los viejos tiempos. Volver a la familia y a lo tradicional. La cara de la campaña fue Federico Luppi, quien años después se exiliaría en otro país.
Cosas que nos pasaron...

En el próximo capítulo, publicidades de autos.
Fuente y Fuente

The Rolling Stones

2010-05-07T14:36:00.003-03:00

Si bien han atravesado con contundente éxito todas las décadas de los `60 hasta la fecha, The Rolling Stones tuvieron una participación única en la música de nuestros queridos años `70, época en que empezaron a conocerse como La Banda de Rock Más Grande del Mundo.

Satisfaction en vivo, 1969.

La historia de este mítico grupo podría remontarse a los tempranos años 50, cuando Mick Jagger (vocalista) y Keith Richards (guitarrista) eran compañeros de aula en la escuela primaria en la ciudd de Dartford, obviamente, Reino Unido. Por cuestiones de mudanza, volvieron a encontrarse en 1961 en Londres, teniendo cada uno su propio grupo. Una noche en la que estaban de copas en un bar, conocieron al grupo de Brian Jones y quedaron facinados. Crearon enseguida una nueva propuesta. En 1962 tuvieron su primera presentación como The Rolling Stones en el histórico Marquee, con una formación consistente en el trío Jagger, Richards, Jones, más Ian Stewart en piano, Clif Chapman en batería y Dick Taylor en bajo (si la memoria no me falla) aunque poco tiempo después fueron reemplazados por Charlie Watts y Bill Wyman respectivamente, quedando así conformada la primera formación conocida de sus Satánicas Majestades.

Dead Flowers, del disco Sticky Fingers, en el Marquee. 1971.

Más allá de la estúpida dicotomía entre Beatles y Stones, lo cierto es que sin The Beatles, los Stones difícilmente hubieran llegado a algo. Andrew Oldham era el publicista de los Fab Four y fue quien decidió ser su manager en 1963, consiguiendo gracias a las gestiones de George Harrison (quien junto al resto de los Beatles, concurrían cual fanáticos a los recitales de los Stones) que fueran contratados por Decca Records. Además no es un dato menor saber que el primer éxito de los Stones fue I Wanna Be Your Man, compuesta por un tal John Lennon y un fulano Paul Mc Cartney.

Si bien los `60 nos tuvieron con unos Rolling Stones llegando a una popularidad internacional, mientras nos regalaban temas como Satisfaction, Ruby Tuesday, Paint it Black, simpathy for the Devil, She`s a Rainbow y Let´s Spend The Night Together, más el despido de Brian Jones (quien murió unos meses después) y la primer gira exitosa por los Estados Unidos, atendiendo al espíritu de este blog, empezaremos con la época en que los Stones parecían no tener competencia.

En 1969, en reemplazo de Brian Jones incorporan al grupo a Mick Tylor, guitarrista vinculado al Rock and Roll y el Blues más primigenio, lo que automáticamente devolvió el sonido Stone a sus raíces. Iniciando la década, en 1970 editan Get Yer Ya-ya`s Out, disco grabado en vivo durante unas presentaciones en el Madison Square Garden, considerado por la crítica de ese entonces como el mejor recital que se haya puesto en un disco. A fines de ese año, tras una larga disputa con la compañía discográfica, deciden crear su propio sello, aunque Decca Records se quedó con todos los derechos de la discografía de los Rolling hasta 1970.

Esta nueva etapa la inician con un álbum que, a mi gusto, es una de esas obras maestras que uno debe escuchar en la vida. Sticky Fingers vio la luz en 1971. Su primer corte, Brown Sugar, debutó en el primer puesto de los ranking Norteamericanos y Británicos, permaneciendo en ese lugar un par de semanas, y el arte de tapa del LP fue diseñado nada más y nada menos que por Andy Warhol y es el primer disco en el que aparece la clásica boca con la lengua afuera.

A finales de ese mismo año, presionados por una ley impositiva que les retenía el 90% de sus ingresos, deciden instalarse en un castillo en la campiña francesa, en cuyo sótano dieron vida a Exile on Main St, disco que tuvo que ser terminado en Los Angeles. Lo curioso de este álbum es que cuando salió, si bien fue un éxito de ventas, fue destruído por la crítica. Hoy por hoy, es considerado por la inmensa mayoría como la obra maestra de los Rolling Stones.

Como la fama de desenfrenados no les era injusta, el siguiente disco fue grabado en Jamaica. Sin embargo, de esas caóticas sesiones, salió Goats Head Soup en agosto de 1973, que tiene entre sus canciones Angie, primer corte y terrible éxito. Menos de un año después, editan It´s Only Rock And Roll, album en el que participa Ron Wood como guitarrista invitado en el tema que le da nombre al disco, aunque en el video promocional todavía apareciera Mick Tylor.

A fines de 1974, Mick Tylor abandonaba la banda y recién a mediados del 75, Ron Wood se incorporó como parte estable, haciendo su debut en una presentación sorpresa, en el furgón de un camión en plena 5ª Avenida Neoyorkina.

Entre 1976 y 1978, los Stones eran más conocidos por sus escándalos que por su música. En 1977, Richards es apresado en Canadá con 22 gramos de heroína (para quien desconozca, es una bestialidad) y a Ron Wood se le atribuyó un amorío con la Primera Dama canadiense. Jagger era más visto en el Studio 51 de Nueva York que en un escenario y el resto era una joda permanente.

Pero en 1978, en pleno auge del Punk y el disco, los Rolling Stones lanzaron el álbum más vendido de sus carreras con más de 10 millones de copias vendidas tan solo en Estados Unidos y Europa. Some Girls llegaba de la mano de su primer corte, Miss You, que tuvo el honor de desbarrancar del primer puesto de los charts a un tema de Andy Gibb.

Al finalizar la década entran a grabar Emotional Rescue, que saldría a las ventas recien a comienzos de 1980, constituyendo un nuevo y rotundo éxito de la banda, nuevamente más en el ruedo musical que en las tapas de diarios amarillistas.

El resto de la historia escapa a la década del ´70. En los ´80 también supieron moverse en la cima de la música, con discos impecables y canciones eternas. Podría seguir hablando de esta banda por cinco posts más que no alcanzaría a contar el enorme legado que nos han dejado, no durmiéndose en los laureles de la seguridad de éxitos pasados y sacando discos nuevos antes de salir de gira y que han llegando a estos tiempos que corren tan vitales como siempre y modificando nuestra percepción de la tercera edad. Si pisando los 70 años, estos viejos pueden seguir tocando como lo hacen, nuestras expectativas cambiaron radicalmente. Si no, traten de recordar como veían ustedes a una persona de 65 años hace un par de décadas.

Si alguien fue a verlos alguna de las veces que vinieron a la Argentina, que cuente la experiencia y las iré agregando al post.

RDP

ANECDOTAS:

Fui la primera vez que vinieron, no recuerdo ahora el año, era si el último show (un 16 de febrero); recuerdo la ansiedad que tenía. La primer gran banda, que iba a ver en vivo.Tremendo show, recuerdo que estuve en el campo; y bien adelante, hasta que no aguante mas, y me deje llevar por la marea; creo que en dos segundos estaba en el circulo central. Nunca senti, en mi vida, tanta presión. Pero valio la pena. Cuando tocaron Honky Tonk Woman, piel de gallina!Uh.. y Simpaty for the devil, con Jagger de sombrerito y capa. Que genios.

CGL, 36 años, Argentino. Abogado y Chamán. Sucesiones, Laboral y Tarot.

Seguramente a raíz del gran consumo de estupefacientes de esa época y...de esta (¡hay que decirlo!) a los que están bajo los efectos de drogas se les dice - oye estás "estonazo" - haciendo referencia seguramente, ya por vox populi a quellas actividades non sanctas.

El Drac, Peruano. Antropologo de Drogas.

Lo mío en la adolescencia eran los Bee Gees. No, no me la lastraba.

Mr. Groncho. Argentino, Pincha y Peronista. Reprimido.

En 2006 nos encargaron coordinar algunas boludeces de una tanda de recitales (dos de los Rolling y dos de U2) y nadie tenía muchas ganas de hacer luego el laburo en la cancha. Yo agarré viaje como el mejor, con un pase A (tenía acceso hasta la puerta de camarines). Se imaginarán que no desaproveché la ocasión. El primer día me comporté como el peor de los cholulos, hice una pausa a las 20,45, me mandé para los camarines y entre personajes como Andrés Ciro Martínez (cantante de Los Piojos) y Germán Daffunchio (Las Pelotas) esperé a que salieran los Rolling. Y salieron. Y saludaron. Y le dí la mano a Mick Jagger. El segundo día estuve más en espectador. Luego de terminar con el laburo, me fuí para los palcos VIP. Al tercer tema, no aguanté más y me mandé para el campo. Sublime.

RDP, Alpedista. Reprimido.

Carpenters

2010-04-21T16:42:00.007-03:00

Cuando la familia Carpenter llegó a Downey, California, a principios de los años ´60, Richard buscaba superar su falta de talento con horas de práctica en el piano, mientras que a Karen, cuatro años menor que él, le importaba poco y nada la música. Sin embargo, la convenció de ser baterista del Richard Carpenter Trío, que duró un suspiro.

Ya siendo dos, pasaron a llamarse Spectrum y, como previendo un futuro provisorio, en 1966 ganaron un concurso colegial y llegaron por primera vez a la televisión. Pero fue recién en 1969 cuando la compañía A&M confió en ellos, rebautizados sencillamente como Carpenters, y firmaron para un primer LP, Offering, que les daría su primer y modesto sencillo en el cover que hicieran del éxito Beatle Ticket to Ride.

En 1970 y con su segundo disco, consiguieron el primer número uno gracias a (The Long to be) Close to You, que se mantuvo en ranking Billboard durante un mes entero. Paralelamente, en el puesto número dos se encontraba el segundo sencillo del álbum, We´ve Only Just Begun. El éxito del disco –Close to You- fue tan rotundo que en una encuesta reciente de la Rolling Stone, figura entre los discos más importantes del siglo XX.

En 1972 el boom Carpenter ya era un hecho y una catarata de sencillos se desprendían de los sucesivos álbumes que el dúo editaba. For All We Know, Rainy Days and Mondays, Top of the World, Jambalaya, Sing y Yesterday Once More, se vendían todas como pan caliente y rápidamente alcanzaban el disco de oro.

Con una reversión del tema Superstar, Carpenters ganó el primer Grammy. Sin embargo, la letra había sido modificada del original por una cuestión de “estilo” del dúo, pero que los más acérrimos críticos calificaron de “oportunismo” por mostrar una imagen para cierto mercado. El verso “no puedo esperar para dormir contigo otra vez” fue reemplazado por el más inocente “no puedo esperar para estar contigo otra vez”.

El perfil familiero del duo era aprovechado por los padres conservadores que veían como una salvación que sus hijos escucharan a jóvenes con valores morales, antes que a los salvajes grupos de Rock. No olvidemos que a principios de los ´70 se editaba Exile on Main Street de los satánicos Rolling, Dark Side of the Moon de Pink Floyd, se encontraban en pleno auge los salvajes The Who y hacía tan solo un par de años que había ocurrido el festival de Woodstock. Por motivos como este, era normal que un single con motivos navideños editado por Carpenters fuera un éxito de ventas.

Entrado 1975, Carpenters edita el trabajo sonoramente más ambicioso de la agrupación. Horizon, que rápidamente fue certificado multiplatino. El cover de Please, Mr Postman fue el corte más vendido como sencillo de aquel álbum y elgrupo esbozó una especie de videoclip del mismo en épocas en que no era habitual hacerlo. Obviamente, y fiel al perfil público de ellos, fue filmado en un lugar que no de miedo a la familia. Disneylandia.

Finalizando los ´70, el éxito de ventas del grupo no se traducía en los rankings. Las tendencias cada vez más hacia el Jazz de Richard Carpenter en medio de la fiebre disco, hacían que no lograran demasiada rotación en las radios. Mientras Karen era prácticamente consumida por la anorexia, Richard debió ser internado en un centro de rehabilitación por su adicción a las pastillas. Al año, Richard estaba recuperado, Karen pesaba lo que debería pesar un ser humano y encima se había casado.

En 1980, realizan un especial para la televisión junto a Ella Fitzgerald y colocan un nuevo éxito en los rankings luego de casi cinco años. Touch me When We´re Dancing. Finalmente el matrimonio de Karen se fue al tacho y su salud también. En su afán por verse más delgada de lo normalmente posible, tomaba 10 veces la dosis necesaria para una persona con problemas de hipotiroidismo. Sólo que ella ni siquiera tenía ese problema. Su corazón le dijo basta en 1983. Karen tenía 32 años.

Si bien fueron para su generación música sólo para adolescentes inocentes, a la luz del paso de los años nadie puede dudar de la voz de Karen, fuerte acaudalada y suave a la vez. Tanto que parece mentira que salía de un cuerpo tan frágil. Carpenters (o Los Carpenters, como nos obstinamos en llamarlos) fueron una parte más que importante en la cultura de los ´70. Y el que diga que no le gusta al menos una canción de su repertorio, miente. Lo sé.

Ok, la próxima la encaro para el Rock, o me enfermo en el camino.

RDP

Carly Simon

2010-04-09T14:18:00.005-03:00

En un mundo en el que nos acotumbramos a ver a cantautoras de habla inglesa con notable éxito, como Tori Amos, Alanis Morisette o Norah Jones –por nombrar algunas- es justo recordar a quien dio un empujón gigante a la profesión. Cuando las artistas femeninas cantaban canciones de otros, hubo alguien que llevó la creatividad femenina a la cima del éxito mundial.

Así como nuestras vidas se deben a causas y asares, Carly Simon no se animaba a cantar sus propias composiciones hasta que sufrió una serie de rechazos de productores discográficos de música folk a fines de la década del ´60. Nos hicieron un favor. Y no precisamente porque ella tenga fea voz. Sino que consiguieron que ella se sentara a componer con más ímpetu, lo que la llevó a grabar su primer disco solista y a obtener su primer éxito. That's The Way I've Always Heard It Should Be, incluída en su primer disco.

Pero el boom le llegó en 1972 con No Secrets, su tercer disco. Y es que la canción You´re So Vain se convirtió inmediatamente es un éxito de ventas internacional. Y con ella, el primer mito. ¿Es una agresión sarcástica al actor Warren Beaty, o tan solo una broma a Mick Jagger, amigo de Carly que además canta en la canción? Lo cierto es que el disco vendió un millón de copias tan solo en unos meses y gano un Grammy. El primero de la cosecha de la artista.

Ese mismo año se casaría con el cantautor canadiense James Taylor, con quién además de la pasión por la música, compartían el activismo pacifista. Luego de un par de discos de aceptables ventas, pero sin mayores éxitos, llegaría la oportunidad de grabar una canción para la banda de sonido de La Espía que me Amó de la saga 007. La canción en cuestión era “Nobody Does It Better” y marcaría el inicio de una excelente relación entre Carly Simon y la industria del cine.

Finalizados los ´70, Carly empezó a presentarse en vivo esporádicamente, luego de haberse desmayado en pleno concierto, lo que marcó el fin de sus giras norteamericanas. Y aunque seguía con su prolífica producción discográfica, no conseguía retomar el éxito la década pasada.

Todo cambió cuando en 1986 volvió a componer para una película. Esta vez fue el turno de Heartburn, que si bien pasó sin pena ni gloria, su canción Coming Around Again permanece como clásico indiscutible de la historia de la música. Tan grande fue la repercusión que un año más tarde volvería a ser convocada para otro filme. Secretaria Ejecutiva se convertiría en un éxito internacional y su canción Let the River Run ganó un Grammy, un Globo de Oro y un Oscar a la Mejor Canción.

Si bien, desde entonces su carrera fue errática en cuanto a ventas, su condición de clásico indiscutible la mantiene siempre vigente. Sus apariciones públicas siguen siendo sorprendentes y su voz, a pesar del paso de los años –el próximo junio cumplirá 65 años- continúa manteniendo la magia.

RDP

Music Was my First Love

2010-03-15T00:25:00.004-03:00

La música fue mi primer amor. Desde antes que tuviera uso de razón, la música era mi mundo. Habiendo sido un pibe bastante introvertido, mi universo se expandía a través de los libros y los discos. Hoy que veo este mundo de compresión, donde cuanta más avanza la tecnología, más sordos nos ponemos al pretender escuchar música, cayendo a lo más bajo de bajar un archivo en mp3 que ni por asomo tiene la calidad de audio que una obra de arte necesita.

Eso. Obras de arte. Eso es lo que me imaginaba cada vez que agarraba la bandeja Pioneer de mis viejos y seleccionaba la velocidad de acuerdo a lo que me indicaba el sobre del vinilo. Bajaba las luces, cerraba las ventanas, subía el volumen y colocaba la púa sobre esa circunferencia brillante, cerraba los ojos y me dejaba transportar a otra dimensión.

Las emociones se disparaban con cada canción, con cada pieza musical, tuviera o no letra. La piel se erizaba, las sonrisas, las broncas, las melancolías. Había canciones que con solo escucharlas por primera vez, parecían que eran eternas, como si mi alma extrañara esa concatenación de sonidos que hacían matemáticamente una armonía y que me elevaban al paraíso. Y casi siempre me ponía a pensar en qué les pasaba por la cabeza a sus autores al escribir, imaginar y crear tamañas obras.

En una era sin tanto acceso a información, era común escuchar las más alocadas leyendas luego desmentidas por los autores de las canciones. Que Rasguña las Piedras era para una novia de Charly que se había muerto, algunos más morbosos aseguraban que estaba enferma y que despertó dentro del ataúd. Charly casi se descostilla de risa cuando le preguntaron por ello. Lejos de desilusionarme, más me admiré. ¿Cómo podía ser que un pibe al que no le había pasado tamaña tragedia pudiera escribir al respecto con tanto sentimiento? Lo mismo me sucedió con Eleanor Rigby de los Beatles.

Otras veces era más que atrapante intentar descifrar lo que el artista ocultaba con metáforas, fuera por censura o por ilegalidad. El tiempo y la internet nos trajo todas las verdades, frías como haciéndonos sentir pobres ilusos de haber creído mentiras. Y sin embargo las canciones seguían ahí, esperando a deprimirnos contándonos historias de hermanas muertas, enamorándonos con mujeres ajenas, abriéndonos los ojos en épocas de cegueras nefastas y levantándonos tanto el ánimo que hasta podríamos salir a surfear con los Beach Boys.

La música fue mi primer amor y a eso me dedicaré en las entradas que me toquen en este maravilloso blog que vi nacer y que ahora me permite hablar de otras cosas. Porque la música siempre estará presente. Un mundo sin música, es un mundo imperfecto y la humanidad así lo ha entendido desde que nos paramos en dos patas.

Termino esta breve introducción con una buena música de fondo para este blog tan setentoso. Música del futuro, música del pasado, música sin tiempo. John Miles, aquí con la producción y la genialidad de Alan Parsons quien hacía un par de añitos venía de grabar algo tan gigante como Dark Side of the Moon de Pink Floyd.

Y como en 1976 John Miles escribió una canción sin tiempo, aquí pueden escucharlo hace un par de años, como invitado del grupor alemán PUR, con toda la parafernalia de los estadios y una actuación increíblemente memorable.

Nos vemos pronto.

RDP

Noti '70, un poco de todo!

2010-02-28T16:27:00.003-03:00

Hacemos una pausa en los refritos del blog para contarles algunas novedades y recomendaciones.

La primera es para los que tienen Facebook.
Hay un grupo, muy activo y muy interesante, que se llama "MUSICA Y VIVENCIAS DE LOS '70"
Lo armó Nancy Griffa, amiga de la casa, y tiene mas de 3900 participantes.
Es un grupo formado por gente que fue adolescente en los '70 y artistas de la década, para compartir recuerdos, anécdotas, y vivencias de esos maravillosos años.
Tienen un "Hall de la fama" con artistas que participan, entre los cuales se encuentran los muchachos de La joven guardia, María Esther Lovero, Industria Nacional, Duo Vivencia, Silvestre, Ruben Matos y muchos personajes mas.
Se los recomiendo, es un espacio muy agradable y con mucha informacion, fotos y videos de la década!
Los encuentran poniendo en el buscador de Facebook el nombre del grupo.

Por otro lado, verán que cambiamos el diseño del blog. Era hora, no? ajaja
Para esto pusimos un fondo de Fondos Stella. Esto es como un autobombo, pues el blog es mío, pero en verdad tiene mucha cantidad de fondos para usar en Blogger. Y mis preferidos, son los fondos con motivos "retro". Son muy sencillos de usar y vienen con un tutorial completo para subirlos facilmente.
Y si buscan algo que no haya, pues lo piden y se los hago!
Asi que, los espero por allí! :)

Y, por último, existe una página en la que podemos ver que canción estaba en el Top Ranking el día en que nacimos. Podemos elegir ver el resultado en Estados Unidos, Inglaterra o Australia.
Se llama "This day in music"
Obviamente, puse la fecha de mi cumpleaños de quince, el 15 de mayo de 1975, y elegí Inglaterra. (Confieso que primero elegí USA, pero la cancion me resultó desconocida..ajaja)
El resultado fue Stand by your man, por Tammy Wynette.
Se las dejo para que la disfruten!
Y ustedes, ¿qué día eligieron y que tema les tocó?
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You Can't Stop The Music!

2010-02-18T13:49:00.006-03:00

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Temporada de "refritos" ¡¡en "Te cuento los setenta"!!

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No seré Alejandro Pont Lezica, ni Pipo Lernaud, no tenía tarjeta de descuento en el Centro Cultural del Disco, ni escribí en la Revista Pelo. Tampoco en el Expreso Imaginario, pero me defiendo, ya que la música de aquellos años la vivo como si fuera de hoy. Y es que los Setenta son a la música contemporánea lo que la revolución industrial es a la modernidad. Todos los sonidos que hoy escuchamos, fueron desarrollados durante la década del ´70. Es un hecho, no una opinión, es inobjetable. Y desde esta humilde columna, intentaré demostrarlo en diversas entregas.

