Gary Moore y el adiós

Gary Moore está considerado como uno de los mejores músicos de la historia de las islas británicas. En una carrera que se remonta a la década de los 60, hay pocos géneros musicales que no hayan tocado sus virtuosas manos, y ha formado parte de destacadas bandas de rock, como son Thin Lizzy, Coliseum II y Skid Row, por nombrar sólo tres. Gary nació en Belfast, Irlanda del Norte, el 4 de abril de 1952. Como muchos otros, se vió atraído por el rock and roll, primero a través de Elvis Presley, y luego por The Beatles. Ver a músicos de la talla de Jimi Hendrix y John Mayall's Bluesbreakers en su ciudad natal a mediados de los años 60 le llevó a sumergirse totalmente en el fascinante mundo del Blues. El arte de la guitarra blues, interpretado por tales exponentes, como Peter Green, disparó el talento emergente de Moore, y no transcurrió mucho tiempo antes de que fuera considerado un prodigio musical durante su dolescencia.

La primera gran banda de Gary fue el power trío Skid Row, que obtuvo un contrato discográfico con el sello CBS en 1970. En ese momento, Gary se había trasladado a Dublín, donde se hizo amigo de Phil Lynott, que ocupó el puesto de vocal en Skid Row hasta poco antes de que se firmara el contrato con CBS. Gary grabó tres discos con la banda, e hizo una gira por los EE.UU junto a The Allman Brothers Band y Mountain, entre otros, antes de separarse de Skid Row para embarcarse en su carrera como solista. Este proyecto fue de corta duración, porque Gary, poco después, se unió a Phil Lynott como sustituto de Eric Bell en la formación de Thin Lizzy. A pesar de ocupar dicho puesto durante muy poco tiempo volvió a la formación tras la marcha de Brian Robertson en 1977, y otra vez, por último, durante la gira del álbum "Black Rose" en 1978.

En 1979, la carrera solista de Gary comenzó en serio con el single "Parisienne Walkways", que mostró el estilo emblemático de Gary, empapado de blues junto a la temperamental voz de Phil Lynott que aparecía como artista invitado. El single alcanzó el Top Ten en el Reino Unido en abril de ese mismo año, y su siguiente álbum, "Back On The Streets" también fue muy bien recibido.

El guitarrista Gary Moore ha fallecido el día 6 de febrero de 2011, en la Costa del Sol, Málaga, a los 58 años de edad. El músico irlandés falleció en el hotel Kempinski de Estepona por causas que aún se desconocen.

La muerte del excepcional y prodigioso guitarrista, desde hoy convertido en una leyenda de la guitarra moderna, fue confirmada por el propio mánager de Thin Lizzy, Adam Parsons, en la cadena británica BBC, aunque no precisó más detalles.

Grinding Stone, del álbum del mismo nombre, 1973

Parisienne Walkways, 1979

Para saber mas... Fuente

The Rolling Stones

Si bien han atravesado con contundente éxito todas las décadas de los `60 hasta la fecha, The Rolling Stones tuvieron una participación única en la música de nuestros queridos años `70, época en que empezaron a conocerse como La Banda de Rock Más Grande del Mundo.

Satisfaction en vivo, 1969.

La historia de este mítico grupo podría remontarse a los tempranos años 50, cuando Mick Jagger (vocalista) y Keith Richards (guitarrista) eran compañeros de aula en la escuela primaria en la ciudd de Dartford, obviamente, Reino Unido. Por cuestiones de mudanza, volvieron a encontrarse en 1961 en Londres, teniendo cada uno su propio grupo. Una noche en la que estaban de copas en un bar, conocieron al grupo de Brian Jones y quedaron facinados. Crearon enseguida una nueva propuesta. En 1962 tuvieron su primera presentación como The Rolling Stones en el histórico Marquee, con una formación consistente en el trío Jagger, Richards, Jones, más Ian Stewart en piano, Clif Chapman en batería y Dick Taylor en bajo (si la memoria no me falla) aunque poco tiempo después fueron reemplazados por Charlie Watts y Bill Wyman respectivamente, quedando así conformada la primera formación conocida de sus Satánicas Majestades.

Dead Flowers, del disco Sticky Fingers, en el Marquee. 1971.

