Los setenta y la muerte de la pintura

Por muchos motivos los setenta fueron una década lúgubre en nuestra historia, con una carga de muertes, de las que todavía hoy la sociedad argentina no termina de hacerse cargo.
Dentro de ese clima, la pintura pasó por un período similar.
Los alegres sixties habían terminado, y con ellos el mítico Instituto Di Tella, en el que habían convivido distintas experiencias artísticas como el happening y el pop-art, que en medio de un clima irreverente y lúdico habían sentado sus reales en una sociedad como la nuestra, que había sido hasta ese momento bastante conservadora y tradicional artísticamente, alentado todo esto por una clase media culta que en los sesenta leía Primera Plana y que luego en los setenta se informaría a través del diario La Opinión y que demandaba desde el soplo de modernidad que había traído el frondicismo bienes culturales con una fruición tal que colocaron a Buenos Aires en los sesenta en un pie de igualdad con Londres y Nueva York.
Casi al mismo tiempo que moría el Di Tella, se comenzó a hablar en el mundo de la muerte de la pintura, premonición que lejos de cumplirse como lo atestigua su vitalidad actual, dio lugar a la aparición entre nosotros de artistas singulares que la mantuvieron viva a través de sus necesidades de expresión, las que si bien personales y en algunos casos renovadoras, continuaron la larga tradición occidental del arte de pintar.
Dos modos de expresión predominaron durante los setenta: el conceptualismo de Luis Benedit, Jacques Bedel, Víctor Grippo y Clorindo Testa, entre otros, que exigió del espectador un nuevo tipo de participación interpretativa y mental, ya que para los conceptuales “en el binomio idea-materia, la importante será la primera” o dicho de otra manera “la idea se convierte en una máquina que produce arte” por lo que “ las puras ideas pueden ser obras de arte” En esta línea Benedit presentó en la Bienal de Venecia de 1970 el Biotron, una gran construcción con 4000 abejas, que podían optar por vivir en plena naturaleza o en ese espacio que imitaba la naturaleza: 3900 optaron por la vida cómoda y artificial y solo 100 enfrentaron los riesgos de la realidad. Obviamente la obra constituía una metáfora de la sociedad de la época.
El otro, el realismo, a través de distintas vertientes, desde las preocupaciones ecológicas expresadas por Miguel Angel Bengoechea y sus fábricas y chimeneas contaminantes, más abstractas como las selvas de Josefina Robirosa y los paisajes de Hugo de Marziani; los célebres ombúes y animales en peligro de extinción de Nicolás García Uriburu*, pasando por las imágenes surrealistas de Guillermo Roux, Alicia Carletti, Jorge Alvaro*, el expresionismo político de Carlos Gorriarena* quien pintó no solo pinturas en las que se refiere al poder sino el clima de una época, al igual que Diana Dowek* y su serie de Atrapados con y sin salida, cuya analogía con los campos de concentración es evidente, o Carlos Alonso y la inusualmente dura serie de La carnicería ,donde convivían cortes de carne vacuna y restos humanos, como una metáfora acerca de la violencia de la época, junto a Ricardo Carpani y sus recias figuras emparentadas con el muralismo mejicano; la mirada lúcida y lúdica de Antonio Seguí desde París y Mildred Burton desde aquí, el refugio en la instrospección que a través de las naturalezas muertas practicaron Pablo Suárez y Juan Pablo Renzi y el temprano hiperrealismo de los retratos y objetos pintados Ricardo Garabito.


* Llanto por nadie, Carlos Gorriarena -1978


* Energía eólica, Nicolás García Uriburu


* Sansón, Jorge Alvaro


* Atrapado ¿con o sin salida?, Diana Dowek

Todos demostraron con su hacer que la pintura, lejos de morir, como la sociedad, trataba de sobrevivir en los setenta.-


Por Hugo Perini, para Te cuento los setenta.