Es que fue una década riquísima en sonidos, en estilos musicales, en innovaciones tecnológicas aplicadas a la industria discográfica y la época en que dicha industria vivió su apogeo, sin radiograbadores que hicieran peligrar el lucrativo negocio de la venta de discos.

Fue una década en la que se desarrollaron corrientes musicales que pudieron tener su génesis en los últimos años Sesenta, pero que sin lugar a dudas, crecieron y se popularizaron durante estos años increíbles. Los cimientos de la música pesada se encontraban en Led Zeppelín, Black Sabbath y Deep Purple. La música progresiva del primer Génesis (aquel que comandaba Peter Gabriel y en el cual Phill Collins era simplemente el baterista) Yes y un Pink Floyd que dominaría la escena psicodélica. El Glam Rock, aquel género que disparara a la cima a David Bowie y Queen tuvo su momento de gloria. Nadie puede negar con estos antecedentes, que la escena rockera mundial era dominada nuevamente por los británicos, con contadas excepciones como la de Kiss.

La década del ´70 se inició con una mala noticia. Los Beatles ponían punto final a su vertiginosa historia de la manera más escandalosa posible. Como si fuera una ironía, el grupo que mas influenció en el sonido de la década que comenzaba, no estaría presente como tal, dejando vía libre a los Rolling Stones para que se convirtieran en la leyenda que hoy en día son. Nos dejaban un último regalo, el album Let It Be.

Desde el lado oeste del Atlántico, llegaron a su apogeo en los tempranos ´70 Creedence Clearwater Revival, llegando a poner fin también a su meteórica carrera en medio de un escándalo familiar entre los hermanos Fogerty. La muerte de Jim Morrison también marcó de mala manera al ambiente. Mientras tanto, en los bares de New York se preparaban Lou Reed y sus Velvet Underground, Blondie y The Ramones para llegar a las primeras planas, conjuntamente con los Británicos The Clash,The Police, Sex Pistols y Dire Straits para dar inicio a dos movidas muy ligadas entre sí: La New Wave y el Punk.

En los Estados Unidos, la disquera Motown, llevaría al Soul a las primeras planas de la mano de Marvin Gaye y Al Green. Estos monstruos de la música negra serían los precursores de la fiebre disco, que sin duda alguna es él símbolo de la segunda mitad de la década lanzando a la fama a innumerable cantidad de grupos como los suecos ABBA, Earth Wind & Fire, The Bee Gees, Gloria Gaynor, K.C. and the Sunshine Band, Donna Summer, Kool and the Gang, Barry White (aunque también era el rey del apriete) y fue tal el suceso que hasta los Rolling Stones y Kiss hicieron temas muy disco (Emotional Rescue y I Was Made For Loving You respectivamente).

ABBA

En el hemisferio sur sucedía algo similar que en Gran Bretaña pero a nuestro ritmo. La Balsa de Los Gatos ya habían quedado en los ´60 y muchos de los jóvenes de por entonces necesitaban una alternativa a la música beat, algún espacio en el que otros jóvenes como ellos dijeran las cosas que ellos pensaban. Se escuchaban los acusticazos por un lado y a los pesados por otro. Nadie imaginaría que los sesionistas del primer disco de Sui Generis (1973) eran músicos de La Pesada del Rock and Roll, que comandaba Billy Bond.

Charly y Nito - Sui Generis

La Biblia de Vox Dei, puso al Rock Nacional ante su primer escándalo, ya que los conservadores creían que era un sacrilegio. Influenciados por artistas como Simon & Garfunkel, Elton John y Bob Dylan, nuestra escena rockera se volcó a lo mayormente acústico y protestón: Almendra, Sui Generis, Pastoral, María Rosa Yorio, León Gieco, Raúl Porchetto, todos muchachos que no llegaban a los 25 años y ya eran ídolos. No es para menos, el nivel musical y creativo en general de aquellos años no tiene comparación con otro momento argentino.

Nuestra escena blusera local que había dejado vacante Manal, fue ocupada indiscutiblemente por el Carpo con su Pappo´s Blues. Los amantes de la música progresiva tuvieron en Crucis y en la Máquina de Hacer Pájaros unos buenos ejemplares. Pescado Rabioso, Invisible, Serú Girán, Arco Iris, Alma y Vida, La Cofradía de la Flor Solar. Todos los géneros tuvieron su lugar.

La década del ´70 lo tuvo todo, hasta fue el inicio de la música electrónica con los primeros samplers y sintetizadores. Nunca nadie podrá negar que aquellos años son únicos e irrepetibles y que cualquier músico que se precie de tal, daría lo que fuera pr haber vivido por aquellos años.

Esto es solo una introducción, el tema es inacabable. Otros amigos que la tienen mas lunga en lo que son asaltos y boliches, habrán de dedicarse a eso, a la música de joda...es que acá son todos unos fiesteros...

Bruno, para Te Cuento los Setenta

Los Fabulosos '70

2010-02-08T12:32:00.003-03:00

Temporada de "refritos" ¡¡en "Te cuento los setenta"!!

Esta entrada fue concebida para "Amores que matan" y posteada en la plataforma de Full Blog, en la época en que sólo redactaba allí. Esta es sólo una pequeña síntesis, una vaga idea de lo que esta década representó para nosotros, los que la vivimos y gozamos. Época que nos marcó en nuestros jóvenes años de la adolescencia, y que disfrutamos tanto, que hasta le dedicamos un blog.

-Qué bien bailás! Venís siempre a este club?

-No, es la primera vez. Me trajo mi prima. Es esa que está con el flaco alto. La de minifalda blanca...

-Ah..! decime...siempre se pone tan bueno?

-No sé...ya te dije que es la primera vez que vengo...

-Qué buena música..! no querés tomar algo?

-Bueno, una Coca.

Los que vivimos los últimos años de la infancia y el comienzo de la adolescencia en los ´70, guardamos este tipo de recuerdos, de una manera muy singular. Crecimos al amparo de nuestra inocencia. Ignorantes de un entorno violento que nos dejaría muy marcados y dolidos, en una Argentina que se oscurecía. Nosotros, nosotros estábamos en otra...

Comenzando por los asaltos, reuniones vespertinas de los sábados, en donde las chicas llevaban comida y los discos L.P. con los temas que habían estado practicando toda la semana; y los varones, gaseosa y los discos lentos de Roberto Carlos. Arrancaban tipo five o´clock y había que ser puntual. Se bailaba, se jugaba a la botellita y a Verdad o Consecuencia. Tormenta, Silvana di Lorenzo y Trocha Angosta eran nuestros invitados de lujo. A las ocho de la noche nuestros papis nos pasaban a buscar, así que en tres horas teníamos que arreglarnos para bailar, correr, comer chizzitos y, con suerte, robarle un piquito a la belleza de turno, si es que se le podía llamar belleza a una flacuchina con aparatitos (qué digo aparatitos...en esa época eran aparatones) en los dientes...

Roberto Carlos

Ya promediando la década del ´70, fiestitas en los clubes. Éramos grandes! Ahí ya íbamos en colectivo y todo el marco era diferente. Multitud de chicos haciendo "puerta", esperando que entraran las "buenas", cosa que se daba más o menos a las 22.30. Antes de las once tenías que estar adentro, sino planchabas...Dejabas pasar un rato, dabas vueltas alrededor de la pista, mirabas para acá, para allá, ponías el ojo, la bala, y con los deditos cruzados, ibas y encarabas...

-Bailás?

-Bueno.

Gardel y Lepera, juntos y tocando la cumparsita. El tema era tener un buen chamuyo, bailar aceptablemente, e ir llevando la situación para que ella no se fuera. Al fín y al cabo, en un ratito venían la luz negra con los lentos. Y si para entonces el chivo estaba en el lazo, teníamos grandes chances de "chapar" un ratito. Y ahí no eran sólo piquitos. Era cuestión de "pasarse el caramelo" un rato largo, como para volver a casa con la dulce sensación de sentirse un "winner", habiendo disfrutado de "Somebody to love" de Queen, "Conociéndote" de Banana o "Nena, me gusta tu forma" de Peter Frampton, y una tierna noviecita...Y sí, para chapar había que hacerlo legal...

Freddie Mercury- Queen

Ya pasada la barrera de los dieciocho, la movida se había trasladado a los boliches. La música disco era furor. Mucho mover el esqueleto y tragos con alcohol. Y el que lograba sobrevivirlos con cierta decencia podía llamarse contento. Afuera nos esperaban los autos para jugar a otros juegos. Sin drogas, sin SIDA todavía, pero con las hormonas a full. El pasacassette nos regalaba la música del "Expreso de Medianoche" y "Polvo en el viento". El asiento trasero del coche, mudo testigo de la medianoche y el polvo...Rápido como el expreso y fugaz como el viento...

Dios nos crió. Y el viento de los años nos trajo hasta acá. Cuántos recuerdos! Cuántas anécdotas! Algunas las hemos compartido con nuestros hijos. Otras, se las contaremos, un poco más sueltos por la chochera, a nuestros nietos. Inolvidables ´70. Para compartir y para revivir.

Georgie, para "Te cuento los setenta"
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¡¡El último del año!!

2009-12-23T23:14:00.004-03:00

Mucho estuve pensando que tema navideño de la década elegir para este post.
Podría haber puesto el video de José Luis Perales, o el de Carpenters, o tantos otros.
Pero elegí una canción muy emotiva, cuya letra sacude el alma.

"Happy Xmas (War Is Over)" es una canción del músico británico John Lennon grabada en los Record Plant Studios de Nueva York a finales de octubre de 1971 y publicada como sencillo. Con la asistencia en la producción de Phil Spector, incluye un coro de niños procedente del Harlem Community Choir, acreditados en el tema.

Si bien el tema figura como una canción protesta contra la Guerra de Vietnam, se convirtió pronto en un himno navideño, apareciendo en numerosos álbumes recopilatorios de canciones para estas fechas.

La letra se basa en una campaña de publicidad llevada a cabo a finales de 1969 por John y su mujer, Yoko, quienes alquilaron vallas publicitarias y espacios en revistas para incluir el lema "War Is Over (If You Want It)", que puede traducirse al español como "La guerra ha terminado (si tú quieres)". Las ciudades donde se desarrolló la campaña fueron Nueva York, Tokio, Roma, Atenas y Londres. Durante este tiempo, la opinión pública de Estados Unidos se había posicionado de forma unánime en contra de la Guerra de Vietnam.

Los músicos que participan en la grabación son los siguientes:

* John Lennon, Yoko Ono y the Harlem Community Choir: voces
* Hugh McCracken: guitarra
* Chris Osborn: guitarra
* Tedy Irwin: guitarra
* Stuart Scharf: guitarra
* Nicky Hopkins: teclados y glockenspiel
* Jim Keltner: batería

Gracias a todos por habernos acompañado a lo largo del año, recordando lo mejor de la década de los 70, pero sin olvidar todo lo dura y difícil que ha sido para muchos de nosotros.
Que el 2010 venga con mucha salud, mucha felicidad, alegría y, sobre todo, paz para todos!

Hasta el año que viene!!

Grupo de Te cuento los setenta!!

Fuente

¿Querés llorar?...

2009-11-30T20:18:00.007-03:00

Uno de los recuerdos que aún guardo con cariño de los años en los que dejaba de ser una niña para ser una tierna adolescente, eran los días en los que junto a mis amigas, íbamos al cine.

Al momento de elegir la película, un actor "buen mozo" podía ser el gancho alentador, más allá de que el argumento tuviera su cuota de interés. Pero a esto también debíamos sumar otro detalle: la música del film.

Las radios por entonces, solían difundir los temas de diversas películas que estaban en cartel -y que en los años setenta hicieron historia-; es así que ese día en particular, la música también nos invitó al cine.
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"Castillos de hielo" 1978
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Era la historia de dos jóvenes que se amaban y compartían afinidades por el patín sobre hielo. Competencias y amor, en una danza sobre patines.
Todo venía como era de esperar hasta que el destino -con su cuota infaltable de tragedia- le juega una mala pasada a la bella y joven protagonista: un accidente le produce ceguera...
¡¡Para qué!!, mis dos amigas y yo empezamos a llorar sin parar. El acomodador, un señor alto y barrigón, se acercaba cada dos minutos para alentarnos a bajar el volumen del trío de llantos. Pero todo fue infructuoso: la llantina continuó ¡¡y cargada de congoja!!

Nunca supimos realmente si el argumento de la película tuvo la verdadera responsabilidad; o la cara de pena de la protagonista; o la música; o si nuestro llanto fue realmente "contagioso" -como decía el acomodador-, pero absolutamente todos -TODOS- los que asistieron a la misma función que nosotras salieron llorando ¡¡a los gritos!! (conste que la historia ¡no era para tanto!).

Con ésta película además de deshidratarnos en llanto, supimos que la melodía nos tendría con el recuerdo a flor de piel. Mirar nuestras caras bañadas en llanto al salir del cine y las de los demás, aún hoy sigue siendo motivo de risa.

Gracias a la vida, seguimos siendo amigas con aquellas dos sátrapas con las que fui al cine y cuando escuchamos esta melodía -hoy, por alguna publicidad- preguntamos: "¿querés llorar?"...

¿Recuerdan la música de alguna película de los años setenta como "lacrimógena"?

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De La Candorosa para Te cuento los Setenta.

Un poco de publicidad

2009-11-13T07:00:00.000-03:00

Publicidad gráfica, chicles Bazoka, década de los 70

Cuando a mediados de la década del 70 llegaron a la Argentina los primeros televisores con control remoto ya se sabía cuál era la experiencia de este nuevo aparato en regiones como Europa y los Estados Unidos con relación al consumo de la programación. Los primeros estudios de comportamiento advertían que esa diminuta herramienta ponía en riesgo la pauta publicitaria porque simplemente se la llamaba el matador de avisos.

Estamos hablando de una época de la Argentina en la cual no existía el servicio de cable y la oferta de programación televisiva era de sólo 5 canales. En la siguiente década el control remoto además de liquidar avisos se dedicó a saltear la programación no deseada por el televidente para aterrizar en la más agradable.

Recopilamos tres videos con publicidades que pasaban en la televisión argentina durante la década del 70.
Ojalá los disfruten!

♥ Jockey Club, con una versión de Soley Soley, originariamente de Middle of de Road, pero esta vez en español.

♥ Ford Falcon, año 1973. Si la memoria no me falla, la muchacha que aparece es Gachi Ferrari.

♥ Sylvapen automática, año 1971. Una joyita de la "mafia", protagonizada por Rodolfo Bebán! Para mi, ésta es la mejor de todas las tres!

Y les comparto una duda que tengo, por ahi alguien me puede ayudar.
La serie de publicidades de L&M, protagonozadas por Claudia Sanchez y el Nono Pugliese, en donde se los veía recorriendo el mundo entero, ¿de qué año son?
Yo creo que hay algunas de fines de los 70 y otras de principio de los 80. Pero no puedo conseguir la información justa.

Al partir nos dejó su música

2009-10-21T22:00:00.000-03:00

Hoy tendría 65 años, pero no pudo ser. FalLeció cuando tenía apenas 28 años.
Nació en Valencia, España y en el año 1962 comenzó con sus primeras actuaciones, cantando junto a su banda que se llamaba "Los Hispánicos". Luego de formar otros grupos, y lanzarse finalmente como solista, es recién en el 69 cuando logra un éxito rotundo con la canción Te quiero, Te quiero, que fue elegida como la canción del verano.
Y si, estoy hablando de Nino Bravo, quien es por definición, quizás el cantante mas conocido de lengua hispana de la década que nos convoca.
A Te quiero, te quiero le siguieron Noelia, Perdona, Mi gran amor, Esa será mi casa, Mi querida mamá, Voy buscando, Un beso y una flor, Libre, entre otras.

Con las primeras copias lanzadas por Polydor del álbum "Un beso y una flor" se entregaba de regalo un almanaque del año 1972 junto con una de las imágenes promocionales del LP. En su reverso, el calendario contaba además con todas las letras de los temas incluídos en el disco.

En 1972 viaja a Buenos Aires donde actúa en el canal 9 de esa ciudad, en un programa especial, junto con el cantante de tangos Argentino Ledesma. Al respecto, el director artístico de Fonogram habría de confesar: "Nino llegó con grandes antecedentes, que se quedaron cortos, y nos dejó pasmados con su forma de cantar y su inigualable voz"
Poco después edita su tercer álbum, titulado "Un beso y una flor", con el que obtiene gran éxito en España e Hispanoamérica.
En noviembre de 1972 sale a la venta su cuarto álbum, titulado "Mi tierra", en el que se incluye uno de sus principales éxitos: "Libre".

Anuncio publicado en revistas de la época, muy probablemente en octubre o noviembre de 1973.

El 14 de marzo de 1973 realiza su última actuación en Valencia, dentro del Parador 73 de las conocidas Fallas valencianas. Allí canta, por primera y única vez, el Himno de Valencia ayudado por el público asistente. Los granadinos Jardines de Neptuno acogerían poco después la que sería la última actuación del intérprete valenciano.

La mañana del lunes del 16 de abril de 1973, Nino Bravo falleció a causa de un accidente automovilístico, mientras viajaba a Madrid.
Año tras año, su tumba sigue rebosando de flores como tributo al gran cantante que tan prematuramente nos abandonó. Los homenajes se suceden, los tributos son inevitables, y es que todo es poco para honrar la memoria del mayor cantante que dio la música hispana.
Nino Bravo aún vive: en el corazón de miles y miles de personas que le recuerdan y admiran cada día.

Actuación de Nino Bravo en 1972 en el programa "La gran ocasión" de TVE donde interpretó además, en riguroso directo: Puerta de amor-Noelia, Te quiero te quiero, Un beso y una flor y Yo te quiero dar

Página oficial

Se nos fué nomás...

2009-10-09T15:51:00.012-03:00

No dejes para mañana lo que puedes hacer hoy... Como contaba en mi blog una de mis asignaturas era poder acercarme a él, y escuchar de su propia boca hablar a mi orejón el Topo Gigio.

Juan Carlos Mareco nos dejó a los 83 años.

Conocido como Pinocho, apodo artístico que bautizó el excelente humorista Wimpi, para mantener su anonimato.

Imitador, cómico, actor, locutor, nacido en Uruguay, gran parte de su carrera la desarrolló en Argentina. Llegó aquí hacia fines de los años 40, siendo apadrinado en aquella oportunidad por su coterráneo Wimpy, quien lo vinculó a la radio porteña y le puso el seudónimo de “Pinocho”, que el artista usó durante décadas.
Pero buscar un seudónimo no fue nada fácil. Según contaba el mismo Juan Carlos: “Pensemos en Pinocho, el muñeco de madera, sin voz, fabricado por Gepetto. Supongamos que Pinocho le roba el alma a una calandria (la calandria, ave sin canto propio, imita a otros pájaros), para tener voz... Fue así, con esa alegoría tan 'wimpeana', que empecé mis imitaciones llamándome Pinocho”

Su primera representación fue imitar al conocido Cantinflas. Luego comenzaron a lloverle contratos artísticos en Buenos Aires y se vino con Wimpi. Fue figura fundamental de la radio y la TV argentina.

En Canal 7 debutó en 1954 con “Gran Hotel Panamá”, su primer ciclo en vivo, programa que fue seguido por “La noche con amigos” y “Los amigos del tango”. Pasado al Canal 13 condujo “El show de Pinocho”. Mareco cumplió varias temporadas en la TV madrileña, hasta que en 1966 se radicó en Chile, donde, en la TV santiaguina, hizo “Casino Philips”. Luego regresó para secundar al recordado Topo Gigio, mi orejón, (de quien también hizo su voz), programa que alcanzó gran difusión…Pero que no he encontrado nada en la web¡¡¿Quién SE LOS GUARDÓ?

Su primera aparición en el cine fue “Detective a contramano”, en 1950, filmada en Montevideo. El mismo año enfrentó las cámaras argentinas con “El otro yo de Marcela”, de Alberto de Zavalía, con Delia Garcés y Alberto Closas. También en cine hizo “¡Qué hermanita!”, con Olga Zubarry, y “El patio de la morocha”, con Virginia Luque, ambas de 1951, y “Su seguro servidor” (1954), tras la cual su carrera se interrumpió. Comenzó 1961 con un “pastiche” titulado “Una americana en Buenos Aires”, donde debía lidiar con un elenco importado.
Puso su voz a “El mago de los sueños”, film protagonizado por la familia Telerin. Durante la dictadura se le prohibió trabajar y se dedicó a animar fiestas infantiles.

En radio hizo, además de “Cordialmente”, el “Kenia Sharp Club”, por Radio Nacional, en tanto recibió cuatro premios Martín Fierro (1967, 1968, 1971 y 1972) por sus distintas labores y el Premio Prensario como Mejor Programa Radial de 1984. Los últimos trabajos en la televisión importantes han sido “Cordialmente” y “Homenaje” en ATC a mediados de los ochenta.

Se nos fue un gran actor, un gran hombre… Ahora los ángeles están de fiesta.

Marisa Catania.

24 horas de la mejor música de la década de los 70!!

2009-09-21T00:46:00.002-03:00

Los amigos de RADIO CERO programaron 24 hs corridas
de música de la década de los 70,
para recibir a la primavera,
que comienza justo hoy por estas latitudes!
Queremos compartirlo con ustedes!
Hoy, 21 de setiembre, hasta las 12 de la noche, hora Argentina!
Solo tenés que hacer click en la imagen y empezar a disfrutar!

También están en facebook: ACÁ

ALL THEY ARE IS DUST IN THE WIND

2009-09-15T17:40:00.000-03:00

Kansas es una banda estadounidense de rock progresivo que alcanzó la popularidad en la década de los años 70
Fue fundada en 1970 por el bajista Dave Hope, el baterista Phil Ehart y el guitarrista Kerry Livgren, a quienes se unieron el vocalista Lynn Meredith, los teclistas Don Montre y Dan Wright, y el saxofonista Larry Baker. Después de una serie de cambios en su formación, el grupo se asienta con Hope, Ehart, el violinista Robby Steinhardt, el teclista y vocalista Steve Walsh y el guitarrista Rich Williams. Esta alineación grabó los mayores éxitos de la discografía de Kansas, que constituyeron además los mayores éxitos de público que incluyeronlas canciones: "Carry On Wayward Son" o "Dust in the Wind".