Más allá de la estúpida dicotomía entre Beatles y Stones, lo cierto es que sin The Beatles, los Stones difícilmente hubieran llegado a algo. Andrew Oldham era el publicista de los Fab Four y fue quien decidió ser su manager en 1963, consiguiendo gracias a las gestiones de George Harrison (quien junto al resto de los Beatles, concurrían cual fanáticos a los recitales de los Stones) que fueran contratados por Decca Records. Además no es un dato menor saber que el primer éxito de los Stones fue I Wanna Be Your Man, compuesta por un tal John Lennon y un fulano Paul Mc Cartney.

Si bien los `60 nos tuvieron con unos Rolling Stones llegando a una popularidad internacional, mientras nos regalaban temas como Satisfaction, Ruby Tuesday, Paint it Black, simpathy for the Devil, She`s a Rainbow y Let´s Spend The Night Together, más el despido de Brian Jones (quien murió unos meses después) y la primer gira exitosa por los Estados Unidos, atendiendo al espíritu de este blog, empezaremos con la época en que los Stones parecían no tener competencia.

En 1969, en reemplazo de Brian Jones incorporan al grupo a Mick Tylor, guitarrista vinculado al Rock and Roll y el Blues más primigenio, lo que automáticamente devolvió el sonido Stone a sus raíces. Iniciando la década, en 1970 editan Get Yer Ya-ya`s Out, disco grabado en vivo durante unas presentaciones en el Madison Square Garden, considerado por la crítica de ese entonces como el mejor recital que se haya puesto en un disco. A fines de ese año, tras una larga disputa con la compañía discográfica, deciden crear su propio sello, aunque Decca Records se quedó con todos los derechos de la discografía de los Rolling hasta 1970.

Esta nueva etapa la inician con un álbum que, a mi gusto, es una de esas obras maestras que uno debe escuchar en la vida. Sticky Fingers vio la luz en 1971. Su primer corte, Brown Sugar, debutó en el primer puesto de los ranking Norteamericanos y Británicos, permaneciendo en ese lugar un par de semanas, y el arte de tapa del LP fue diseñado nada más y nada menos que por Andy Warhol y es el primer disco en el que aparece la clásica boca con la lengua afuera.

A finales de ese mismo año, presionados por una ley impositiva que les retenía el 90% de sus ingresos, deciden instalarse en un castillo en la campiña francesa, en cuyo sótano dieron vida a Exile on Main St, disco que tuvo que ser terminado en Los Angeles. Lo curioso de este álbum es que cuando salió, si bien fue un éxito de ventas, fue destruído por la crítica. Hoy por hoy, es considerado por la inmensa mayoría como la obra maestra de los Rolling Stones.

Como la fama de desenfrenados no les era injusta, el siguiente disco fue grabado en Jamaica. Sin embargo, de esas caóticas sesiones, salió Goats Head Soup en agosto de 1973, que tiene entre sus canciones Angie, primer corte y terrible éxito. Menos de un año después, editan It´s Only Rock And Roll, album en el que participa Ron Wood como guitarrista invitado en el tema que le da nombre al disco, aunque en el video promocional todavía apareciera Mick Tylor.

A fines de 1974, Mick Tylor abandonaba la banda y recién a mediados del 75, Ron Wood se incorporó como parte estable, haciendo su debut en una presentación sorpresa, en el furgón de un camión en plena 5ª Avenida Neoyorkina.

Entre 1976 y 1978, los Stones eran más conocidos por sus escándalos que por su música. En 1977, Richards es apresado en Canadá con 22 gramos de heroína (para quien desconozca, es una bestialidad) y a Ron Wood se le atribuyó un amorío con la Primera Dama canadiense. Jagger era más visto en el Studio 51 de Nueva York que en un escenario y el resto era una joda permanente.

Pero en 1978, en pleno auge del Punk y el disco, los Rolling Stones lanzaron el álbum más vendido de sus carreras con más de 10 millones de copias vendidas tan solo en Estados Unidos y Europa. Some Girls llegaba de la mano de su primer corte, Miss You, que tuvo el honor de desbarrancar del primer puesto de los charts a un tema de Andy Gibb.