Dust in The Wind es la séptima canción en el álbum discográfico "Point of Know Return" lanzado en 1977, interpretada y grabada por la banda de rock progresivo Kansas.
Llegó al #6 lugar de las listas de popularidad del Billboard Hot 100 en la semana del 22 de abril de 1978 siendo este el único single de Kansas que ha alcanzado el top ten en el Billboard Hot 100. Fue escrita por Kerry Livgren, y fue una de las primeras piezas acústicas de la banda; su melodía suave y su letra melancólica difiere ostensiblemente de otros éxitos de la banda, como "Carry On Wayward Son" y "The Wall". El interludio de la canción contiene una melodía distintiva y memorable solo de violín interpretado por Robby Steinhardt.
Está compuesta con un profundo significado espiritual y se toca actualmente en muchos funerales.
Kansas también publicó una versión en vivo de la canción en su álbum Two for the Show.
Diversas bandas y cantantes hicieron covers de esta canción. Entre las mas conocidas están Sarah Brightman, Scorpions, The Eagles, Cat Stevens y Simon & Garfunkel

Después de una serie de tensiones entre los miembros del grupo, éste se disolvió en 1984, pero volvería a escena en 1985.

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La banda estadounidense Kansas llega por primera vez a la Argentina en el contexto de su gira internacional con motivo del festejo de sus 35 años de carrera. Se presenta el 17 de septiembre en Tango (ex Cine Metro).
Así, en el marco de su recorrido por Sudamérica -realizará shows en Argentina, Chile, Perú, Panamá y Guatemala- Kansas llegará a nuestro país con su formación actual.

Fuente: Wikipedia, Web oficial

Mátame suavemente....

2009-09-07T00:37:00.000-03:00

Roberta Flack fue una de lals cantantes solistas destacadas de la década de los 70.
Sus dos primeros álbumes (First take en 1969 y Chapter 2 en 1970) apenas sonaron y no llegaron a colocar ningún sencillo. Pero esto cambió cuando en la banda sonora de Play Misty for Me se incluyó una versión de The First Time Ever I Saw Your Face . El single se convirtió en número uno y permaneció en lo más alto seis semanas, convirtiéndose en uno de los mayores hits de 1972.

En ese mismo año Roberta se unió con su compañero de clase Donny Hathaway para grabar un álbum juntos, del que se extraerían éxitos como Where is the love o la versión del clásico de Carole King You've got a friend.

Pero su mayor éxito le llegaría en 1973, y el tema Killing me softly with his song, convirtiéndose en número uno por cinco semanas y siendo uno de los grandes hits de la música contemporánea.
Muchos cantantes han hecho covers de esta canción, entre los cuales se encuentra, en nuestro país, Sergio Denis

En 1974 volvió a las listas de ventas con Feel Like Makin' Love. En ese año se tomó un descanso para actuar con fines benéficos. En los siguientes años sus apariciones eran escasas pero continuaba trabajando duro. En 1979 Donny Hathaway se suicidaba haciendo volver a la escena a Roberta. Afectada por la pérdida, buscó un nuevo compañero musical; Peabo Bryson, con quien hizo una larga gira durante 1980. En 1983 grabaron juntos, consiguiendo el éxito Tonight, I Celebrate My Love. Durante toda la década de los 80s se centró en actuar más que en grabar, haciendo numerosas giras y actuando junto a Miles Davis.

Volvió a los puestos altos de las listas en 1991 con el dúo Set the Night to Music junto a Maxi Priest. Durante toda la década de los años 1990 y en la actualidad se dedica a hacer interminables giras mundiales, en las que especialmente se centra en el jazz.

Fuente

Disco Demolition

2009-07-12T12:38:00.007-03:00

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¡Hoy se cumplen 30 años de la famosa Disco Demolition!
El diario Crítica Digital publicó un artículo muy interesante, en donde cuenta lo sucedido en la ciudad de Chicago, cuando el locutor Steve Dahl convocó desde su radio a quemar todos los LP de música disco.
Les copio una parte del mismo, una breve reseña y luego el suceso en cuestión.

Así como para los argentinos, 1978 será por siempre el año del Mundial de Fútbol, la cultura global de aquel tiempo parecía estar unificada por dos palabras: disco music. Eran los años de oro de las discotecas, la hoy icónica bola de espejos y John Travolta encarnando a Tony Manero en Fiebre del sábado por la noche, la película que hizo que el género explotara en todo el globo como una pandemia. La banda de sonido del film, que además era doble, vendió 30 millones de unidades (hoy ya supera los 40 millones), constituyéndose así en el álbum más vendido de todos los tiempos, hasta que Michael Jackson rompiera su marca con Thriller.

No sin resignación, las compañías discográficas, las productoras de Hollywood y las agencias de publicidad dieron su brazo a torcer y se subieron al tren imparable de la música que transformaba en oro todo lo que tocaba. Los Bee Gees, otrora campeones de la canción con melodía azucarada, se convirtieron en una usina de ritmo y resucitaron una carrera que se venía a pique. Los Rolling Stones conquistaron un nuevo número uno con “I Miss You”, un tema disco, hazaña que repetirían Rod Stewart con “Da Ya Think I’m Sexy?” y Kiss con “I Was Made for Loving You”, todo en la misma temporada, 1978.

Así, las cartas parecían echadas y al año siguiente se confirmó y acentuó el dominio casi exclusivo de la música disco, con radios de rock que cerraban y de pronto renacían con nuevo nombre e ímpetu de discoteca. Además, florecían en todas las ciudades los “roller bars”, boliches para niños con patines y ganas de imitar a los grandes, pero en un ámbito sin alcohol. Parecía no haber lugar para ninguna otra cosa que no fuera disco music... hasta que llegó un loco con una bomba.

El loco se llama Steve Dahl, y en 1979 se había quedado sin trabajo en WDAI, una emisora de Chicago que se cambió al formato disco. Fue contratado por una radio rival y desde allí planeó un contraataque que comenzó con un simple en el que satirizaba a Rod Stewart: “Da Ya Think I’m Disco?”. La buena recepción del tema le mostró que había un fuerte sentimiento antidisco en una parte de la población y decidió explotarlo, literalmente. Convenció a la emisora de hacer una promoción por la cual todo aquel que concurriera al partido entre los Detroit Tigers y los Chicago White Sox, el martes 12 de julio de 1979, podría entrar por sólo 98 centavos (la radio transmitía por el 97.9), siempre y cuando viniera con un álbum de música disco que se destruiría en una ceremonia durante el entretiempo. La idea recibió el nombre de Disco Demolition Night.

Steve Dahl consideraba que si lograban atraer a cinco mil personas, la promoción habría sido un éxito. Pero concurrieron 75 mil espectadores con un disco bajo el brazo, listo para ser ofrecido en sacrificio. Dahl, vestido de soldado, recibió una ovación de la multitud cuando apareció en el campo de juego, adornado con enormes banderas que repetían un eslogan único: Disco sucks (“La disco apesta”).

Todos los ejemplares habían sido apilados en un enorme container y Dahl procedió a dinamitarlo. La explosión se quedó un poco corta (ni siquiera la mitad de los discos fue destruida), entonces los concurrentes al evento decidieron colaborar invadiendo la cancha para destrozar las placas con sus manos o con lo que tuvieran a su alcance. Miles de personas fuera de control desbordaron a un tímido cordón de seguridad y le prendieron fuego no solo a los discos, sino también al campo de juego.

Cuando llegó la policía y comenzó la cacería de los enardecidos antidisco, los espectadores de la segunda bandeja, que no podían acceder al campo, atacaron arrojando sus álbumes a las fuerzas de seguridad como se tratase de un frisbee. Toda la cancha quedó cubierta con vinilos destrozados y el referí dijo que no se podía seguir jugando en esas condiciones por lo que el partido quedó suspendido.

La noticia tuvo una difusión internacional, y sus efectos fueron demoledores para la música disco, ya que la campaña hizo que mucha otra gente se manifestara harta de ella. Era evidente que el estilo había superado la barra de la saturación y que el cansancio se había extendido por todos lados. Las radios que habían cambiado a una programación disco alcanzaron las primeras posiciones de audiencia, pero cayeron estrepitosamente en menos de seis meses. Las 100 mil discotecas que se calcula que hubo en el mayor auge de la era disco, comenzaron a cerrar por falta de clientes, hasta que quedó una cantidad razonable en pie: menos del 10 por ciento.

Hoy, Steve Dahl continúa trabajando en radios de Chicago y goza de gran reputación en el terreno de los talk shows. En su sitio de internet no faltan los videos, fotos y audios originales de su gran acto de 1979, recordando ahora los treinta años transcurridos desde aquella noche en la que demolió la música disco.

Como en cualquier buen thriller, el monstruo no fue destruido del todo y se refugió bajo tierra para mutar y resurgir varios años más tarde, en la mismísima Chicago, bajo el nombre de acid house. Pero esa es otra historia, porque nada se pierde: todo se transforma.

Fuente: Crítica Digital y The Steve Dahl Show

Peques,vamos a la cama?

2009-06-23T09:27:00.012-03:00

A partir del año 1967 aparecieron unos hermanitos que nos mandaban a la cama con unas vocecitas tan tiernas que nos quedabamos dormidos en mitad del camino.
La familia telerín compuesta por Cleo,cukin,colitas,pelusin,Maripí y teté .

Unos hermanitos bien unidos y muy soñadores de ilusiones y fantasías.
Con tanto éxito comenzaron a editarse sus discos bajo el sello de quino
Vamos a la cama

Vamos a cantarle a mamá
Feliz cumpleaños
Vamos a la tele
Vamos al circo
Vamos a multiplicar
Vamos a pasear
Vamos a estudiar
Vamos al futbol
Sus canciones eran cantadas por “Los pibes latinos”Y su creador fue José Luis Moro.
Merchandising pufff a roletes.
Rayito de sol no podía ser menos lanzó su linea de muñecos.De hecho solo una tengo por ahora.(dos lineas una parlante con su disco y la otra normalita).
También se lanzó perfumería para así convencernos de que somos mas bonitos limpitos y perfumados.
jabones,talcos,colonias,shampoo. Todo esto apoyado con el cine,”El mago de los sueños”estrenado en junio de 1969 cuando yo apenas tenía un año. Una peli recomendada para recuperar la fantasía y magia de la niñez. Juan Carlos Mareco”Pinocho hizo la voces de todos los personajes en un bloque.
También le dieron su espacio en la revista anteojito.
Cuentos y también diapositivas,en otro juego de rayito de sol(el calevisor). Tambien compartieron un álbum de figus con Periquita.
Sin dudas con una familia con encanto ,magia y ternura que con sus voces inigualables nos mandaban a la cama..
♫♫♫Vamos a l cama ,que hay que descansar,para que mañana podamos madrugar”♫♫
Hasta mañana peques!!!

No se pierdan el cuento de caperucita un segmento de la peli el "Mago de los sueños ".Sin dudas pura ternura!

Marisa Catania,para te cuento los 70

Pequeño saltamontes

2009-06-04T14:32:00.005-03:00

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El maestro extiende su mano y muestra en la suave y vieja superficie de su palma una única y brillante piedra.
_¿Ves la piedra? - le pregunta
_ Sí. Es muy bella - responde Kwai.
_ Todas las cosas tienen belleza –dice el maestro-. Ahora con tanta rapidez como puedas, arranca la piedra de mi mano.
Sin dudarlo, el estudiante se decide, y con un único y hábil movimiento sin preparación, lanza su mano derecha hacia la piedra. Y la aparta vacía. La mano del Maestro se ha cerrado y alzando la vista hacia él, con rostro inexpresivo dice;
_ Cuando puedas tomar la piedra de mi mano, entonces será el momento de que te vayas.

La serie "Kung fu" (1972/1975) cuenta la historia de Kwai Chang Caine, un monje shaolín nacido en la China imperial que llega al oeste estadounidense a fines del siglo XIX. Viaja con una chaqueta raída y un morral en el que atesora una flauta, alguna medicina y antiguas armas de combate, además de la sabiduría que sus maestros le transmitieron desde que fue entregado a una vida donde cuerpo y espíritu debían, finalmente, confundirse.
El forastero de ojos rasgados esconde un secreto, la razón por la que escapa y por la que no podrá volver jamás, principio de un éxodo que terminará convirtiéndolo, también en la nueva tierra, en un prófugo.

Odia la violencia, pero sin embargo siempre termina protagonizando situaciones en las que no tiene otra salida que aplicarla, como sólo él sabe hacerlo. Los responsables de dar una estética a esta variante del spaghetti western atravesada por la filosofía y las artes marciales orientales (de un año antes es el clásico "El sol rojo", que mezclaba vaqueros con samuráis) aprovecharon el uso de la cámara lenta para las escenas de combate (en el mismo sentido que el director Sam Peckinpah en sus películas), el sol en contraluz, así como los flashbacks, secuencias que se remontan al pasado, en las que los maestros apodaban a su discípulo "pequeño saltamontes", y que son clave para entender el presente. Así quedaría perfilado el fugitivo extranjero, perdido un territorio marcado a fuego por la corrupción y la violencia.

Cuenta la historia de la TV norteamericana que el primer elegido para interpretar al personaje fue el oriental Bruce Lee, pero que en un arranque de xenofobia los directivos de la ABC decidieron descartarlo y elegir a uno de los suyos. El improvisado casting tuvo un triunfador local, David Carradine, que entonces tenía 36 años. El hijo mayor del famoso John Carradine ya era una figura en ascenso del cine y la TV.
La serie, que comenzó a emitirse en octubre de 1973, terminó, después de tres exitosas temporadas, en junio de 1975, por la simple y única razón de que Carradine estaba agotado físicamente (admitió haber recibido más golpes de los que esperaba), a consecuencia de muchos rodajes en los que debía poner, literalmente, el cuerpo.

Cuarenta guionistas participaron de los 62 episodios de la serie, que pegó fuerte en la estética hasta entonces usada para este tipo de productos, dirigidos por una docena de realizadores, que siguieron al pie de la letra el dogma lanzado por Spielman. Junto a Carradine aparecieron numerosos invitados (incluidos su papá John y sus hermanos Keith y Robert), como John Saxon, el mexicano Emilio Fernández, William Shatner, George Dzundza, Harrison Ford (cuando su nombre recién había aparecido en "American Graffiti"), el cantautor José Feliciano y Leslie Nielsen, entre otros.

En Argentina tuvo esta serie un éxito rotundo. Durante el año 1974 por cada emisión de la serie, el 13 supo alcanzar picos de más de tres millones de espectadores frente a los receptores, en especial cuando se trataba de capítulos dobles.
En casa la mirábamos siempre. Primero porque le gustaba a mi papá, y luego porque nos gustaba a todos.
A mi me daba mucha pena, porque parecía que nunca sería feliz. Cada vez que encontraba un lugarcito de paz, o alguna mujer que lo quiera mimar un poco, se tenía que ir el pobre.
También se contaban chistes sobre el Pequeño saltamontes, pero en este momento no recuerdo ninguno. Por ahi algún lector tiene mejor memoria que yo!

David Carradine falleció hoy, a los 72 años, en un hotel de Bangok, en donde se hallaba rodando una película.

Fuente Diario La Nación

UNA SINTESIS GENIAL

2009-05-20T19:38:00.007-03:00

El 16 de octubre de 1971 falleció en París, donde residía desde 1953 Emilio Pettoruti -probablemente el pintor argentino de mayor reconocimiento internacional y cuyas obras se encuentran en diversos museos y colecciones del mundo- poco antes de concretar su traslado definitivo a la Argentina.

Había nacido en La Plata en 1892. Obtuvo una beca en 1913, trasladándose a Florencia, donde tomó contacto con los futuristas –de cuyo manifiesto, publicado en 1909 en el diario Le Fígaro de París, se cumple un siglo- quienes planteaban la representación abstracta del movimiento.

Hizo varias exposiciones en Italia y Alemania, y en 1923 viajó a París, donde conoció a Juan Gris (1887-1927) uno de los artistas más puros del cubismo analítico.

Avenida arbolada ............................................... Dinámica del viento

De esas dos experiencias, Petto –como le decían sus amigos- logra una síntesis genial: el futurocubismo.

Regresó en 1924 a Buenos Aires, para presentar una exposición en la galería Witcomb de la calle Florida, cuyo vanguardismo dividió a la ciudad, acostumbrada a un realismo de tipo impresionista con tintes pintoresquistas, llegándose a opinar que la exposición “Constituía una grave ofensa inferida a la dignidad del país”, al tiempo que otros, como su colega Xul Solar (1887-1963), con quien se había encontrado en Europa en 1916, saludaron su pintura como propia de la época, destacando la simplicidad de medios expresivos como la arquitectura clara y sobria de su obra.

El maestro –cuyo propósito era “hacer un arte sólido como el que quería (Paul) Cezanne (1839-1906)” consideraba que la obra de arte debía reunir como condición esencial “lo geométrico, la claridad y sobre todo el orden” Su pintura -en opinión de un crítico- está entre la modernidad y la tradición, llevando la figuración a una nueva pero a la vez reconocible representación.

Farfalla .................................................................................................... Quinteto

Entre los años 1930 y 1947 Pettoruti dirigió el Museo Provincial de Bellas Artes de su ciudad natal, viajando durante ese período a Chile, Uruguay y Estados Unidos para exponer sus obras, hasta que en 1952 se trasladó a Europa, donde continuó pintando y exponiendo nuevas obras que avanzaron en el camino de la abstracción, como sus célebres Farfallas (Mariposas) y donde lo sorprendió la muerte.-

Hugo Perini, para Te cuento los setenta

Algunas publicidades

2009-04-27T23:48:00.002-03:00

El post de hoy es un tutti frutti. De todo, como en botica!

Pusimos un reproductor de música nuevo, con algunos de los temas mas conocidos de la década. Han quedado muchos afuera, pero los iremos variando para no aburrirnos. Por ahora hay 14 temas, nacionales y extranjeros, que podés disfrutar con solo poner play.

Si usás facebook, buscános, también estamos allí. Con regalos de la época para todos, con juegos, encuestas y las novedades en tu bandeja de entrada.

Y ahora, un poquito de publicidad. Y bueno, de algo hay que vivir! (?)

Este video lo encontré en YouTube. Es un compilado de publicidades de los años 70.
Si la memoria no me falla, el primero, con Susana Romero, es de los 80, me gustaría saber si todas están bien.
El de Carefree....?? El de Tubby 3 y 4...?
A lo mejor, algún lector memorioso nos puede ayudar con este tema.
Para mi, el mejor de todos, es el de los botines! Es que "en Europa no se consiguen"

Mil gracias a todos por acompañarnos, por escribirnos mails, por las sugerencias y por estar siempre!
Disfrútenlo!

Queen

2009-04-01T09:29:00.001-03:00

Los setenta están llenos de grandes artistas, glorias gigantes que perdurarán en la eternidad de la buena música. Pero hubo algunos grupos que han fusionado la novedad musical, la innovación, la vanguardia y encima contaban con carisma, lo que los convierte en inmortales.

Esta vez les contaré de un cuarteto increíble que sonaban en vivo al igual que en estudio, lo cual no sería gran logro sino fuera que se trata de un grupo que tenía cientas de guitarras, arreglos vocales imposibles, baterías solo posibles para un pulpo y un bajo tan rítmico que ni un reloj podria hacerlo mejor.

El Escudo Clásico de la banda, fue diseñado y dibujado por Freddie y está inspirado en los signos astrológicos de los integrantes del grupo.

Farouk Bulsara nació hijo de un diplomático británico en la isla de Zanzibar y se crió en un colegio pupilo en la India. Quizás su nombre no diga nada, pero si les digo que entre sus parientes y amigos los llamaban Freddie, quizás ya sepan de quién les hablo. Sus hobbies eran dos, el boxeo y la música clásica para la cual aprendió a tocar el piano. Su tono de voz era único y especial ya de adolescente. Mientras la mayoría de los hombres tienen registros que van entre el barítono y el tenor, él era contraalto, registro femenino.

Una vez egresado, se mudó con su familia a Londres, donde empezó sus estudios de Arte, compartiendo la habitación con Tim Stafel, quien tocaba el bajo y cantaba en Smile, un grupo casi anónimo que había tocado de telonero de Pink Floyd y Génesis. Freddie empezó a ir asiduamente a los recitales de la banda, también integrada por el odontólogo Roger Taylor y el matemático Brian May. Luego de un fracaso discográfico con la edición de un simple, Tim Staffel larga la banda, no sin antes sugerir un reemplazante. Su compañero de facultad.

Arriba, May; izquierda, Deacon; derecha Taylor y por último Freddie.

Consiguieron en una audiencia al bajista John Deacon. Freddie se puso el apellido artístico Mercury en honor a la deida griega y sugirió de entrada cambiarle el nombre a la banda por el de Queen. Grabaron algunos simples, pero nada pasó hasta que luego de tocar en el mítico Marquee consiguieron un contrato para grabar el primer disco homónimo publicado en 1973. Si bien este primer trabajo no se parece casi en nada a lo que musicalmente nos demostró Queen más adelante, se podía notar una increíble obsesión por los detalles, las letras místicas y un sonido hard rock que llevarían adelante con altibajos a lo largo de toda su carrera.

Al año siguiente, editan Queen II, un disco conceptual extremadamente ambicioso para una banda nueva, pero la pegan con Seven Seas of Rhye en el Top Ten. En 1975 sale a la luz Sheer Heart Attack y el sencillo Killer Queen llega al puesto número dos. El disco estuvo casi un año entre los más vendidos y el grupo estaba de para bienes.

Sin embargo, la masividad llegaría con la contratación del grupo por parte de EMI y, por ende, el mayor presupuesto con el que contaban, el cual sería aprovechado al máximo. A lo largo de 5 meses grabaron un disco ambicioso por dónde se lo mire. A night at the Opera se dió a conocer en noviembre del '75 a través de una canción que eligió la banda y la discográfica se negaba a difundirla por su extensión. Sostenían que nadie toleraría en la radio una pista que dure 6 minutos. Freddie insistió y la compañía aceptó. Rapsodia Bohemia llegó al puesto numero 1 al instante.

Canción llamativa y curiosa por dónde se la mire. Una balada dramática que pasa por un intervalo de ópera -para la cual se regrabaron las voces de los 4 miembros superponiéndolas unas 150 veces- derivando en un heavy metal que decae nuevamente en la balada. El éxito fue rotundo, llegando al puesto número 1. En el mismo disco estaban incluídas You`re My Best Friend y Love of my Life, como si fuera poco.

Para no dormirse en los laureles, al año siguiente editan A Day at the Races, en el que se incluía un nuevo clásico de la banda llamado Somebody to Love. El disco tuvo un éxito discreto para nada despreciable, alcanzado el puesto 2 de la lista. Pero en 1977 aparece un simple como adelanto del futuro disco que los transformaría en clásicos de cualquier cancha, pero no les generaría ningún primer puesto. We Will Rock You y We Are the Champions eran las dos caras del mismo y salieron un par de semanas antes que el LP News of the World.

En 1978 empiezan a aparecer algunas contradicciones entre la crítica y el esfuerzo del grupo con la edición del disco Jazz que fue vapuleado por los especialistas. Si bien el disco no era para nada conceptual, como compendio de canciones era excelente. Tuvo tres cortes de difusión -Don`t stop me Now, Bicicle Race y Fat Bottomed Girls fueron- y una buena aceptación del público, aunque ya ranqueó lejos de lo que estaban acostumbrados en sus trabajos anteriores.

Sin embargo, el disco doble en vivo Live Killers, los colocaría nuevamente en el primer puesto a ambos lados del océano atlántico, lo que los impulsó a entrar a grabar nuevamente, pero con una idea fija. Cambiar la imágen. Se cortaron el pelo, se dejaron de maquillar, se vistieron con ropa de calle y cambiaron de escenografía. Editan The Game y todo estalla de nuevo. Crazy Little Thing Called Love es puesto número uno en todas partes y es el primero de una seguidilla de éxitos extraídos del mismo album. Another One Bust the Dust empieza a sonar en cuanta discoteca abriese, Save Me era cantada por la calle por cualquier adolescente sombrío y Play the Game la pasaban hasta en los noticieros. El disco fue número uno en Europa, Estados Unidos, Japón y Sudamerica, lo que impulsó a la banda a lanzarse a una gira por estos pagos, que lo único de moda extranjero que había visto hasta ese entonces, era la selección holandesa en el mundial `78.

Arrancan los `80 y la historia es más conocida para todos. Un Grandes Exitos que es el disco más vendido de la historia de Gran Bretaña, la banda que aterriza en Buenos Aires en 1981 y llena el Estadio de Velez. Viola pidiendo una foto con el grupo, un milico amenazando a Brian May para que acceda. El grupo que edita Hot Space, un rotundo fracaso del que sólo se destaca Under Preassure con el Maestro Bowie, la banda se toma un descanso. Freddie viaja a Nueva York para pasársela drogado y enfiestado. Vuelven. Lanzan The Works, llegan a la cima nuevamente, comienzan los rumores. A kind of Magic como banda sonora de Highlander, siguen los rumores. El recital de Wembley y el Live Aid en 1985, la despedida de Queen de los escenarios, los rumores que se hacen incontrolables. La edición de The Miracle, el éxito rotundo, Freddie que aparece en público demacrado, los rumores que se agigantan y parecen no tener fin...hasta Innuendo, que no significa otra cosa que insinuación.

Queen en la Argentina previa a la Guerra de Malvinas, cuando Maradona todavía no pensaba que los ingleses eran unos ladrones.

Una banda increíble que marcó un antes y un después en la escena musical. A pesar de la complejidad compositiva, sus temas fueron grabados hasta por Metallica. El grupo favorito de todas las madres que nunca entendieron las letras. El grupo favorito de todos los machotes rockandroleros argentinos que se quisieron matar cuando supieron que Freddie era gay. El grupo favorito de los niños. La primera banda de la que cualquier adolescente se sigue haciendo fanático.

Queen.

Volví a postear. Si hoy no llueven bolsas de cemento, le pega en el palo.

Bruno, para Te Cuento los Setenta

Los aventureros

2009-03-26T09:14:00.017-03:00

Un clásico film de culto. Tres amigos y el espíritu aventurero. Manu, Roland y Laetitia, parten al Congo en busca de un avión hundido con un tesoro oculto. La trama es simple: Son perseguidos por un grupo de mercenarios que también van tras la misma recompensa. En plena etapa de la descolonización de África y el surgimiento de movimientos estudiantiles y sociales, ésta película muestra algo políticamente incorrecto: También se podía dar la vida por dinero y ésos héroes ser tan adorables como los que la ofrendaban por ideales.

Más allá de la sinopsis argumental, lo que se desprende de ésta película es la melancolía por una forma de hacer, entender y disfrutar la amistad y el espíritu aventurero. La búsqueda de ese tesoro, no es otra cosa que el afán de reencontrarse uno mismo en lo que se soñó de joven (en el caso de Lino Ventura) y darle sentido a la vida (en el caso de Alain Delon). Pero éste film también incorpora en el guión algo impensable: que la bella, dulce e inocente Leticia, muriera en un accidente estúpido, picada por un pez.

Leticia, cantada por Alain Delon. Título original "Entierro submarino".

Cine puro de aventuras sin mayores efectos especiales. La valorización de la amistad, el amor y el compañerismo. Una película exitosa e inmensamente popular en su momento y que marcó una época. Espectacularmente interpretada por la insuperable dupla de Alain Delon y Lino Ventura, ambos en su mejor momento, más el aporte de una exquisita Joanna Shimkus en el especial papel de Laetitia, personaje del cual se enamorara toda una generación.

La fecha de estreno mundial resulta caprichosa. En la Argentina de los 70, las películas se seguían pasando cada tanto, complementaban estrenos y había relanzamientos. Es que la Televisión no se los fagocitaba en seis meses. Cuando averigüé el año del lanzamiento de esta película que me impactó de chico, me sorprendió saber que había sido presentada al menos 10 años antes de que yo -supongo- la hubiera visto en el cine. Me pasa con Tobruk, Los cañones de Navarone, 12 del patíbulo o Los hermanos Karamasov, entre tantas otras. Muchas estrenadas originalmente cuando aún no había nacido.

En aquella época íbamos al cine a ver de a tres películas. Si teníamos suerte (y dinero), a la salida podíamos comernos un tostado con licuado de banana, y volvernos caminando a casa, sin importar la hora. Es cierto que los recuerdos siempre son tristes porque parten de reconocer el hecho de que, lo que fuera, no volverá a repetirse. Pero aquí estamos, reviviéndolos.

Creo que el cine, como toda expresión cultural ha tenido parte importante en la constitución de las personas que somos ahora. Tal vez sea este presente un mundo de sueños rotos, pero nos queda para regocijo recordar un tema musical, una escena, un actor, una risa compartida con amigos en la oscuridad de una sala, que sonaban a eternos, en un mundo que aun seguimos construyendo, como Los Aventureros.

El trailer de la película.

Título original: Les Aventuriers (1967) Dirigida por Robert Enrico; con Alain Delon, Lino Ventura, Joanna Shimkus y Serge Reggiani.

¿A ver si te conocés ésta?

2009-03-20T19:05:00.000-03:00

Debo confesar que no recordaba el nombre de la cantante, pero si el tema .
La inglesa Deirdre Elaine Cozier, más conocida como Dee D. Jackson tuvo su auge en la era de la música Disco, a fines de los años 70. Nació en el Reino Unido, pero se mudó a Munich en donde trabajaba procuciendo películas de ciencia ficción. Pero, en realidad, a la muchacha le gustaba cantar. Y asi fue como se lanzó con todo al mercado de la música, logrando un exitazo, Su primer single fue Automatic Lover, que en 1978 arrasó las pistas de baile de Brazil, Argentina, Italia, Francia, España, Turquía, Alemania y Japón.

En este vídeo podíamos ver a la estrafalaria Dee D. en una historia de amor, contoneándose junto a un robot que le hace los coros. Su vestuario era único. La ropa que ella se imaginaba que vestían las princesas intergalácticas o las aventureras de otros mundos. La moda Star Wars estaba en pleno apogeo....

Que lo disfruten!

Endulza tu vida...

2009-02-28T09:55:00.008-02:00

Nunca llegaron a mis manos.Imagino que para esa época debieron de ser muy caras como lo son en la actualidad …Los vendedores de antigüedades juegan con nosotros, quieren abusar de nuestros bolsillos y darnos con un hacha,con estas maravillas guarda caramelitos.
Felipe Fort,dueño y señor de la merchandising del mundo de García Ferré ,lanzó además de estas fantásticas carameleras diversidad de golosinas,como el chocolate jack que en su interior contenían personajes del mundo de trulalá y hoy en día los coleccionistas nos matamos por ellos en las ferias. (Foto tomada del amiguitus Luis Ardouin)

El sombreritos con su interior lleno de golosinas y sorpresas(Muero por uno de estos )Y el añorado Nutri super hijitus que al tomarlo creíamos que obtendríamos los super poderes del nenito volador super hijitus..El más grande super héroe de todos los niños.
En la década de los 70 aparecían estas carameleras,que al verlas hoy en día en ferias pensé dos veces en armar repimporoteos para poder saquear y salir corriendo…
Eran realizadas en plástico inflado,pintados a mano totalmente hueco y millones de caramelitos en su interior.Tenían un taponcito en la base de cada personaje ,la única caramelera que había que decapitar era al pobre comisario..Marche palcalabozo sin repimporotear.

Su altura promedio era de 20 cm.
Realizaron 11 motivos.
El hada Patricia :que de tan buena empalaga
Larguirucho :que al verlo me enamora
Raimundo :peor que Jaimito
La bruja cachavacha:que de tanta maldad es simpática
hijitus en el cofre:Cuidando que nadie lo agarre desprevenido
Neurus sentado en el mundo: tratando de apropiarse de él.
Oaky de gala:demostrando una y mil veces que es un niño mal criado y consentido
El buzoncito:que nos trae buenas nuevas.
El comisario :que vigila para evitar piquetes y saqueos .
Pichichus : Vigilando .
Y super hijitus tocando el tambor.
Los caramelitos venían envueltos en un papel con dibujitos de los personajes ,dignos de coleccionar,eran caramelos duros.Esos que por minutos te entretenías chupando.
Despúes llegarían carameleras con otros personajes el zapato roto ,de titanes en el ring etc .Y entre ellos la caramelera de mi amor el topo gigio que de hecho nunca la ví ni siquiera en figurita.

(Una tarde hijitutera,recordando a nuestro mas grande de los heróes)
Hoy en día es el sueño de todos nosotros,los fans del mundo de García Ferré,que mantenemos vivo el recuerdo de hijitus ,lograr que todo esto regrese.
Queremos volver a tener en el kiosquito del barrio,estas maravillosas carameleras entre tantas otras cosas.(Grupo hijitus,junto al amestro de la ternura García Ferré)
Algún familiar de fort seguro tiene las matrices en algún cajoncito .
Lo lograremos,CUMPLIREMOS ESTE SUEÑO de eso no tengo dudas.
Si logramos volver a tener los dvd de hijitus en las manos.
También lograremos esto.
Vamos por más.
“Persevera y triunfarás”

Síndrome de Estocolmo...

2009-02-21T10:48:00.004-02:00

Patricia "Patty" Hearst

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Para cuando la noticia se difundió por el mundo, yo era una purreta; poco entendía de cuestiones políticas internacionales o si tal o cual reclamo eran justos o injustos por parte de determinados grupos armados... es que aún no había cumplido mis 10 años de edad.
De todos modos, no podía estar al margen de las informaciones que difundían los noticieros.
Eran épocas en las que tardaban un poquito en llegar a nuestros oídos... aún estábamos lejos de la era digital y de las comunicaciones al instante.
Así fue que por entonces una mujer de nombre Patricia Hearst iniciaba un recorrido de fama inusitada.

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El 4 de febrero de 1974 esta joven de casi 20 años, era secuestrada por un grupo armado. La víctima de dicho accionar no había sido elegida al azar, pues Patty -como se la conoció por el mundo-, era la nieta de un magnate estadounidense William Randolph Hearst: periodista y hombre poderoso de la prensa del país del norte (cuya vida fue reflejada -con otro nombre- en la película "El ciudadano").

Se dijo entonces que los secuestradores, luego de exageradas demandas, lograron que la familia Hearst donara una suma cercana a los 6 millones de dólares en comida para los pobres... pero, tras el pago, Patty no aparecía por ninguna parte y se temía lo peor...
Hasta que a finales de abril de ese mismo año, Patty fuera fotografiada en un atraco a un banco, con un rifle de asalto en sus manos...
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Luego se supo que Patty se había comprometido con las ideas revolucionarias de sus secuestradores y había cambiado su nombre por el de Tania.
Para septiembre de 1974, se dictó su orden de captura y fue arrestada en el departamento de un militante del grupo.

En el juicio -iniciado en marzo de 1976- declaró que había sido encerrada, cegada y abusada: física, psíquica y sexualmente por sus captores, lo que a la postre sería lo que habría causado en ella la decisión de comprometerse con las ideas de sus captores. Situación que se difundiría por el mundo como un caso extremo del Síndrome de Estocolmo.

La defensa de su caso no tuvo éxito, y fue condenada a prisión por el robo al banco. Tras dos años de prisión su sentencia fue reducida por el presidente Jimmy Carter, logrando su libertad condicional en el año 1979; para luego, tras varios años -y finalmente-, ser indultada en los últimos meses del mandato del presidente Bill Clinton.
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De La Candorosa para Te cuento los Setenta.

Yo en mi casa, con los zapatos rotos!

2009-02-13T03:39:00.010-02:00

Francisco Brydon Smith, mejor conocido como Francis Smith, fue uno de los iniciadores del pop argentino. Al promediar la década del 60, comenzó su carrera como integrante del grupo Los In, y desde entonces se dedicó a la composición y a la producción, y también incursionó en el cine como guionista y actor.

A toda velocidad, sus canciones alcanzaron popularidad. Se trataba de melodías pegadizas que, sin excepción, eran producto de situaciones de la vida cotidiana y tenían como protagonistas a gente común. Como muchos otros de su generación musical, Francis Smith se inició en el underground de La Cueva. Fue autor de las primeras canciones interpretadas por Sergio Denis, algunas de las más de 300 que llevan su firma, entre ellas unas 30 muy exitosas y traducidas a numerosos idiomas. Por ejemplo, las más conocidas del grupo Los Náufragos, del que fue productor, como "De boliche en boliche" , "Otra vez en la vía" , "Zapatos rotos" , "Yo en mi casa y ella en el bar", "Quedate piola, Vicente" , "Estoy hecho un demonio" (que, según reconoció, escribió como una broma sobre sí mismo, ya que nunca le gustó bailar), "Vuelvo a naufragar" y "Súbete a mi barco"

Francis Smith (a la dercha de la foto), Marilu y peluquero Ruphert, ¿lugar? "Rugantino" , ¿chisme? Francis estrenaba flamante cirugia en nariz.

Al comenzar la década del 80, fue el creador del trío Los Angeles de Smith, encabezado por su segunda esposa, Sandra. El primer matrimonio de Smith fue en 1972 con Marilú (Marilú Brajer), del ciclo musical de TV Alta tensión , con la que se casó en 1972, en una ceremonia transmitida por la pantalla chica, y con la que tuvo dos hijos.

Smith, que fue director artístico del sello CBS Columbia, donde también produjo a artistas como Pedro y Pablo (cuando popularizaron "La marcha de la bronca"), tuvo una activa participación en el cine, incluso como guionista, tal como ocurrió en la comedia Estoy hecho un demonio (1972), que dirigió Hugo Moser (su padrino de bodas), en la que también actuó junto a Juan Carlos Dual, Ricardo Dupont, Jorge Barreiro. Eduardo Lavié y Osvaldo Terranova

Francis, junto a Ricardo Dupont y Juan Carlos Dual,
en la película "Estoy hecho un demonio"

Recientemente, sus temas volvieron a escucharse en la banda de sonido de Isidoro, la película , el largometraje de dibujos animados que dirigió José Luis Massa, de acuerdo con los personajes creados por Dante Quinterno. Para la TV, donde en su mejor momento llegó a emitirse un programa infantil titulado Zapatos rotos , Smith compuso los temas de los micros animados de Mafalda, dirigidos por Daniel Mayo, que emitió Canal 11 en 1973. En 1995 recibió el Gran Premio Sadaic como "Mejor autor de música popular"

En una entrevista que concedió, comentaba:
“Nunca me imaginé que esas canciones iban a quedar como pintura de una época. Una vez Pipo Mancera me dijo ‘vos sos un periodista musical’. Yo me ponía el traje de hippie y me lanzaba a la calle Corrientes a ver qué pasaba. Yo en mi casa... la escribí en el bar La Paz, mirando a las chicas que discutían durante horas. Y el que iba de boliche en boliche era yo, buscando temas para mis canciones”, supo contarle Smith a Clarín, en la previa del estreno del filme Isidoro, la película, a cuya banda de sonido su música le vino como anillo al dedo.

El 11 de febrero de este año, falleció a los 71 años. Hacía cuatro años que recibía tratamiento de diálisis y al momento de su muerte se encontraba internado.

¿Quién de nosotros no tarareó al menos una de sus canciones?
Eran canciones fáciles, pegadizas, sin mucha ciencia, pero han perdurado durante muchas décadas.
Podemos decir que la candidez del rock de los 70, se fue con él!

Fuente: Diario La Nación.

La Opinión

2009-02-03T15:57:00.006-02:00

Era el martes 4 de mayo de 1971, yo tenía 19 años y había crecido en la generación de la información despersonalizada. Los diarios más leídos de la época como Clarín –el que se recibía en casa de mis padres- La Nación, La Prensa, Crónica en sus dos ediciones matutina y vespertina y el vespertino La Razón anoticiaban, pero no explicaban ni investigaban. Eran simples mensajeros de los cables de la agencias noticiosas, a los que se agregaba el titular –eran famosos los grandes titulares de tapa de La Razón a través de los cuales aprendí a leer en mi casa como muchos de mi generación- y algún comentario menor, con esporádicas notas firmadas.

A primera hora de la tarde me encontraba esperando que comenzara la clase de Algebra en la Facultad de Ciencias Económicas de la UBA.

Otro alumno mayor que yo y a quien no conocía, se sentó al lado mío y comenzó a leer un diario. Yo intenté hacerlo también de costado y advertí que era parecido al francés Le Monde, pero se titulaba La Opinión, estaba escrito en castellano y era la primera vez que lo veía. Llegó la profesora y el asunto quedó ahí.

A la salida de la clase, al bajar al subterráneo para regresar a mi casa compré un ejemplar en el kiosco del andén.

No tenía nada que ver con los diarios que se editaban en la Argentina en ese momento:

carecía de fotografías, no salía los lunes, ni se hacía mención en sus páginas a las carreras de caballos ni a la cartelera de cines y teatros, pero si tenía una rica cobertura cultural –Pompeyo Camps era el crítico musical y Ernesto Schoo, quien venía de hacerle la primera entrevista para un medio argentino a Gabriel García Márquez en Primera Plana era el Jefe de Arte y Espectáculos -, en sus secciones de política local colaboraban destacados escritores, políticos y periodistas como Ernesto Sábato, Juan Gelman, Rodolfo Walsh, Rodolfo Terragno, Osiris Troiani, Hugo Gambini, Tomás Eloy Martínez junto a jóvenes como Osvaldo Soriano, Horacio Verbitsky, quien se encargó de la novedosa diagramación del diario, Miguel Bonasso, Carlos Ulanovsky, y el dibujante Hermenegildo Sabat, entro otros. Para la cobertura internacional contaba con corresponsales propios en Montevideo, Río de Janeiro, Lima, Santiago de Chile, París, Washington, y una novedad: Jerusalén.

A diferencia de ellos, en La Opinión se practicaba un periodismo interpretativo a través del cual los hechos eran analizados desde notas, la mayoría firmadas, en las que se trataba de rastrear los antecedentes, fijar el contexto y visualizar sus consecuencias, llegándose a veces a presentar dos opiniones opuestas sobre el mismo hecho.

Su director era el periodista Jacobo Timerman, quien en la década del 60 había revolucionado también el medio gráfico con dos revistas Primera Plana y Confirmado, que fueron las primeras en nuestro país en adoptar el modelo de las magazines americanas como Time o Newsweek, y de las que luego se había desvinculado.

La oportunidad para lanzar el nuevo diario se la plantearon los directivos de los talleres Gráficos Alemann, debido a que habían dejado de imprimir The Buenos Aires Herald, por lo que tenían capacidad ociosa, lo que les permitía ofrecerle un buen pecio a Timerman por sus servicios.

Costaba mas caro que sus competidores e iba dirigido básicamente a la juventud capaz de dejar de tomar un café para comprarlo.