Al finalizar la década entran a grabar Emotional Rescue, que saldría a las ventas recien a comienzos de 1980, constituyendo un nuevo y rotundo éxito de la banda, nuevamente más en el ruedo musical que en las tapas de diarios amarillistas.

El resto de la historia escapa a la década del ´70. En los ´80 también supieron moverse en la cima de la música, con discos impecables y canciones eternas. Podría seguir hablando de esta banda por cinco posts más que no alcanzaría a contar el enorme legado que nos han dejado, no durmiéndose en los laureles de la seguridad de éxitos pasados y sacando discos nuevos antes de salir de gira y que han llegando a estos tiempos que corren tan vitales como siempre y modificando nuestra percepción de la tercera edad. Si pisando los 70 años, estos viejos pueden seguir tocando como lo hacen, nuestras expectativas cambiaron radicalmente. Si no, traten de recordar como veían ustedes a una persona de 65 años hace un par de décadas.

Si alguien fue a verlos alguna de las veces que vinieron a la Argentina, que cuente la experiencia y las iré agregando al post.

RDP

ANECDOTAS:

Fui la primera vez que vinieron, no recuerdo ahora el año, era si el último show (un 16 de febrero); recuerdo la ansiedad que tenía. La primer gran banda, que iba a ver en vivo.Tremendo show, recuerdo que estuve en el campo; y bien adelante, hasta que no aguante mas, y me deje llevar por la marea; creo que en dos segundos estaba en el circulo central. Nunca senti, en mi vida, tanta presión. Pero valio la pena. Cuando tocaron Honky Tonk Woman, piel de gallina!Uh.. y Simpaty for the devil, con Jagger de sombrerito y capa. Que genios.

CGL, 36 años, Argentino. Abogado y Chamán. Sucesiones, Laboral y Tarot.

Seguramente a raíz del gran consumo de estupefacientes de esa época y...de esta (¡hay que decirlo!) a los que están bajo los efectos de drogas se les dice - oye estás "estonazo" - haciendo referencia seguramente, ya por vox populi a quellas actividades non sanctas.

El Drac, Peruano. Antropologo de Drogas.

Lo mío en la adolescencia eran los Bee Gees. No, no me la lastraba.

Mr. Groncho. Argentino, Pincha y Peronista. Reprimido.

En 2006 nos encargaron coordinar algunas boludeces de una tanda de recitales (dos de los Rolling y dos de U2) y nadie tenía muchas ganas de hacer luego el laburo en la cancha. Yo agarré viaje como el mejor, con un pase A (tenía acceso hasta la puerta de camarines). Se imaginarán que no desaproveché la ocasión. El primer día me comporté como el peor de los cholulos, hice una pausa a las 20,45, me mandé para los camarines y entre personajes como Andrés Ciro Martínez (cantante de Los Piojos) y Germán Daffunchio (Las Pelotas) esperé a que salieran los Rolling. Y salieron. Y saludaron. Y le dí la mano a Mick Jagger. El segundo día estuve más en espectador. Luego de terminar con el laburo, me fuí para los palcos VIP. Al tercer tema, no aguanté más y me mandé para el campo. Sublime.

RDP, Alpedista. Reprimido.

Music Was my First Love

La música fue mi primer amor. Desde antes que tuviera uso de razón, la música era mi mundo. Habiendo sido un pibe bastante introvertido, mi universo se expandía a través de los libros y los discos. Hoy que veo este mundo de compresión, donde cuanta más avanza la tecnología, más sordos nos ponemos al pretender escuchar música, cayendo a lo más bajo de bajar un archivo en mp3 que ni por asomo tiene la calidad de audio que una obra de arte necesita.

Eso. Obras de arte. Eso es lo que me imaginaba cada vez que agarraba la bandeja Pioneer de mis viejos y seleccionaba la velocidad de acuerdo a lo que me indicaba el sobre del vinilo. Bajaba las luces, cerraba las ventanas, subía el volumen y colocaba la púa sobre esa circunferencia brillante, cerraba los ojos y me dejaba transportar a otra dimensión.