Luego de su salida a la calle, la situación política se fue complicando cada vez más y también La Opinión se fue complicando cada vez más con ella en esa complicada década del 70, lo que llevó al diario y a su director a apartase de muchos de sus objetivos iniciales y a muchos periodistas a apartarse del diario; sin embargo ello no implica desconocer su carácter transformador del periodismo argentino durante los setenta, que luego continuarían, a su modo, medios como Página 12 y la nueva Crítica.-

Por Hugo Perini, para Te cuento los Setenta

En la isla se cumplen tus sueños

2009-01-14T23:55:00.004-02:00

Ricardo Montanbán nació en México, en 1920, y falleció el 14 de enero de este año, en Los Angeles, California.
Mantuvo su nacionalidad mexicana por propia elección, sin jamás haber solicitado la ciudadanía estadounidense.
Comenzó su carrera en México en la década de 1940 y se hizo conocido en EE.UU. en 1948. Entre 1957 y 1959 actuó en Broadway en el musical Jamaica junto con Lena Horne. Por su actuación fue nominado para el premio Tony como mejor actor en musicales.
Tal vez sus actuaciones más conocidas fueran la del personaje del Sr. Roarke en la serie de tv La Isla de la Fantasía y el que se dice es el mejor villano en la serie de películas de la saga Star Trek: Khan Noonien Singh en el filme Star Trek II: La ira de Khan . Recibió un Emmy por mejor actor secundario en la serie "How the West Was Won" ("La conquista del Oeste") en 1978. Montalban continuó trabajando, incluso en silla de ruedas en sus últimas películas debido a sus dolencias lumbares.

La isla de la fantasía es su trabajo más importante en la década que nos atañe.
En mi casa la mirábamos siempre. Era una serie que combinaba todos los ingredientes necesarios para mantener enganchada a la familia entera. Romance, suspenso, diversión.
Seguramente la recuerdan.
Los sueños se hacen realidad en una paradisíaca y glamorosa isla del Pacífico, donde un misterioso millonario, Mr. Roarke (Ricardo Montalban) secundado por el enano Tattoo (Hervé Villechaize), hace que los invitados puedan vivir sus sueños más preciados por la módica suma de 50 mil dólares cada uno.
Se inició como show semanal el sábado 28 de enero de 1978 a las 22:00 por la ABC y llegó a totalizar 152 capítulos hasta el 19 de mayo de 1984, en que salió de la programación.
El entorno era ciertamente romántico: una remota isla fabulosa en la que cada visitante podía cumplir el sueño de su vida. Ejemplos: un muchacho apocado y hogareño podía convertirse en objeto de deseo de hermosas mujeres, un vendedor frustrado podía efectuar el negocio más rutilante de su carrera, un padre de familia sometido por su esposa podía lograr el respeto de su familia durante ese fin de semana, en fin …
En algunos casos surgía un elemento peligroso, una vuelta de tuerca o una jugada del destino, pero invariablemente se arribaba a un final feliz, o al menos se intentaba traslucir una moraleja. El director de este carrusel fantástico era Mr. Roarke, siempre vestido de blanco, tal como Tattoo, su “mano derecha” con un fuerte acento francés y un metro con veinte de estatura. El pequeñín abría cada emisión avistando la llegada de los pasajeros al grito de “¡El avión, el avión!’. Luego, junto al anfitrión los recibían con tragos tropicales, guirnaldas hawaianas y sonrisas edulcoradas.

Vaya este pequeño homenaje a tan excelente actor, que, ahora desde el cielo, capaz que esté jugando nuevamente a cumplir sueños, esta vez de verdad.
No se a ustedes, pero a mi me tienta pedirle alguno! :)

Fuente: Wikipedia, RetroBlog

Espacio de promoción

2008-12-11T15:52:00.002-02:00

Me llegó por mail la promoción de un evento, y pensé que les podía interesar.
Les copio de que se trata y adjunto el link del blog que lo organiza.

MAÑANA 12 DE DICIEMBRE DE 2008 , EL ULTIMO EVENTO DEL AÑO , 4TO. CONVENCION RETRO METROPOLITANA , EN EL TEATRO LA TERRAZA , COMPLEJO LA PLAZA , AV. CORRIENTES 1660, 20 HS , AFETR OFFICE , NO TE LO PODES PERDER , ITALPARK ...LA LEYENDA CONTINUA , ARCHIVOS FILMICOS , PUBLICIDADES Y PERLITAS DEL DESAPARECIDO PARQUE DE DIVERSIONES , RECORDAMOS EL ZAPATO ROTO , CON LA PROYECCION DE IMAGENES DEL PRIMER PROGRAMA CON LA PRESENCIA DE CARLITOS BALA .

HOMENAJE A LOS TITANES EN EL RING , TE REGALAMOS LA PROYECCION DE LOS ARCHIVOS DE CANAL 13 , CON LAS LUCHJAS QUE NUNCA MAS VOLVISTE A VER , Y LA PRESENCIA EN VIVO Y POR PRIMERA VEZ EN UN EVENTO RETRO DE EL SUPERPIBE 72 , SI EL QUE LUCHABA CON PEPINO , NUNCA ANTES LO VISTE EN VIVO Y RETRO MAGIA COMIC LO HACE POSIBLE , ADEMAS , EL GITANO IVANOFF , EL ALDEANO , JULIO CESAR Y JORGE BOCACCI.

TE PRESENTAMOS EN EXCLUSIVA EL DEMO DE LOS GUERREROS DEL RING , ENTRETENIMIENTOS , SORTEOS Y MUCHAS SORPRESAS MAS , NO FALTES

ESTE VIERNES 12 DE DICIEMBRE DE 2008 , 20 HS , TEATRO LA TERRAZA , COMPLEJO LA PLAZA ,
AFTER OFFICE , LOCALIDADES LIMITADAS

Organiza Blog Retro Magia Comic

En los setenta los directores de orquesta sí eran tres

2008-12-01T09:47:00.002-02:00

Durante los setenta, tres fueron los grandes directores de orquesta que acapararon la atención de los melómanos mundiales: el austríaco Herbert Von Karajan (1908-1989), el húngaro Georg Solti (1912-1997) y el norteamericano Leonard Bernstein (1918-1990).

Hubo durante ese período otras batutas insignes como la del austríaco Karl Böhm (1894-1981) quien pese a su edad todavía dirigía, la del italiano Carlo María Giulini (1914-2005) o el rumano Sergiu Celibidache (1912-1996) quien casi no salió de Alemania.

Sin embargo los tres primeros eran los preferidos.

Karajan y Solti dirigieron ópera y música sinfónica, Bernstein solo lo segundo, y además fue un compositor de rutilantes y exitosos temas populares, descollando la comedia musical West Side Story. Karajan y Bernstein dirigían sin la partitura a la vista, Solti lo hacía siempre con ella al frente para brindar seguridad a los músicos y especialmente a los cantantes, tal su credo…

El estilo de Karajan era apolíneo: calmo y distante. Bernstein y Solti más dionisíacos, se preocupaban más por los aspectos emotivos de la ejecución.

Karajan comenzó su carrera al amparo del nazismo de la mano de Goering que lo oponía al insigne Wilhem Furtwängler (1886-1954), protegido de Goebbels y probablemente el más grande director wagneriano de la primera mitad del siglo XX. Ambos se detestaban, al punto que Furtwängler se refería a Karajan como “ese hombre K”. Terminada la segunda guerra y luego de un rápido proceso de desnazificación, Karajan escaló posiciones convirtiéndose a partir de los sesenta en el Director Musical de Europa, ostentando la conducción simultánea de las Filarmónicas de Viena y Berlín y participando en los festivales wagnerianos en Bayreuth.

¡¡¡Observen como en el ensayo antes de una función en medio de 100 ejecutantes descubre al que no tocó como el lo pidió!!! Su fama de distante y frío queda contrariada a través de sus gestos para con la orquesta, satisfecho por su desempeño.

Bernstein fue el más polifacético de los tres: compositor, pedagogo, pianista y director de la Filarmónica de Nueva York, y un verdadero ídolo mediático. Fue a el quien se le debe la resurrección de Mahler.

Lenny en estado puro: no solo se movía así cuando dirigía West Side Story, ¡¡¡sino que también lo hacía cuando dirigía a Beethoven o a Mahler y si se trataba de un concierto podía llegar hasta abrazar y besar al ejecutante solista!!!

Por último Solti, el más insigne wagneriano de la segunda mitad del siglo XX y discípulo en Budapest del compositor húngaro Bela Bartok (1881-1945), huyó de Hungría durante la segunda guerra mundial debido a su condición de judío –su padre pereció en un campo de concentración-, estableciéndose en Zurich como pianista, desarrollando luego lentamente una carrera en la dirección orquestal, que lo llevó por diversos países, hasta que a principios de la década del sesenta llegó a Londres, para a fines de la misma hacerse cargo de la Sinfónica de Chicago, a la que llevó a los mayores niveles internacionales.-

Solti dirigiendo en el orchestra hall de chicago con su típico estilo de "boxeador" lanzando trompis al aire. Fíjense como mira a los ejecutantes para señalarles sus entradas.

Hugo Perini, para Te cuento los setenta

Debatiéndose la vida...

2008-11-05T14:37:00.011-02:00

En abril de 1975, hablar de anorexia nerviosa, tanto como de cóctel de bebidas alcohólicas y pastillas, no era algo que formara parte del lenguaje cotidiano.
Por aquel entonces, una joven de 20 años, cobraría notoriedad de la mano de una combinación fatal de estos factores...

Intentando verse más delgada, había dejado de ingerir alimentos. Un par de rebanadas de pan en dos días habían sido su última y única comida. Lejana a los criterios de nutrición y con deseos de verse mejor con su vestido nuevo, se autoimpuso un salvaje método de descenso de peso: no comer.
La Anorexia Nerviosa aún no tenía la notoriedad suficiente.
De la mano de tan poco ortodoxo sistema para adelgazar y concurriendo a una fiesta de cumpleaños, se desarrollaron sus últimas horas de vida consciente.

Un amigo cumplía años y el festejo sería en una taberna. Con vestido nuevo, la noche del 14 de abril, asistió feliz al evento.
Los amigos que la acompañaban dijeron que había bebido alcohol en grandes cantidades a la vez que había estado ingiriendo pastillas durante todo el día... Eran Valium.

Creyéndola borracha, decidieron llevarla a casa, pero en ese momento notaron que no respiraba ni recobraba el conocimiento.
Los médicos que le brindaron atención inmediata en el hospital al que la llevaron, no pudieron determinar la causa de la pérdida de sentido y de los ceses periódicos de respiración.
A consecuencia de ellos se produjo en su organismo el fenómeno denominado Anoxia, que consiste en una reducción de la concentración de oxígeno en las células y tejidos.
Debido a esta falla respiratoria, sufrió un daño cerebral irreparable, dejándola en estado de Coma.

Julia y Joseph Quinlan

Luego de un año, los padres de Karen solicitaron a los médicos que desconectaran el respirador artificial, a lo que los profesionales se negaron.

A partir de entonces se iniciaron largos debates en los cuales se planteaban diversas cuestiones morales y éticas respecto a la continuidad de Karen en el respirador, puesto que su estado era irreversible.
Con ocasión de tan delicado caso, se definían a favor o en contra de la eutanasia, organismos diversos, desde el Vaticano hasta el Consejo de Europa.

La eutanasia no era una opción que pudiera ser tomada en cuenta por los padres de la joven, pues la leyes lo impedían. Esto dio lugar a innumerables pedidos a la Corte de Nueva Jersey para solicitar se pudiera desconectar a la joven del respirador.

Para 1976 la Corte finalmente autoriza la decisión de los padres de retirarle el respirador, y para sorpresa del mundo entero, Karen Ann Quinlan continuó respirando de forma no asistida.

Alimentada de forma artificial, vivió en estado vegetativo persistente hasta su muerte, por neumonía, el 11 de junio de 1985. Había logrado vivir nueve años más luego de haber sido retirada del respirador artificial.

De la Candorosa, para Te Cuento los Setenta

"Ese recuerdo"

2008-10-27T12:58:00.003-02:00

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Muchos de nosotros, fuimos adolescentes en los 70. En esa época seguramente fue el primer beso, las primeras maripositas en la panza, la primer relación sexual, el primer enamoramiento...
Vaya este post como recuerdo a ese hermoso momento que todos guardamos en un rinconcito de nuestro corazón.
Por ahi alguno/a se anima, y nos cuenta...

Ella era una adolescente como cualquiera. Tímida para los desconocidos, extrovertida para los amigos.
Era alegre, le gustaba la música, le gustaba bailar frente al espejo.
Jugaba a ser modelo. Se probaba la ropa de sus amigas, que siempre le parecía más linda y más sexi.
Ella se vestía más formal. Escondía sus curvas porque una vez un hombre, que la miró de manera lasciva mientras caminaba por la calle, le dijo "Qué pechos, mamita!". Ella tenía 14 años.
Esa fue la primera vez que tomó conciencia de que ya no era una niña y le dio mucha verguenza.

Al principio le costaba relacionarse con los varones. Cada vez que alguno le hablaba, todo el mundo se daba cuenta que Ella se ruborizaba. O al menos Ella pensaba eso!
Tenía su grupo de amigos, chicas y chicos de edades parecidas y de entornos parecidos.

Había un chico con el que Ella se sentía muy cómoda. Eran amigos desde la infancia. Quizás por eso Ella estaba tan a gusto, como si fueran hermanos. A el le gustaba contarle sus aventuras escolares, y a Ella le gustaba escucharlo.

Un mes de julio, que Ella recuerda, extrañamente, como el mas frío de su vida, se fueron todos de campamento a algún campo cercano a Sierra de la Ventana.
Ella no era conciente de que estaban todo el tiempo juntos los dos. Iban a caminar en grupo, y caminaban uno al lado del otro. Hacían un fogón a la noche, y se sentaban uno al lado del otro. Cenaban cordero asado y, oh casualidad, estaban uno al lado del otro. Alguien contaba un chiste, y mientras se reían, se buscaban con la mirada.

Una tarde de mucho sol y de un frío intenso, salieron a caminar por el campo los dos solos.
El, que en esa época estaba en su primer año de la carrera de biología, le quería mostrar unas capas de tierra que había descubierto!
Mientras caminaban juntos y conversaban, se iban internando como en un pequeño bosquecito.
Los árboles eran muy altos, pero no muy tupidos. Dejaban pasar la luz del sol. Las hojas del suelo crujían mientras ellos pasaban.

Una liebre se quedó mirándolos, y ellos no respiraban siquiera para no asustarla, mientras sonreían.
Estaban parados muy juntos y Ella oyó el silencio.
Algo raro estaba pasando, algo que Ella nunca había vivido antes.
Ella sintió que se ruborizaba, y no entendía bien por qué. Le costaba respirar.
Se miraron a los ojos unos segundos que parecieron eternos, y Ella descubrió que nunca había visto unos ojos azules tan profundos.
Fue la primera vez que sintió maripositas en la panza!

.P

Con sus músculos de acero...

2008-10-15T09:43:00.010-03:00

Nunca imaginé entrar a un mundo tan lindo como es este del coleccionismo.De verdad les digo,es un mundo maravilloso,donde uno vuelve a la infancia con cada artículo.
Cuando yo comencé con esto, no imaginé nunca que hoy,me volvería loca titanes en el ring,cuando hace unos años atrás, siendo una niña con solo oir la canción de la momia mis esfínteres no resistían se tal susto..
Hoy escucho su música, o veo una de las películas y muero de la emoción… tengo discos,algunos de los muñequitos Jack que son bien dífíciles tanto par hallarlos como para el bolsillo ,así que serán una de las ultimas cositas,con las que me seguiré mimando.
Imáginábabamos que peleaban enserio que se dabán hasta matarse .Eran musculosos no estaban tan buenos como los de ahora en las luchas ,pero dejaron huellas.
El ciclo comenzó en 1962 en canal 9 y duró casí 30 años.
La lucha mas recordada la momia con Martín.

Luego Paulina Karadagian su hija quizo tener el mismo éxito ,pero no fue posible.
Eran personajes ,vestidos con trajes llamativos de muchos colores.
Algunos con sus cabellos largos.
El hombre vegetal,El caballero rojo,Diábolo,Pepino el payaso,El pibe 10 ,Mister moto,La momia,Kengis Khan,Martín.Entre otros
Aparecíán los viernes a la noche .
El ganador siempre era Martín Karadagian.,con sus inolvidables cortitos-Y cuando este entraba al ring,los chicos se volvían locos.
El furor del programa generó todo tipo de merchandising,albumes,posters ,figuritas ,muñequitos de los chocolates jack,cartas libros,postales,juegos de mesa como las miniloterías que hace poco me conseguí y realmente son espantosas.
Dos películas que hace poco enganché en volver hace unos meses y casi muero de los gritos que pegué.
Titanes en el ring año 1973.
Titanes en el ting contrataca 1984.
Hace unos meses..volvieron a editaron el cd con toda su música .Yo ya tengo mis discos,unos de los tantos con los que a mi vecinos vuelvo locos..♪♪♪Laaaa mooomia♪♪♪

Reunidos para La Nación, varios integrantes de la troupe rememoraron viejas épocas.

HAMBURGUESEANDO

2008-10-01T08:10:00.005-03:00

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El presente post me lo inspiró uno de mi blogger amigo Marcos Cattaneo, quien en los setenta no había nacido, por lo que a el se lo dedico…

¡¡¡Si señoras y señores, aunque los jóvenes no lo crean, en los 70 comíamos hamburguesas fuera de casa!!!

El primer lugar que se instaló en Buenos Aires se llamaba Cheburguer, no tenía sucursales, y se encontraba en la esquina sud oeste de Sarmiento y Florida, frente al banco Ciudad, donde hoy está ubicada una conocida cadena de electrodomésticos. Era un negocio paquetón, con arañas que colgaban del techo iluminando la estancia y unos supervisores con el pelo rapado a la cero, que en los setenta solo podían ser ciudadanos del Tío Sam…Allí, cuando salía de la facultad y antes de entrar al trabajo, comí por primera vez los lomitos con huevo, si bien este último parecía como plastificado…

Imagen de un local de EEUU

Nunca supe bien porque Cheburguer desapareció y el lugar fue ocupado por Pumper nic, que fue la primera cadena de hamburgueserías de la Argentina. Sus colores eran al comienzo los mismos que los de Mc Donald´s, y se comentó que era un acuerdo marketinero con la conocida empresa americana de fast food para posicionarlos aquí, usándolos a modo de recordatorio, pero el mismo caducaba cuando decidiera instalarse en Argentina, como realmente sucedió a mediados de los 80, cuando lo hizo en el megalocal de la calle Florida, a partir de lo cual Pumper nic pasó al color rojo y amarillo, que lo distinguió desde ese momento.

Sus hamburguesas eran enormes: el diámetro del pan era de por lo menos 12 centímetros. Luego de un gran éxito inicial que llevó a la cadena una rápida expansión, a partir del desembarco de su competidora americana fue perdiendo mercado, hasta desaparecer. Parece que en el Shopping de Moreno existe todavía un local con su nombre.

También estaba The Embers, con sus características banderitas de países pinchando la hamburguesa y la ración de papas fritas rejilla, pero esta cadena era más bien ochentosa según creo recordar, asi que queridos y queridas setentosos, eso es otra historia…

¡¡¡Buen provecho para todos!!!

Hugo Perini, para Te cuento los setenta

A las piñas...

2008-09-23T18:07:00.018-03:00

Los años setenta fueron una eclosión en varias disciplinas deportivas y, en casa, mi padre era un gran observador de programas deportivos. Recordemos que por entonces no existía la TV por cable. En aquellos días, si había un evento que tuviera importancia se trasmitía, y nada más. Recuerdo también que mi madre renegaba del boxeo, argumentando que los boxeadores -por recibir tantas piñas en la cabeza- terminaban tontos o muertos en circunstancias dudosas.

El post de hoy tiene la siguiente particularidad: hablaré de dos boxeadores que nacieron el mismo año -1942- y tuvieron una vida signada por la tragedia.

Carlos Monzón

De origen muy humilde y nacido en una pequeña localidad de la provincia de Santa Fé el 7 de agosto de 1942; quinto hijo de una familia que necesitaba más ganarse el pan, que la instrucción escolar. Por esa razón dejó la escuela en 3º grado y salió a trabajar. Fue sodero y canillita, al mismo tiempo que le interesaba meterse en algún que otro gimnasio en los que preparaban muchachos para boxear.

Su primer combate como amateur fue el 2 de octubre de 1959. Ya en 1963 hizo su debut -y primer K.O.- como profesional, en la categoría "peso mediano".

Su fama fue en aumento, hasta que lo conoció Tito Lectoure. De la mano de su nuevo manager inicia una interminable seguidilla de encuentros internacionales.

En 1969 logra ser el campeón Sudamericano de los Medianos, lo que le permitió disputar -en el año 1970- el combate con Nino Benvenuti. Al noquear al italiano, obtiene la Corona Mundial.
Hasta su retiro, realizó 14 defensas de ese título, contra importantes boxeadores, ganándolas a todas.

En 1977 se retira oficialmente del boxeo. A su retiro tenía el record de 100 peleas como profesional, con 87 ganadas (59 antes del límite), 10 empates y solo 3 derrotas.

En 1974 incursiona en el cine -junto a Susana Giménez- en el film La Mary.
No solo inicia su vida como un integrante más del glamoroso mundo del espectáculo de aquellos años (?); además desarrolla un tortuoso romance con su compañera de filmación.
Era sabido que Susana Gimenez no gustaba del box y, paradójicamente, al poco tiempo de retirarse Monzón de este deporte, ambos se separan. Su vida comienza a declinar a causa del alcohol y las malas compañías.

Años más tarde se casa con Alicia Muñíz, con quien tuvo un hijo. Ambos llevaron adelante un matrimonio que terminaría trágicamente el 14 de febrero de 1988, con un grave hecho: Alicia Muñiz -por las heridas recibidas al caer del balcón, luego de ser golpeada por Monzón- fallecía.

Tras un juicio mediático, el boxeador sería condenado a 11 años de prisión por homicidio simple. Para cuando la condena estaba llegando a su etapa final -en una de sus salidas restringidas para realizar trabajos- halló la muerte en un accidente automovilístico el 8 de enero de 1995.

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Ringo Bonavena

Este Peso Pesado, nació en el barrio de Boedo un 25 de septiembre de 1942.
Desde muy joven abandona los estudios para trabajar como repartidor de pizza, empleado de carnicería y picapedrero.
En 1958 se inicia como boxeador en el club Huracán, siendo campeón amateur en 1959. Los siguientes dos años consigue varias coronas en títulos sudamericanos.

Para 1963 -en San Pablo, Brasil- enfrenta a Lee Carr; combate en el que es descalificado por morder la tetilla de su contrincante (embroncado por la paliza que estaba recibiendo).
Debido a esta falta es sancionado por la FAB y enojado, parte hacia los Estados Unidos buscando nuevos retos deportivos.
Luego de una serie de derrotas regresa a la Argentina, reiniciando sus combates por estas tierras.

Ringo, siempre fue el poseedor de un carisma muy particular, con una especial forma de pelear y con una simpática personalidad, llegando a ser una figura de gran popularidad en los años setenta; mezclándose sin problemas con la farándula.
Podríamos decir que fue el boxeador mediático de esos años.

El 7 de diciembre de 1970 llega a enfrentar a Cassius Clay en el Madison Square Garden, perdiendo en el último round por K.O.
Para el año 1976, ya contaba en su haber con 68 combates como profesional; 58 triunfos, 9 empates y 1 derrota.

En el mes de mayo de 1976 viaja a Estados Unidos, y en la trágica noche del 22 de mayo es asesinado de un disparo, por un custodio del Cabaret Mustang Ranch (Ross Brymer), tras un confuso hecho.

El asesino de Bonavena permaneció en prisión por 15 meses. Se decía que el dueño de aquel cabaret (Joe Conforte), había planeado aquel asesinato, pero nunca se conocieron los verdaderos móviles del crimen.

Supongo que con estos dos personajes, mi madre y sus conceptos sobre los pugilistas, no estaban tan errados después de todo...

De la Candorosa, para Te Cuento los Setenta

Duravit...Otra que durax!!

2008-09-11T08:16:00.008-03:00

Por qué siempre los hombres, salen ganando en todo?.
Si engordan, quedan simpáticos.
Las pancitas ...ni hablar!,nos hacen quedar bien a nosotras por tenerlos bien alimentados.
Si se quedan pelados ,los hace interesantes y hasta diría que inteligentes!
La barba de - ¡¡uh me olvidé!!les queda bárbaro.Super sexy.
Bueno el post no era hablar de hombres pero todo lo copado ,siempre era para ellos los nenes.
Sí ,hablo de estos autos que hicieron furor en los 70 . Por mas que le tiraras un acoplado encima siempre seguían iguales.Me facinaba el fiat 600.
Cada vez que voy a las ferias quedo como boba viendo mi futuro.
Es una de las últimas cosas que incorporaré a mi colección , por que debo hacer un par de lavados de cerebro para convencer como siempre que es lo último que busco..Y lo más importante ,por que son bien caros.

Eran de la empresa Caupur SR L totalmente irrompibles,Nunca un bollo después de tantos palos.No necesitaban chapa y pintura.pero sí necesitabas tener algún familiar cercano que te malcriara en navidad o algún día del niño.Había cerca de 100 modelos .Autos camiones y tractores ,y con las siguientes características.
-Las ruedas eran de gomas.
-Los ejes eran metálicos y venían unidos a la taza..
-La carrocería era una sola pieza.
No tenían vidrios.Y simulaba una pintura el parabrisa..La marca del modelo figuraba en relieve.Y de bajo el número de serie.
En 1970 aparecen unos fierrazos.El fitito(para mí el mas bonito),el chevrolet,el polara,el fairlane.Y la pick-up Brava.
Ya lucirán en mi casa.

Las fotos ,son tomadas de taringa.

Enrique Policastro, El realismo crítico antiacadémico.

2008-09-04T15:00:00.000-03:00

(1898-1971)

En los setenta fallecieron tres grandes pintores argentinos que adhirieron al llamado realismo crítico: Enrique Policastro en 1971, Juan Carlos Castagnino en 1972 y Demetrio Urruchúa en 1978, quienes se orientaron desde mediados de los años treinta, en medio de una politización creciente mundial de la cultura y del avance del fascismo, hacia esa visión plástica junto con Lino Eneas Spilimbergo y Antonio Berni.

La cúpula de las Galerías Pacífico de Buenos Aires, con obras de Spilimbergo, Castagnino, Berni y Urruchúa, permanece como un modelo de esa visión, que puso a este tipo de obras, a las que siguieron otras, de ejecución colectiva y exposición pública –siguiendo a los muralistas mejicanos como Siqueiros, Alfaro y Rivera- en el centro de la preocupación de estos pintores, quienes vieron en este medio la forma de llevar el arte del coleccionista al pueblo: tal era para ellos la misión del artista plástico.

Policastro, pintor del medio social humilde, tal vez el menos conocido de ellos, pero igualmente valioso, se orientó por el contrario a la pintura de caballete, en la que utilizó al comienzo los fuertes empastes y colores de una paleta baja, en la que predominaban los ocres y marrones, para luego pasar en su última época a otros materiales como la témpera, los pasteles y hasta crayones o lápices de colores, a veces combinados todos en una misma obra.

También fue un cultor, al igual que los impresionistas, de la pintura al aire libre, en muchos casos acompañado por su amigo y pintor Esteban Semino, por los campos de los alrededores de Las Heras, Provincia de Buenos Aires; como así también en el norte argentino.

Pintor autodidacta y antiacadémico, alcanzó con economía de medios una pintura ambiental, poblada de cierta ingenuidad especialmente en sus representaciones humanas a la vez que intimista, despojada de espectacularidad o embellecimiento, donde todo era sugerido: la densidad de sus paisajes pampeanos y norteños, a veces acompañados de algún elemento que recuerda la presencia humana, como así también sus visiones de los barrios marginales y de sus habitantes.

Los presuntos defectos de su pintura, desde una perspectiva académica, lejos de desmerecerla, remiten a cierta pobreza primitiva, que era lo que el artista quería reflejar en ella.

A los que les interese su obra, hasta el 30-9-2008 se exhibe una muestra de ellas en la Fundación Alón, de lunes a viernes de 14 a 19 hs, en Viamonte 1465, piso 10, Capital.-

Hugo, de Arte y Política, para Te cuento los setenta

Un Lado No Tan Oscuro

2008-08-27T15:20:00.003-03:00

Si hay un grupo de los Setenta que trascendió todas las fronteras, ese es Pink Floyd. A pesar de haber nacido en los Sesenta, haber grabado en Abbey Road su primer disco al mismo tiempo que los Beatles registraban "Abbey Road", fue en la década del setenta en la que se hicieron gigantes, eternos e íconos de la música, creando un estilo propio. Es tanto lo que se puede contar de ellos que de todas sus obras, hoy hablaremos del Lado Oscuro de la Luna.

Una vez que se fue Syd Barret, Pink Floyd comenzó a dar cierto giro musical sin cambiar la base de la música conceptual. La voz de David Gilmour y su virtuosismo con las seis cuerdas, permitían probar nuevos sonidos. El disco en sí fue producto de la necesidad. Barret era un autor prolífico y costaba igualarlo. Mientras ensayaban para una gira Europea, compusieron en tan solo 7 semanas la totalidad del álbum. De aquellos tiempo quedó el registro en vivo del recital dado en Pompeya (Italia, no al lado del Riachuelo) en el cual ya se incluye la canción "Eclipse", de cuyas estrofas surgiría el nombre del álbum.

El álbum es meramente conceptual y gira en torno a la locura del hombre en los tiempos que corren, producto de la vertiginosa y materialista vida. El miedo al paso del tiempo (Time, Great Gig in The Sky) la ambición por el dinero (Money) y el temor a la locura (Brain Damage) Curiosamente, Money se transformó en la canción que los hizo millonarios.

Es un disco increíblemente armado de principio a fin. El unico corte que tiene es en las canciones que antiguamente cerraban y abrían el lado A y B del vinilo. Según Roger Waters, los latido al comienzo y al final del disco es por la naturaleza cíclica del universo, la vida. Es una concepción más bien oriental.

El disco fue registrado entre 1972 y 1973, en los estudios Abbey Road con Alan Parsons como ingeniero de sonido. No es un dato menor, ya que muchos de los detalles que en el disco se encuentran, no hubieran podido ser sin Parsons. Cosas que iban desde sincronizar más de 20 relojes de pared para armar la introducción de "Time", hasta poner a correr a un sujeto en el estudio mientras grababan "On The Run".

Salió a la venta el 24 de marzo de 1973 y desde entonces estuvo 591 semanas en la lista de los 200 discos más vendidos (11 años y medio), lista a la que volvió a entrar varias veces, donde luego de 35 años, sigue estando y mejor rankeado que muchas obras nuevas (de hecho, no hace mucho estuvo 21 sobre 200). Para mayor curiosidad, se venden actualmente 5000 discos por semana en el mundo y en Estados Unidos, el 10% de sus habitantes menores de 60 tienen un ejemplar.

Cuentan que un tipo se dio cuenta una vez que si se reproduce el disco de principio a fin, mientras se ve el film "El Mago de Oz" de 1939, es un videoclip de 45 minutos. Yo lo hice. No les pido que hagan lo mismo, pero si buscan por por "The Dark Side of The Rainbow" tendrán la compaginación ya armada.

Para despedirme por hoy, les dejo un video de la reunión de Pink Floyd de julio de 2005, para aquellos que piensan que los músicos de ahora son grosos.

Bruno, para Te cuento los setenta

Casi humanos...

2008-08-16T23:02:00.011-03:00

Perderme un capítulo de estos personajes, ¡¡¡me significaba un pecado capital!!! No me lo podía permitir. Ellos eran quienes alegraban algunas tardes en mi infancia y lo siguieron haciendo durante la adolescencia y en mi vida adulta. Los Muppets fueron esos muñecos que cobraban vida de manera admirable.
Una rana (René) era el presentador oficial del programa. Alentaba a todos los artistas que participaban como invitados -que por cierto eran personas reales-.
Cada semana verdaderas estrellas del espectáculo visitaban a estos simpáticos muñecos: concertistas excelsos, cantantes y bandas de rock afamadas, bailarines de diversos estilos, actores, deportistas... multitud de figuras desfilaban por el show que nació de la mano de Jim Henson.
Este inglés se las ingenió para que sus "títeres" (o marionetas) ocuparan espacio en la pantalla grande, allá por los años sesenta, sus muñecos flexibles (pues estaban construidos en tela) de características particulares, fueron tomando su lugar en el espectáculo. Y muy pronto fueron aceptados con gusto por la audiencia.

A finales de los sesentas vio la luz: Plaza Sésamo; un programa en el que se intentaba inculcar valores positivos en los infantes. Actualmente, sigue vigente en varios canales infantiles.

Pero el gran momento de Jim Henson fue la segunda mitad de los años setentas. Para 1976 se iniciaba la transmisión de el Show de los Muppets, llegando a ser televisado a varios países del mundo.

Debo admitir que este programa sigue arrancándome risas imparables.
Cuando tengo tiempo, me divierte mirar algún capítulo guardado, pues tengo varios videos que conseguí grabar (hace años) y en los cuales cada personaje y cada situación sigue siendo una invitación a la carcajada.
Nunca pensé que alguien fuera capaz de lograr hacer un muñeco con tan diversos formatos.
En este programa vi marionetas de "Quesos cantantes"; "Pelusas que refunfuñaban", pero no cualquier pelusa ¡¡sino una que había sido vomitada por el gato y dormía bajo un sillón!! ajajaaaaaa

Hoy para mí, un buen rato de humor ingenioso y con gratos recuerdos, en sin vueltas El Show de los Muppets.

De La candorosa, para "Te cuento los setenta"

Yo quería ser como ella....

2008-08-08T20:44:00.004-03:00

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Cuando yo era chica, quería ser como ella!!
La veía en la tele y me quedaba prendada con sus vueltas, sus saltos! Me parecía bellísima y una genia!
Después iba al jardín de mi casa, y sobre el pasto, trataba de imitarla. De mas está decir que lo mio solo servía para una sesión de bloopers! ajajajaa

Ella era Nadia, Nadia Comaneci, la gimnasta rumana, ganadora de 5 medallas olímpicas, la primera en lograr la puntuación perfecta, 10, en una competencia olímpica!!
Nadia nació en 1961 y comenzó a competir a nivel nacional en el 70. A los 13 años ganó tres medallas de oro y una de plata en el Campeonato Europeo de Gimnasia en Skien, Noruega. Un año después, en 1975, la gimnasta superó con cuatro victorias individuales a la rusa Lyudmila Turishcheva, pentacampeona de Europa, y se alzó con la primera posición en la clasificación general individual de las competiciones preolímpicas de Montreal. Ese mismo año, Associated Press la eligió Atleta del Año.

Pero fue en 1976 cuando Nadia cosechó mas triunfos!
Ganó tres medallas de oro: general individual, barra de equilibrio y paralelas asimétricas, una de plata: general por equipos y una de bronce en ejercicios de suelo y siete máximas puntuaciones (10), en los Juegos Olímpicos de Montreal.
El dia que le pusieron el 10, cuando las calificaciones se anunciaron en el tablero eléctrico, apareció un "1.0", ya que el sistema contaba sólo con espacio para un entero y un decimal.

Este fue el primer 10 en la historia de las Olimpíadas!

En 1978, lejos de sus éxitos anteriores, llegaba al Campeonato del Mundo de Gimnasia con peso excesivo y fuera de forma. Una caída en las barras asimétricas la relegó al cuarto puesto de la clasificación final, pero aún tuvo fuerzas para ganar la barra de equilibrio.

De nuevo delgada y en forma, la atleta rumana se convertía en 1979 en el primer gimnasta de todos los tiempos que conquistaba tres títulos europeos consecutivos. Pero durante el campeonato del mundo, en diciembre, cuando Comaneci dominaba las clasificaciones tras el programa obligatorio de la competición, hubo de ser hospitalizada antes de comenzar el programa libre, aquejada de un envenenamiento en la sangre provocado por un corte que se hizo en la muñeca con una hebilla metálica. Contradiciendo las instrucciones de los médicos, abandonó el hospital y compitió en la barra de equilibrio alcanzando la puntuación de 9,95. Gracias a esta actuación, el equipo rumano consiguió su primera medalla de oro por equipos.

Participó de nuevo en los Juegos Olímpicos de Moscú 1980 y se clasificó en el segundo lugar de la general individual tras la rusa Yelena Davidova. En su libro Cartas a una gimnasta joven Nadia Comaneci dice de esta derrota que «[...] aquel día Yelena simplemente lo hizo mejor». Consiguió conservar sin embargo el título olímpico de barra de equilibrio y empató en suelo para la medalla de oro. El equipo de Rumania terminó la competición en segundo lugar.

En 1989 se fugó a Estados Unidos. Allí se comprometió con un gimnasta norteamericano, Bart Conner, y en el 96 se casaron en Rumania.
Nadia y Bart son hoy empresarios exitosos, tienen, entre otras cosas, una línea de ropa deportiva, un gimnasio, realizan obras de beneficencia y promueven las Olimpíadas Especiales.
En el 2003 edita su primer libro, Cartas a un gimnasta joven, y en el 2006 nace su primer hijo.

Nadia se halla, por derecho propio, entre las mejores ginmastas de todos los tiempos!

Al respecto les recomiendo un texto que encontrarán aquí, que completa su vida en un relato muy entretenido.

Una Victoria sobre su condición

2008-07-31T12:10:00.004-03:00

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El 23 de julio de 1977 se incorporaba –casi al final de su larga vida- a la Academia Argentina de Letras por primera vez una mujer: Victoria Ocampo (1890-1979).

Coronaba así un largo camino de servicio y entrega –espiritual y al mismo tiempo material, al punto de perder su cuantiosa fortuna en tal empresa- a las letras y la cultura universal.

Había dado el combate y se encontraba ahora ante la victoria final. Doble victoria: sobre su orígen y sobre su condición de mujer. Había cumplido con el mandato existencial de su amigo José Ortega y Gasset: Uno es uno y su circunstancia, y solo salvándola uno se salva…

Nacida y criada en un ambiente patricio, pero a la vez criollo, si bien las niñas Ocampo crecieron al cuidado de institutrices francesas e inglesas, al punto que Victoria, la mayor, siempre se sintió más segura escribiendo en francés antes que en español -lo que siempre motivaba discusiones con su gran amiga Gabriela Mistral, quien permanentemente la alentaba a escribir solo en español- ello no fue óbice para que, en medio de algunas de sus frecuentes rabietas, les dijera en una fiesta a su cuñado Bioy Casares y a Borges, que estaban en un rincón riéndose maliciosamente de los asistentes, “Che, no sean mierdas y hablen con el invitado…”.

Como toda jóven de la época y de su clase se casó en 1912 con alguien de su misma condición: Luis Bernardo Mónaco de Estrada. La pareja fue de luna de miel a Europa, como era la costumbre, pero debido al carácter posesivo de su marido, la relación se deterioró rápidamente al punto que comenzaron a dormir en habitaciones separadas, situación que se prolongó al regreso, en su domicilio porteño, hasta el fallecimiento de Mónaco, ocurrido en 1933. Una separación era impensable: su padre había dicho “Antes prefiero ver muerta a mi hija que viviendo de esa manera” Ello no le impidió sin embargo conocer al amor de su vida -“Nunca he sentido por nadie el amor que sentí por el”- Julián Martínez, primo de su marido, con quien vivió un secreto romance, al que seguirían otros, algunos con escritores famosísimos.

A poco de haber cumplido cuarenta años, en 1931 Victoria da luz a la revista Sur, que habría de ser durante su larga existencia un puente cultural entre el norte y el sur.

En 1935, ya viuda, asumiendo su compleja personalidad escribió: “Estoy en contra de los privilegios y del favoritismo del mundo en que he nacido. A medida que los voy desenmascarando, voy abominando de ellos, voy repudiándolos. Es una manera de ir desnudándose lentamente”

Otras empresas, además de la literaria, demandaron su atención: el feminismo, el pacifismo, el antifascismo y las vanguardias artísticas, desde la música a la arquitectura, pasando por la pintura. Esa curiosidad por lo nuevo no la abandonó nunca: ¡en su alta ancianidad quedó impresionada cuando escuchó por primera vez a The Beatles!

Terminada la guerra, a cuya causa aliada Victoria se había entregado por entero como muchos intelectuales de su generación, llegó el peronismo, con el que no se llevó bien. En 1953, mientras se encontraba de vacaciones en Mar del Plata, fue detenida acusada de “participar en un atentado”, y trasladada con más de sesenta años de edad a la cárcel de mujeres del Buen Pastor, donde ocupó una celda colectiva con mujeres de variada condición, muchas de ellas prostitutas, la que contaba con un solo retrete, instalado en la propia celda, el que debía ser limpiado diariamente por las reclusas. Cuenta China Zorrilla que Victoria le decía con orgullo que cuando le tocaba hacerlo a ella, lo dejaba impecable de limpio. China también cuenta que muchas de esas compañeras de infortunio tomaban el te con ella muchos años después en Villa Ocampo. La presión internacional y las gestiones motorizadas por Gabriela Mistral y por Jawarlahal Nehru principalmente persuadieron al gobierno para dejarla en libertad.

Los últimos años fueron duros para Victoria, la empresa de Sur prácticamente la había dejado en la ruina. En 1973 hizo donación de sus casas de San Isidro –Villa Ocampo- y Mar del Plata –Villa Victoria- a la UNESCO.

Si bien siempre en contacto con nuevos escritores e interesada por todo lo que sucedía en el mundo cultural, se iba quedando sola. Al mismo tiempo, minada por el cáncer, que solo le permitía tomar alimentos líquidos, pero presumida de su aspecto como siempre, comenzó a retraerse, y a centrarse en si misma y en sus recuerdos, hasta la noche del 27 al 28 de enero de 1979 en que falleció en Villa Ocampo.

Un mundo se iba con ella...

Hugo, de Arte y política, y Stella, para Te cuento los setenta

Nota al margen: Se busca blogger que haya disfrutado de Titanes en el ring, y que quiera contarnos su vivencia en un post! Si deja un comentario nos comunicamos nosotros. O me puede mandar mail a mi y listo, como prefiera!

Primeraaaaaaa......!!!!

2008-07-28T09:05:00.005-03:00

A mitad de la década del 70,llegaron a nuestro país,estos entretenidos juguetes de bolsillo que varios llevábamos a escondidas al cole y nos comíamos el garrón de engancharnos en manos en la masa.

¿Donde habrá ido a parar el mío?..

La compañía japonesa de juguetes tomy, fabricaba en varios países de asia,distintos modelos de jueguitos que que distribuía en todo el mundo.

Mientras en EE UU ellos mismos se encargaban de las ventas.

A nuestro país,Llegó de la mano de la empresa topToys ,la que nos alegró por mucho tiempo con sus lindos chiches.

Era un BOOM tanto los poqueteers ,como los jueguitos de agua o los topi.y las prolífica linea de los tentempié.
Los juegos giraban,alredor de las bolitas a las que uno debía conducir,o guiar.
concretamente existían seis juegos de poqueteers
Los de obstáculos: Uno debía transportar las bolitas por agujeros ,por canales ,por vías o laberintos.
Los de tiro: Uno disparaba las bolitas y dejaba objetos,si daba en el blanco.
Los de tiempo: Uno le daba cuerda y tenía un tiempo limitado para ordenar las figuras.
Los deportivos: Uno golpeaba las bolitas con distinto fín.
Los de azar: Accionando una palanca,los dibujos giraban ,hasta decidir la suerte del jugador.
Los de carreras: Uno debía conducir autos o caballos, girando los controles.

En la misma serie venían el Derby¡¡LO TENGO Y SIGO DISFRUTANDO!!el pitfall, el letras el básquet, el dice up, el ta te ti,el rock and roll.Lamentablemente,llegando a mediados de los 80 no se supo mas de ellos.
Fuente plan tv.

El milagro

2008-07-21T14:32:00.007-03:00

Jueves 12 de Octubre de 1972.

Juan había puesto la alarma del reloj a las 6 de la mañana. Debía prepararse y viajar al aeropuerto de Carrasco. En pocas horas partía el avión!
Hacía mucho tiempo que venían entrenando con los muchachos para este acontecimiento.
El reloj sonó, pero el no lo escuchó!
Se despertó sobresaltado! La luz del sol iluminaba su cuarto.
Miró la hora....Mierda! Las 10 de la mañana!!!
Se vistió corriendo, tomó el bolso, subió a un taxi y le pidió que llegue lo mas rápido posible al aeropuerto.
El taxista lo miró por el espejito mientras pensaba que jamás podría tardar menos de media hora en llegar.
El Fairchild F-227 ya no estaba cuando Juan llegó. Había partido sin el, rumbo a Chile.

La fatalidad quiso que tuvieran que aterrizar en Mendoza debido al mal tiempo, y siguieran vuelo al día siguiente.
Nadie podía suponer que jamás llegarían.
El avión que llevaba 45 pasajeros, de los cuales muchos eran estudiantes y jugadores de un equipo de rugby del colegio uruguayo Stella Maris, se estrelló en la Cordillera de los Andes.
Solo sobrevivieron 16 muchachos, luego de estar 72 días aislados del mundo!

Fuente: Viven, página oficial

Stella, para Te cuento los setenta

Los niños en la pantalla...

2008-07-17T22:12:00.007-03:00

Los años setentas tuvieron muchas figuras rutilantes. En el mundo del espectáculo no solo eran jóvenes y adultos los que mostraban sus cualidades. También estaban los niños. Aquellos pequeños que debido a sus precoces condiciones lograban suspiros en las abuelas y rating en las mediciones. Formaron parte de elencos en programas de televisión, espectáculos teatrales, películas y comerciales.
A los niños del los 70's los recordamos ¿verdad? pues bien, hoy, me referiré a algunos de ellos...

MARCELO MARCOTE

Radiolandia, navidad 1974.

Marcelo Marcote era un niñito pecoso y de sonrisa pícara. Ojitos vivaces y nariz pequeña. Fue el protagonista de muchas películas, en las que compartió cartel con grandes actores del momento.
Fue unos de los que tuvieron el privilegio de ser parte del elenco en la telenovela más recordada en la historia: "Rolando Rivas, Taxista".
También animó programas infantiles y luego de su paso por el mundo del espectáculo, desapareció de la escena y los medios sin dejar ningún rastro. Había gozado de muchísima fama y notoriedad, pero había abandonado la escena para volver a una vida tranquila.
En la actualidad es un pediatra reconocido que aún guarda los rasgos de la niñez y recuerdo con afecto de sus momentos de fama.

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ANDREA DEL BOCA

De padre con trayectoria en la dirección de cine, teatro y televisión. Inició su larga carrera a los cuatro años. A esta corta edad comienza realizando un personaje de niñita sordomuda en una telenovela. Luego, ya en los inicios de los setenta se convierte en la recordada y querida "Pinina", la niña de "Papá Corazón" junto a Norberto Suárez, telenovela que tendría amplia repercusión en Latinoamérica, llegando a hacerse el film que recreaba el argumento de este éxito televisivo. Es una de las pocas niñas "prodigio" que nunca desapareció de la pantalla.
Todos los personajes que interpretó fueron niñas adorables y tiernas que debían pasar penurias en manos de malvadas madrastras o personas que la hacían sufrir.
Su carrera continuo vigente, tanto en la adolescencia, juventud y en la actualidad.
Fue la figura de infinidad de telenovelas. Realizó varios films y también incursionó en el canto, realizando 3 discos con canciones románticas.
Hoy conduce un programa en televisión llamado: ·La mamá del año"

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LAS TRILLIZAS DE ORO

María Emilia, María Eugenia y María Laura.

Estas tres niñas iniciaron su recorrida por los escenarios y estudios de televisión allá por los años sesenta, realizando comerciales para aterrizar en un aún recordado "Sábados Circulares de Mancera" (programa y conductor, que en breve tendrán su merecido post).
Según parece este programa fue el trampolín que las lanzara a una seguidilla de grabaciones de diversos discos junto al productor Ben Molar y canciones de Palito Ortega...
Transitando los años setentas, realizaron giras por Latinoamérica. En Venezuela actuaron en una tira diaria llamada "Angelitos del demonio".
Para 1976 con libro de Enrique Pinti presentaron el show "Canta... Canta... Canta". En cine participaron en "El tío disparate" junto a Palito Ortega y Carlitos Balá. En 1978 Julio Iglesias las contrataría para formar parte de su gira mundial, actuaciones que les permitirían ser reconocidas en diversos países del mundo. En España, Alemania, Holanda, Italia y Japón fueron contratadas como animadoras, conductoras, cantantes y actrices en programas, shows y grabaciones.

Recuerdo que la broma de mi padre respecto a estas trillizas, era: "si hubieran sido morochas ¿les hubieran dicho "Trillizas de petróleo"?. Esta broma sonsa siempre me hacía reír...
Escucharlas, lo admito, me irritaba bastante.

De La candorosa, para "Te cuento los setenta"

Uy....Me quemé mi dedito.

2008-07-14T10:43:00.011-03:00

Segelin..
A este chiche tampoco lo tuve , pero nunca pasó por mi mente pedirlo.
Observaba a mis amigas jugar ,mientras yo vestía las muñecas de papel.

Pasábamos grandes tardes ,entre leche con cascarilla y los famosos habanitos de chocolate terrabusi y las galletitas de animalitos ,esas que venían con los confites que nadie comía, ahí estaba yo ¡¡mis preferidos.!!Es que desde chica me daba cosita comerlas por las formas de animalitos.¡¡Soy vegetariana che!!.
El segelín venía en bolsitas o en una caja ,que además incluía acuarelas y un pincel .

Llevaba dos pilas grandes de las que ya no usamos ,estas hacían que un filamento en la punta de una pistola plástica se calentara,y que muchas veces se quemaran sus dedos y grandes maldiciones echaban ,untando sus deditos con el famoso Cicatul, envuelto en gasas.

Este filamento hacía que se deslizara velozmente por el telgopor ,por el cual debías de tener mucho cuidado de no pasarte de la línea del dibujo ,y así formar millones de figuras de las cuales después encajaban a tías o abuelas teniendo la esperanza que estos lucieran en sus paredes o en algún lindo mueble.
Después de cortar y cortar El hilo metálico se rompía o los dibujos se terminaran Y ahí el gran negocio.
La empresa Sadler y cía vendía los repuestos por separado o terminabas haciendo uno casero, con tus propias manos.
Otros de los grandes entretenimientos que nos dejaban bien calladitos sin hacer lío era Mis ladrillos. Llegó a ser el juguete de mayor calidad ,el mas famoso y el mas vendido de la argentina.Comparable con el viejo Mecano,con esos bloquecitos de caucho interconectables se edificaban casas castillos y todo lo que pasara por tu imaginación.

También,los famosos Rasty ,que ya hablaremos de ellos,en otra oportunidad.

Con esta lloramos todos!

2008-07-07T00:01:00.000-03:00

Hace unos cuantos años, yo supe tener una cuñada 10 años menor que yo.
Un día, siendo ella una niña y yo la novia de su hermano mayor, estábamos mirando en la tele la serie "La familia Ingalls, o La casa de la pradera" como se la conoció en otros países de habla hispana.
Laura estaba desconsolada, lloraba a moco tendido tirada en su cama en el altillo de la casa. Su madre la consolaba.... el momento era muy emotivo!
En eso la madre saca un pañuelo, se lo da a Laura y le dice: "SUÉNATE!!!"
Mi cuñadita y yo nos miramos y estallamos en carcajadas!! Nos causó mucha gracia la palabra, nos la imaginábamos sonando tipo campana.... y no pudimos evitar reírnos!

La verdad es que yo miraba asiduamente esa serie.
Era absolutamente dramática, y les pasaba de todo a los pobres, pero tenía algunas gotas de humor que a mi me gustaban.
Era una serie para mirar sin rimel.
Las cosechas de los Ingalls siempre sufrían pestes y contratiempos y ellos continuamente estaban a punto de perder su granja. Se enfermaron, los asaltaron, una hija quedó ciega, se casó con un ciego, nunca tenían un mango, se perdieron en las montañas....
Pero todos los males se olvidaban cuando Caroline horneaba un pastel, y todos eran felices por el solo hecho de estar juntos.

Fue una de las grandes series que se convirtió rápido en un clásico de la televisión. Esta historia de los Ingalls y su vida en el pueblo de Walnut Grove, logró consagrarse como un verdadero modelo de familia unida, de amor y esfuerzo por salir adelante a pesar de las dificultades que se presenten en la vida.
Protagonizada por Michael Landon, Karen Grassle, Melissa Gilbert, Melissa Sue Anderson y Lindsay y Sidney Greenbush, este inolvidable programa se basó en los libros de Laura Ingalls Wilder, que había reflejado la historia de su familia como pioneros en el oeste norteamericano en 1870, por lo cual la serie está narrada desde el punto de vista de Laura.

El primer capítulo se emitió en 1974, y el ultimo en el 84.

Personajes:
Parte del encanto de Walnut Grove tenía que ver con los personajes que allí vivían. Una de las familias centrales del pueblo eran los Oleson: Nels (Richard Bull) era el almacenero y estaba casado con una mujer odiosa e intrigante, Harriet (Katherine MacGregor). Sus hijos eran Nellie (Alison Arngrim), una niña rubia malcriada e insoportable, y Willie, que estaba interpretado por Jonathan Gilbert, el hermano de Melissa en la vida real. Entre otros personajes, también se puede recordar al doctor Baker (Kevin Hagen) y al reverendo Alden (Dabbs Greer)

Mi personaje preferido era la señora Harriet, que era dueña, junto a su marido, del almacén del pueblo, y eran los mas adinerados.
Todavía la puedo ver embadurnada de crema la cara, con su camisón de franela largo hasta el piso, y metiéndose en la cama con su marido!
Y su hija Nellie, era como la Etelvina de Srita Maestra!!

Y vos, mirabas a los Ingalls? Te gustaba?
Qué personaje recordás mas?
Algún capítulo que te haya impactado o que recuerdes especialmente?

Stella, para "Te cuento los setenta"

Ellas, las que ya no están...

2008-07-03T18:34:00.008-03:00

La escena nacional argentina, siempre se vistió con grandes nombres e importantes figuras. Con absoluta humildad y candor (?) podría agregar sin vanagloriarme, que pertenezco a un país en donde siempre destellaron grandes figuras.

Cada género conoció algún perfume de mujer, que, permitiría engalanar un escenario tanto, como la pantalla de televisión internacional. Pero en la actualidad, si de algo deberíamos sentir nostalgia, sería por la ausencia de grandes figuras. En particular porque el tiempo no las quitó de las marquesinas ni el olvido las desplazó a un costado. En estos casos, las razón fue otra...
Hoy hablaré de las que se fueron demasiado pronto, las que partieron antes de lo previsto. Dejando un espacio vacío anticipado, obligando a recurrir a nostalgias imposibles, para estos seres tan jóvenes y con tan variado talento.

Ellas, las que brillaron en los setentas...

NÉLIDA LOBATO

Fue una de las más grandes figuras de la revista porteña. Mujer con una enorme sensualidad. De pequeña contextura física, pero de gran personalidad en el escenario.
Excelente bailarina, habiéndose capacitado desde muy pequeña. Al pasar los años logró desarrollar una importante carrera profesional junto a su esposo -bailarín y coreógrafo- Eber Lobaro. Llegó a ser estrella del teatro Lido de París. Un tiempo después, ya en Buenos Aires, llevaría a los escenarios de la calle Corrientes excelentes versiones de lo que había aprendido por su paso por Las Vegas y Francia. También logró incursionar en el cine.

Dueña de un cuerpo escultural, hizo numerosas fotografías para tapas de revistas, tanto como para calendarios. Los hombres eran grandes admiradores de su belleza, encanto y talento, cualidades que no pasaban desapercibidas para las mujeres, que adoraban verla desplegar su inagotable talentosa energía.
Siempre guardó un bajo perfil para su vida privada. De todas formas, por entonces las verdaderas profesionales de la escena, no necesitaban de escándalos entre bambalinas ni desnudarse sin excusas ante cualquier cámara, en programejos de televisión...
Lamentablemente, el destino quiso que su vida fuera truncada por el cáncer, en el año 1982.

Nélida Lobato ("Una diosa sin photoshop")

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SUSANA BRUNETI

Había nacido en Buenos Aires en el año 1941. Llegó a ser actriz de comedia y vedette; además de lograr ser la partenaire de todos los grandes cómicos de la época (trabajó junto a Alberto Olmedo, Darío Víttori, Mabel Manzzoti, Pepe Marrone, Juan C. Altavista, Fidel Pintos y muchos más). Su particular encanto y humor, habían logrado que ganara dignamente el espacio de mujer comediante. Su éxito más importante en televisión, lo obtuvo con Gorosito y Sra, junto a Santiago Bal.
Quiso el destino que un 20 de junio de 1974 -momento en el que su carrera se encontraba en la cúspide- afectada de cáncer, dejara de existir a los 33 años.

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ROSSANA FALASCA

Había nacido el 27 de Abril de 1953 en la localidad de Humboldt (provincia de Santa Fé). Contando apenas con trece años, logró debutar en el canal 13 de Santa Fé. A fines de los años sesenta, participó en un concurso de cantantes jóvenes de tango, en el programa"Grandes Valores del Tanto", en esa oportunidad interpretó "Madreselva". Luego, pasaría a ser figura exclusiva del canal durante cuatro años, iniciándose su actividad en el canal: el 1 de Septiembre de 1969. Su primer disco vio la luz en el año 1970 , tenía por entonces diecisiete años. Tras estos venturosos inicios, su carrera como artista iría en ascenso, iniciando giras por el interior del país y a otros países.
El 20 de Febrero de 1983, víctima de cáncer dejaba de existir, con veintinueve años y una trayectoria excelente.

Rossana Falasca - "Los pájaros perdidos"

De La candorosa, para "Te cuento los setenta"

Un estreno postergado

2008-06-30T08:03:00.005-03:00

(En homenaje al veinticinco aniversario del fallecimiento del maestro Albeto Ginastera, ocurrido en Ginebra el 25 de junio de 1983, extrañando a la Argentina, y donde se encuentra enterrado en el cementerio de las personalidades ilustres de Plainpalais, muy cerca de Jorge Luis Borges)

-Mirá Eugenio, vos me sacás mañana mismo Bomarzo o yo te cierro el Colón- Fue la orden que le impartió el presidente de facto Juan Carlos Onganía al coronel Schettini, Secretario de Cultura de la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires, durante la función de gala del 9 de julio de 1967. La ópera debía ser estrenada unos días después. El motivo: “razones de moralidad pública”.

Sorprendentemente, la obra lírica en dos actos comisionada al compositor Alberto Ginastera (1916-1983) por la Opera Society de Washington y basada en el libro de Manuel Mujica Láinez (1910-1984), había sido estrenada dos meses antes allí, con gran suceso de la crítica y público, y la recepción posterior en la embajada argentina a cargo del Ing Alvaro Alsogaray, secundado por su hija María Julia, se había convertido en uno de los acontecimientos sociales del año en la capital norteamericana.

La historia, que transcurre en Viterbo, no muy lejos de Roma, cuenta la historia -en parte verídica y en parte ficcional- de Pier Francesco Orsini, duque de Bomarzo*. Jorobado, el duque ordenó hacer en el parque de su castillo una serie de impactantes y monstruosas figuras de piedra que aún se pueden visitar.

Varios años antes, Mujica Láinez al recorrer el lugar, se inspiró para escribir su probablemente más célebre novela. En ella imaginó a un perverso Orsini obsesionado por su impotencia y por la inmortalidad que le había asegurado un astrólogo.

Ginastera sostenía que Bomarzo se trataba de la primera ópera con estructura de flash-back, porque comienza con la muerte del duque, envenenado, quien ve pasar toda su vida antes sus ojos de moribundo.

Onganía cayó, y finalmente el 29 de abril de 1972 se produjo el esperado estreno argentino de Bomarzo, en el teatro Colón.

Pocos día después, el martes 9 de mayo se transmitió por Canal 7, logrando 14,2 puntos de ráting, altísimo, y como señaló el matutino La Opinión en su crítica, medio millón de argentinos habían preferido ver la ópera, antes que al astrólogo Tu Sam que pasaba canal 9, o El soldado Chamamé que iba por el 11 o la dupla entonces invencible de Horangel seguido por Rolando Rivas, taxista, que emitía canal 13.-

* Los videos que pueden ver a continuación contienen la historia del parque de Bomarzo y del duque Pier Francesco Orsini.
El primero dura 2 min y el segundo 5 min.

Por Hugo Perini y Stella, para Te cuento los setenta

Un juicio justo e imaginario

2008-06-26T21:00:00.004-03:00

- Tribunal: Tiene la palabra el señor Fiscal.

- Fiscal: Señoría, solicito que se lea por Secretaría la prueba “A”

- Tribunal: Señor Secretario, proceda a la lectura.

- Secretario:

Buenas noches, queridos conejos,

aquí va mi beso al verlos llegar a bailar,

cada uno con su zanahoria,

juntito a los ojos, tratándola de abrazar.

Demos una vuelta y otra vuelta toda entera,

todos los orejas con distintas compañeras.

Todos los conejos que me quieran salgan a bailar..

- Fiscal: Solicito se lea ahora la prueba “B”

- Tribunal: Proceda.

- Secretario:

Que la dejen ir al baile sola,

Todos sus amigos le piden, señora.

Que la dejen ir al baile sola,

la chica ya es grande y se sabe cuidar.

Que la dejen ir al baile sola,

solita y sola, solita y sola.

Que la dejen ir al baile sola,

la chica ya es grande y se sabe cuidar.

Todos los sábados pasa lo mismo:

llega su padre y la saca a pasear.

Pero este sábado es mío y me animo:

me acerco a ella y la saco a bailar.

- Fiscal: La prueba “C”, por favor.

- Secretario:

Salta, salta, salta, pequeña langosta;

quieren alejarme de ti a toda costa.

Salta, salta, salta, pequeña al costado,

que hoy están de enganche todos los pescados.

Salta, salta, salta, pequeña langosta,

no te vayas lejos, volvé hacia la costa;

que hay un maremoto bailando a tu lado

y cualquier pescado te puede robar.

- Fiscal: Señoría, para terminar pido que se dé lectura a la prueba “D”: letra del tango “Fuimos”, de Homero Manzi.

- Tribunal: Señor Secretario…

- Secretario:

Fui como una lluvia de cenizas y fatigas
en las horas resignadas de tu vida.
Gota de vinagre derramada,
fatalmente derramada sobre todas tus heridas.
Fuiste por mi culpa golondrina entre la nieve,
rosa marchitada por la nube que no llueve.
Fuimos la esperanza que no llega, que no alcanza,
que no puede vislumbrar su tarde mansa…
Fuimos el viajero que no implora,
que no reza, que no llora,
que se echó a morir.

¡Vete...! ¿No comprendes que te estás matando?
¿No comprendes que te estoy llamando?
¡Vete...! No me beses, que te estoy llorando
Y quisiera no llorarte más…!
¿No ves?
Es mejor que mi dolor quede tirado con tu amor,
librado de mi amor final
¡Vete!, ¿No comprendes que te estoy salvando?
¿No comprendes que te estoy amando?
¡No me sigas, ni me llames, ni me beses,
ni me llores, ni me quieras más!

Fuimos abrazados a la angustia de un presagio
por la noche de un camino sin salidas.
Pálidos despojos de un naufragio,
sacudidos por las olas del amor y de la vida.
Fuimos empujados en un viento desolado,
sombras de una sombra que tornaba del pasado.
Fuimos la esperanza que no llega, que no alcanza,
que no puede vislumbrar su tarde mansa.
Fuimos el viajero que no implora,
que no reza, que no llora,
que se echó a morir…

- Fiscal: En virtud de la prueba producida, solicito para el señor Rubén Mattos la pena de Prisión Perpetua con la accesoria de Reclusión por tiempo indeterminado.

Se sabe que en la Argentina la Justicia es poco confiable. Rubén Mattos sigue libre y anima diferentes eventos. El otro día me tocó estar en uno de ellos y se me ocurrió este post…

Con los pelos de punta...

2008-06-24T00:13:00.005-03:00

Uno de los juegos de los setenta que hacía que tu nervios estallaran y con motivo.
Según lo que me cuentan,por que nunca lo tuve y tampoco jugué. Soy experta en juegos electrónicos así que estoy segura que jamás me hubiese ganado este señor llamado Simon.
Hoy es una de las tantas joyas que busco para mi colección.
Hay muchos dando vuelta. pero si no te dan con un hacha, no funcionan y lo que yo quiero es ganarle a esa caja con chip adentro.
Este juego a apareció después del tan conocido cerebro mágico, que revolucionó a miles de familias. Como el nombrado Simón.Que por unas buenas horas unía a la familia o detrozaba los nervios de amigos encerrados en una habitación una tarde de domingo.
El juego es de la empresa de TOP TOYS una joyita de juego para la época.
S forma era circular,dividido en cuatro paneles(verde azul amarillo rojo)y una llave de encendido y pagado con cuatro botones en el medio que resaltaban los niveles de dificultad.
Este consistía en secuencias de luz y sonido, debía de tenerse muchísima memoria.
El juego comenzaba encendiendo encendiendo uno de los paneles y emitiendo sonido ,y cada uno era el mismo sonido para cada color y ahí era cuando tenías que presionar el mismo panel, que se había encendido.
Cuando este estaba bien hecho el Simon continuaba con la secuencia.Pero este desgraciado ,para hacértela difícil repetía el panel anterior agregando siempre uno nuevo,y así cada vez mas rápido y poniéndote mas nervioso .
Los primeros cinco encendidos eran fáciles pero a partir de ahí agarrate catalina.
Cuando te equivocabas sonaba una chicharra que por lo que me cuentan uno no podía evitar mandarse una palabrota y que te manden a lavar la boca con detergente.
Hoy ya no existe realmente una pena.
Solo una empresa de llaveros los realizó en miniatura para divertirte y maldecir mientras vas caminando.

En EE.UU se fabricó la verdión Pocket simón. Por la empresa Milton Bradley.
Y vamos en busca de él.

Fuente -plan tv.

Qué me pongo...?

2008-06-21T03:22:00.003-03:00

Estaba tratando de hacer memoria sobre la moda de los 70!
Y digo "tratando", porque no tuve demasiado éxito...
Pero no dudo que entre todos, haremos un reconto completito!

Me acuerdo que en peinados, yo moría por tener el cabello como Farrah Fawcett en los Angeles de Charly! Esa especie de rulos me mataba! Será que siempre tuve el cabello lacio...asi que me castigaba haciéndome la toca, Ese rulerón alrededor del cual nos enrollábamos el cabello, de un lado, y después del otro...que tortura! ajajaa

Los muchachos usaban el look afro! Esos rulitos chiquititos...ajajajaa

En ropa, usaba polleras tipo campesinas, con volados y estampados de flores chiquitas. Camisolas de bambula tenía de todos colores! Eran cómodas y no se planchaban...aaajjaa
Los pantalones de piel de durazno.... no eran demasiado cómodos, pero la textura era suavecita!

Los hot pants con botas altas, o medias bien estiradas hasta la rodilla como los de las chicas de Música en libertad!
Los pantalones de pata de elefante, bien acampanados abajo, con suecos!

Los jeans tenían que ser Levi's, porque los Robert Lewis eran un quemo! ajajaa Esos los usaba mi papá!

Y lo mas cheto, eran los buzos o sweters marca Penguin, o no?

Hasta acá llegó mi amor con la moda...
Y vos, que usabas???

Stella, para Te cuento los setenta

El raquetazo...

2008-06-16T17:27:00.024-03:00

Ya es conocida la importancia y popularidad con la que cuenta el fútbol en Argentina, pero también otras disciplinas deportivas se han destacado de manera admirable. Podría nombrar a todos aquellos que debido a sus triunfos fueron y son dignos representantes de sus disciplinas en el mundo.

Tal es el caso del tenis, que encontró por los años setenta, a uno de sus mayores exponentes. Se podría decir que fue el "iniciador" de una fiebre y pasión, que irían acrecentándose con el correr de los años, debido a sus logros, por la notoriedad alcanzada y por sus cualidades como deportista. El nombre del responsable: Guillermo Vilas.

Según él ha relatado, de muy pequeño, solía ir al club “Náutico” de Mar del Plata (ciudad en la que se crió y donde aún vive toda su familia), lo llevaba su padre para que se entretuviera un rato, mientras los adultos practicaban tenis. Por lo cual, para no aburrirse, se iba con una raqueta hasta un frontón y allí, jugaba en soledad; tenía por entonces 5 años de edad.

Guillemo "recitando" en un acto escolar, Colegio Peralta Ramos (Mar del Plata).

Practicas en el Club Náutico Mar del Plata.

A partir de ese momento surgiría en Guillermo Vilas una verdadera pasión por un deporte con el que pudo obtener maravillosos logros y triunfos. Y desde entonces, nosotros sencillamente seríamos los testigos de un tenista admirable. "Willy": el auténtico héroe del tenis.

Posteriormente -transcurridos varios años de duros entrenamientos y torneos de cabotaje- se inició su espectacular ascenso.
En el año 1974 llegó a ubicarse 4º en el ranking internacional, permaneciendo en la cima del tenis por nueve años consecutivos, desde 1974 hasta 1983. El año 1977 logró ser su mejor año, pues llegó a disputar 159 partidos, de los cuales consiguió ser el ganador en 145 de ellos. Estableciendo así el récord de 53 victorias consecutivas, récord que aún hoy perdura.

Las hazañas deportivas de aquel joven de pelo largo, fueron fantásticas, por lo que hasta llegaron a decirle -entre otras cosas- "el dios de la vincha". Su presencia se impuso no solo en las canchas de tenis, de manera magistral (sobre polvo de ladrillo, césped, cemento... en cualquier lugar), sino que fuera de ellas, también se coronó con "amores principescos"...

Revista Hola, con el romance de Willy con Carolina de Mónaco.

Sin dudas fue un grande en lo suyo. Consiguió dejar al país en uno de los lugares más altos que el tenis había conocido. En la actualidad muchos jóvenes y renombrados tenistas llevan por nombre "Guillermo", y esto se lo deben al GRAN WILLY...

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PD: Lo que obligatoriamente dejaré de lado, es la faceta de escritor de poemas y de cantante de rock… ¡¡¡shhh!!!… de eso, guardemos respetuoso silencio.

De La candorosa, para "Te cuento los setenta"

Leche Hervida

2008-06-12T00:41:00.002-03:00

…y la maestra me lo trae a la dirección porque le contestó mal. Y en el momento en que lo estoy retando y diciéndole que esas cosas no se las vamos a tolerar, el chico agarra una silla y la revienta contra la pared. Casi me muero. La mandé llamar a la madre y le conté y me dijo que no entendía qué le pasaba, que en el barrio le decían Leche Hervida por esas cosas que tenía así, de golpe. Y que era un chico amoroso, que había aprendido alemán de chiquito con el abuelo, que tocaba el piano, jugaba con los amiguitos, que iba con ella a misa… en fin, no sé. Le dije que lo sacara del colegio o sino lo tenía que echar, y lo sacaron. Después el papá lo anotó en el Industrial. Mire si yo me iba a imaginar…
- Directora del Colegio Cervantes.

Era un año más chico que yo cuando entró al Industrial, ahí lo conocí. Rarito, pero un pibe macanudo. Me empezó a seguir y a copiar en todo. Bah, en casi todo… Cuando yo largué el colegio, al poco tiempo él también. A veces íbamos juntos a ver a San Lorenzo. Y un día, al volver de la cancha, me cuenta que se había afanado una radio y que le había parecido divertido y muy fácil.
- Jorge Antonio Ibáñez.

Vivía acá a una cuadra, la mamá me lo pidió como favor y lo tomé de cadete. Un día vino y me trajo para venderme una radio. Se la compré, con la plata se compró una bici y no vino nunca más a trabajar.
- Sebastián Samban, farmacéutico.

Cae al bar donde nos juntábamos a veces y me cuenta que esa mañana se robó una moto que vio parada en una vereda y anduvo corriendo a mil por todos lados hasta que se pegó el palo contra un auto parado, y ahí la dejó tirada y rajó. No sé, me hizo reir y le conté que yo también me había choreado algunas cosas y me habían llevado en cana un par de veces.
- Jorge Antonio Ibáñez.

En una época volvió, porque los viejos lo hinchaban con que no hacía nada y empezó a estudiar para service de radio y tv. Pero estaba raro, ya era otro. Le empezamos a decir “Colorado”, como en la primaria – porque eso lo volvía loco y se calentaba – y nos puteó y se fue, y no vino nunca más.
- La barra del bar “La Perla”.

Venía a casa con mi sobrino, se iban al fondo y practicaban tiro al blanco. Tiene que ver la facilidad que tenía ese pibe con el revólver…
- Tío de Ibáñez.

Y un día nos mandamos y afanamos una joyería. Pavadas… adornitos, relojes, porquerías de barrio. Nos dieron dos mangos. Encima justo lo agarraron por lo de la moto y se pasó unos días en un correccional, sin venir. 17 años tenía en ese entonces. La vieja parece que lo mandó de vuelta a estudiar piano, me quiero morir…
Y bueno, empezamos a pegar algunos golpes. En general yo me robaba un auto y después salíamos a afanar por ahí por unos días, hasta que lo dejábamos y buscábamos otro. Andábamos mucho en boliches… con guita, jóvenes y con pinta, teníamos minitas a lo bestia. Pero a él no parecía que le gustaran demasiado…
- Jorge Antonio Ibáñez.

Harta estaba, harta. Demasiados problemas, y mi marido que parecía ni importarle. Un día él se tenía que ir al interior por trabajo y yo aproveché y me fui a Alemania a visitar a mi familia. Cuando volvimos los dos, Carlitos ya no estaba en casa. Tenía apenas 19 añitos…
- Aída, la mamá.

Me desperté con los dos tiros. Habían matado a mi marido mientras estábamos los dos dormidos. Grité y el más chiquilín me pegó un tiro a mi. Y mientras ese seguía buscando y robando cosas, el otro me violó. Se llevaron la plata y unos relojes de esos para autos que vendíamos en el taller.
- Esposa del sr. Bianchi.

Nos cebamos. Menos de dos semanas después, nos fuimos una noche que estaba cerrada a Enamour, que era una boite (no se decía boliche en esa época) de Olivos. Entramos por una ventana y nos topamos con los dos serenos apolillando. Carlitos los reventó a tiros en las camas. Nos llevamos la guita y en la calle le digo “Al pedo los mataste, estaban re dormidos”, y me dice “¿Y qué querías? ¿Qué los despertara…?”
- Jorge Antonio Ibáñez.

En esa época los conocí yo. En los boliches, en la noche. Empezamos a salir. Jorge mucho no me tragaba, Carlitos sí. Nos robamos un par de motos para salir a yirar. Y le presté a Carlos un fierro que había en casa.
- Héctor Somoza.

A mi ya me empezaba a asustar, porque le encantaba matar. Al supermercado Tanti, por ejemplo, entramos a afanar por el techo y empezó a hacer ruido al pedo, para que el sereno se despertara. Y al final se despertó, y ni bien lo vio venir le pegó dos tiros y estaba feliz. Ahí por primera vez afanamos buena guita. Nos chupamos un whisky en el piso, entre las góndolas y junto al sereno muerto. Y nos fuimos en la moto.
- Jorge Antonio Ibáñez.

Hacía como veinte días de lo del Tanti y me aparece en el hotel Jorge, con un Dodge que se acababa de afanar y me cuenta que había matado al sereno del garage y que nos fuéramos. Y en el auto me dice que le tiene muchas ganas a la Virgi, una pendeja que veíamos siempre en los boliches, y que quiere que se la consiga. Y bueno, fuimos a buscarla y la encontramos. No quería subir, así que le apunté y se aflojó al toque. Jorge estaba dado vuelta, la llevamos a la Panamericana, paró ahí al ladito de la ruta y la violó. Después le dijo que se fuera, la piba arrancó caminando como podía y me dijo a mí “Tirale”, y yo le pegué cinco tiros. Fue hasta el cuerpo y le afanó la cartera. Hicimos diez cuadras, se estrelló contra un cartel porque estaba reloco y nos tomamos un bondi…
- Carlos.

Diez días después de lo de la Virgi me recalenté con una piba que era modelo y se llamaba Ana María. Primero agarró viaje y venía, y yo quise ir al mismo lugar y paré el auto justo donde habíamos estado con la Virgi. Y ahí me empezó que no, que estaba indispuesta, que otro día, que nos encontráramos… la empecé a desnudar y me pegó. La eché del auto, y cuando se iba Carlos le pegó siete tiros por la espalda y le afanó todo. Para colmo, al arrancar para irnos paró al lado del cadáver y le metió un tiro en una mano. Ahí pensé “con éste no sigo…”
- Jorge Antonio Ibáñez.

Bien, bien, nunca se supo. Iban los dos juntos en el auto y chocaron. Eso era casi normal, andaban siempre en pedo. Jorge murió. Después dijeron que Carlos lo había matado a palos y simuló el accidente para cubrirlo. Andá a saber… lo cierto es que ahí empecé a laburar yo con Carlitos.
Fuimos a afanar al supermercado Rolón, pero no encontramos nada. Para colmo hicimos mucho despelote, se levantó el sereno y Carlos lo mató. Nos fuimos sin un mango…
- Héctor Somoza.

Después de eso afanamos dos agencias de autos. En la Pasquet no lo podía encontrar al sereno, el guacho se había quedado dormido en una fosa de la parte del taller. Obvio que fue boleta ni bien lo encontré. Y después en la Puigmarti, ahí sí buena guita. El ganso de Héctor le pegó al sereno en la cabeza y me lo trajo al primer piso, como si a mi me sirviera para algo. Le pegué dos tiros y empezamos con el soplete a abrir la caja, tardamos como cinco horas. Nos llevamos un Chevy y rajamos.
- Carlos.

Y bueno, el 3 de febrero de 1972 fuimos a robar a la ferretería de Masseiro, en Carupá. Carlos lo mató al sereno antes de que se diera cuenta. Y empezamos con el soplete, turnándonos porque hacía calor y era insoportable. Y en un momento que él estaba trabajando, yo por hacerle un chiste voy por atrás y lo agarro como para ahorcarlo, pero en joda. Se dio vuelta y me pegó un tiro. Y cuando vio que era una herida apenas, me tiró de vuelta. Y después me quemó la cara y las manos con el soplete para que no me reconocieran, embolsó la plata y se fue. Pero mire si sería bobo, me dejó la cédula de identidad en el bolsillo…
- Héctor Somoza.

Ese mismo día lo agarramos. A medida que aparecían las cosas que había hecho, no lo podíamos creer. Ese nene con cara de angelito era el mayor criminal de la historia argentina. Bah, por lo menos de los que actúan solos, no sé si me entiende…
- Subcomisario Felipe Antonio D’adamo

No sé qué decirle… no es sencillo de explicar. Lo que sí le aseguro es que un chico de veinte años no puede vivir sin plata y sin coche.
- Carlos Eduardo Robledo Puch.

Aquellos tiempos....

2008-06-09T08:27:00.003-03:00

.

Hoy tenía pensado un post sobre la película de Milos Forman, Atrapados sin salida (1975) o Alguien voló sobre el nido del cuco, como fue llamada en la mayoría de los países hispanos.
Recuerdo muy bien que me había gustado mucho la película cuando la vi. Tengo la sensación de que salí del cine conmocionada, porque me había impactado realmente! Me había gustado mucho el personaje del indio sordomudo, además del de Jack Nicholson.
Entonces fui al video club y me la alquilé, para verla de nuevo y poder comentarla mejor.
Anoche la vi, y me sorprendió mi reacción.
La vi desde otra óptica, entendí otras escenas que en mi adolescencia se me habían pasado por alto. Me parecieron buenísimos los dos personajes antes nombrados, pero esta vuelta me encantó la enfermera y Dany de Vito. El personaje de de Vito me causó gracia, empacado en tonterías como los chicos, sin poder entender por qué un cigarrillo valía 10 centavos en la apuesta y no servía medio cigarrillo a 5 centavos, y empacado en que asi sea, con una sonrisa inocentona en los labios.
Pero cuando terminó la película me quedó la sensación de que antes me había gustado mas!

Me pasó lo mismo con "Hermano sol, hermana luna" de Franco Zeffirelli que se estrenó en 1972, y que fue vista por mi unas 10 veces a lo largo de mi vida. Era una de mis películas preferidas. No se si la recuerdan, pero narraba la vida de San Francisco de Asís, de una manera bastante hippie, una película en algunos puntos empalagosa, que apela constantemente a las emociones. Con bellísimas imágenes y una música que acompaña esos sentimientos que provoca.
Cuando la vi, en aquella lejana adolescencia mía, me pegó refuerte! Me enamoré de San Francisco, de Zeffirelli y de Graham Faulkner que era el protagonista.
También la alquilé, para recordarla y comentarla. Les insistí a mis hijos para que la vean, porque es buenísima, porque les va a encantar, porque blá, blá, blá.....
Pero ya no fue lo mismo.
Me pareció linda, bien hecha, y todo eso, pero casi, casi, me aburrió. Y no porque me sabía todas las escenas, sino porque, definitivamente, yo soy distinta.

En ambos casos, me arrepentí de verlas de nuevo.
En realidad no es arrepentimiento, pero siento como que algo que yo atesoraba en mi corazón, se rompió! Ya no es lo mismo!
Y creo que hay dos razones.
De la primera estoy muy segura.
Las vi con otros ojos! Ya no somos los mismos. La vida nos ha paseado por alegrías y tristezas que nos fueron cambiando.
Y con respecto a la segunda, pues es mas una duda que una aseveración.
Me acordé de esa frase "Todo tiempo pasado fue mejor".
Y no puedo dejar de preguntarme. Es que fue mejor, o es que con el tiempo lo vamos modificando en nuestros recuerdos? Lo vamos idealizando!
Vamos atesorando lo mas lindo y olvidando lo demás?

Les pasa a todos, o me pasó a mi nomás?

Stella, para Te cuento los setenta

Give Lennon a Chance

2008-06-05T20:29:00.005-03:00

A esta altura del partido, calculo yo que nadie desconoce quién es John Lennon. Y lo digo en presente, porque una persona como él, trasciende al tiempo y a las generaciones. Son de aquellos eternamente jóvenes. Sino saquen cuentas, nació en 1940, hoy tendría 68 años.

Vino al mundo en Liverpool, Inglaterra, una noche de bombardeos. Quizás ya desde el mismísimo instante en que vio la luz, sintió el temor en el aire y eso lo forjó el activista pacifista más conocido. Quizás no el más importante, pero nadie duda que Lennon es sinónimo de paz.

Que conoció a Mc Cartney y formó los Beatles como una derivación de los Quarrymen, es algo que tendría que analizarse en algún blog sobre los Sesenta. Como así también que en tan solo 7 años, cambiaron la historia musical para siempre. Nunca nada volvió a ser lo mismo después de los Beatles.

La década del ´70, sin embargo, arrancó con una noticia trágica para los fanáticos, los Fab Tour se separaban. Sin embargo, para Lennon fue algo liberador, dado que ya era notoria su inconformidad en el grupo. Si bien ya había editado algunos discos experimentales a finales de los ´60, inauguró la nueva década con el álbum John Lennon/Plastic Ono Band. Era notoria sus diferencias de prioridades respecto de Paul en este disco. Mientras McCartney cantaba “Silly Love Songs”, Lennon irrumpía con “Working Class Hero”, mostrando su lado más contestatario y protestón.

En 1971, la guerra fría Lennon-Mc Cartney llegó a su cúspide con la edición de Imagine. En una entrevista, McCartney había dicho un montón de cosas sobre Lennon y sobre como se separaron los Beatles, que a Lennon le molestó bastante. El nuevo disco de McCartney tenía una tapa en la que aparecía Paul con un carnero. Lennon le respondió con el tema How Do You Sleep y la arte de tapa del album en la que aparece sosteniendo un lechón...

Ese mismo año, John se muda de su mansión es Ascot a un departamento en el Central Park de New York, donde lo encontraría la muerte años más tarde.

La relación de Lennon con los Estados Unidos merece un capítulo aparte. En plena Guerra de Vietnam, Lennon salía a la calle con un megáfono y vestido de militar a arengar a la gente a que marche con él pidiendo por la paz. Una mañana, el mundo amaneció con un cartel que decía War Is Over, y abajo, entre paréntesis “if you want it”. Fue tanto el activismo de Lennon por esos años y la popularidad con la que contaba, que el FBI lo investigó durante meses, como sería reconocido años después. Fue en ese contexto que se editó “Some Time in NYC”, un disco registrado en vivo en Nueva York, con artistas de la talla de George Harrison y Eric Clapton.

En 1973 se separaría de Yoko Ono, mudándose a la costa oeste de los Estados Unidos en lo que se dio a llamar como “The Lost Weekend”. Durante ese lapso de tiempo, sale a la venta el disco “Mind Games” que tiene muchísimas alusiones al estado sentimental de Lennon en soltería, a pesar de tener algunas canciones con letras de fuerte contenido social.

Cataratas de alcohol, toneladas de cocaína, y malas compañías acompañaron a la grabación de Walls and Bridges. El disco fue número uno en Estados Unidos y los más melómanos lo consideran el mejor de su carrera solista (posición que comparto). Posterior al mismo, llegó Rock And Roll, con la producción de Phil Spector, con quien ya había trabajado en el disco Abbey Road de los Beatles, en el que Lennon tocaba todas las canciones que lo habían marcado en su adolescencia. Como curiosidad, este último trabajo cuenta con una foto de Lennon en la tapa que él mismo tuvo que comprar en una convención sobre los Beatles.

Durante la grabación de este último disco, Lennon empezó a verse de vuelta con Yoko, quien queda embarazada de quién sería el segundo hijo de John. Lennon, como reconocería más tarde, no había sido para nada un buen padre con el primero, Julian, de su primer matrimonio, ya que se vio profundamente absorbido por su carrera. Decidido a no atravesar por lo mismo, largó la música por un tiempo para poder estar con su hijo recién nacido, Sean, y devolverle algo del tiempo perdido a Julian.

A principios de 1980, Lennon se fue de viaje con la familia en un barco timoneado por él mismo hasta las islas Bermudas, donde se sintió con ganas de volver al ruedo (según contó él mismo) y fue allí donde terminó algunas canciones compuestas durante los 5 años de ausencia y compuso el resto de las que serían incluidas en “Double Fantasy”.

Con el cumpleaños número 40 de Lennon, sale a la calle el single “(Just Like) Starting Over”, como adelanto del álbum que vería la luz unas semanas después. Dicha canción tiene una letra compuesta para gente de 40 años, que veían para atrás y sentían que el tiempo se les pasó volando, pero que así y todo, pueden volver a sentirse jóvenes de vuelta, como “empesar de nuevo”. Pareciera mentira que mientras esa canción estaba rotando en las radios, un 8 de diciembre de 1980, con el inicio de una nueva década, el mayor referente de una generación fuera asesinado por Mark Chapman, delante de su esposa y en la puerta de entrada al edificio donde vivía. Volvía de grabar. Estaba en un momento de auge compositivo. Le robaron la vida.

Cinco tiros infames por la espalda bastaron para terminar con un ícono del pacifismo mundial y un genio de la música. Lo último que hizo en su vida John Lennon fue firmarle un autógrafo a su asesino. Su última frase, al ver que Chapman no se iba, fue "Qué más quieres de mí?"

Los ´70 empezaron con Lennon y se fueron con él. La nueva década, con música vacía de ideologías, haría que se lo extrañe aún más.

John Winston Lennon

1940-Eternidad

Bruno, para Te Cuento los Setenta