Las emociones se disparaban con cada canción, con cada pieza musical, tuviera o no letra. La piel se erizaba, las sonrisas, las broncas, las melancolías. Había canciones que con solo escucharlas por primera vez, parecían que eran eternas, como si mi alma extrañara esa concatenación de sonidos que hacían matemáticamente una armonía y que me elevaban al paraíso. Y casi siempre me ponía a pensar en qué les pasaba por la cabeza a sus autores al escribir, imaginar y crear tamañas obras.

En una era sin tanto acceso a información, era común escuchar las más alocadas leyendas luego desmentidas por los autores de las canciones. Que Rasguña las Piedras era para una novia de Charly que se había muerto, algunos más morbosos aseguraban que estaba enferma y que despertó dentro del ataúd. Charly casi se descostilla de risa cuando le preguntaron por ello. Lejos de desilusionarme, más me admiré. ¿Cómo podía ser que un pibe al que no le había pasado tamaña tragedia pudiera escribir al respecto con tanto sentimiento? Lo mismo me sucedió con Eleanor Rigby de los Beatles.

Otras veces era más que atrapante intentar descifrar lo que el artista ocultaba con metáforas, fuera por censura o por ilegalidad. El tiempo y la internet nos trajo todas las verdades, frías como haciéndonos sentir pobres ilusos de haber creído mentiras. Y sin embargo las canciones seguían ahí, esperando a deprimirnos contándonos historias de hermanas muertas, enamorándonos con mujeres ajenas, abriéndonos los ojos en épocas de cegueras nefastas y levantándonos tanto el ánimo que hasta podríamos salir a surfear con los Beach Boys.

La música fue mi primer amor y a eso me dedicaré en las entradas que me toquen en este maravilloso blog que vi nacer y que ahora me permite hablar de otras cosas. Porque la música siempre estará presente. Un mundo sin música, es un mundo imperfecto y la humanidad así lo ha entendido desde que nos paramos en dos patas.

Termino esta breve introducción con una buena música de fondo para este blog tan setentoso. Música del futuro, música del pasado, música sin tiempo. John Miles, aquí con la producción y la genialidad de Alan Parsons quien hacía un par de añitos venía de grabar algo tan gigante como Dark Side of the Moon de Pink Floyd.

Y como en 1976 John Miles escribió una canción sin tiempo, aquí pueden escucharlo hace un par de años, como invitado del grupor alemán PUR, con toda la parafernalia de los estadios y una actuación increíblemente memorable.

Nos vemos pronto.

RDP

¡¡El último del año!!

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Mucho estuve pensando que tema navideño de la década elegir para este post.
Podría haber puesto el video de José Luis Perales, o el de Carpenters, o tantos otros.
Pero elegí una canción muy emotiva, cuya letra sacude el alma.

"Happy Xmas (War Is Over)" es una canción del músico británico John Lennon grabada en los Record Plant Studios de Nueva York a finales de octubre de 1971 y publicada como sencillo. Con la asistencia en la producción de Phil Spector, incluye un coro de niños procedente del Harlem Community Choir, acreditados en el tema.

Si bien el tema figura como una canción protesta contra la Guerra de Vietnam, se convirtió pronto en un himno navideño, apareciendo en numerosos álbumes recopilatorios de canciones para estas fechas.

La letra se basa en una campaña de publicidad llevada a cabo a finales de 1969 por John y su mujer, Yoko, quienes alquilaron vallas publicitarias y espacios en revistas para incluir el lema "War Is Over (If You Want It)", que puede traducirse al español como "La guerra ha terminado (si tú quieres)". Las ciudades donde se desarrolló la campaña fueron Nueva York, Tokio, Roma, Atenas y Londres. Durante este tiempo, la opinión pública de Estados Unidos se había posicionado de forma unánime en contra de la Guerra de Vietnam.

Los músicos que participan en la grabación son los siguientes:

* John Lennon, Yoko Ono y the Harlem Community Choir: voces
* Hugh McCracken: guitarra
* Chris Osborn: guitarra
* Tedy Irwin: guitarra
* Stuart Scharf: guitarra
* Nicky Hopkins: teclados y glockenspiel
* Jim Keltner: batería



Gracias a todos por habernos acompañado a lo largo del año, recordando lo mejor de la década de los 70, pero sin olvidar todo lo dura y difícil que ha sido para muchos de nosotros.
Que el 2010 venga con mucha salud, mucha felicidad, alegría y, sobre todo, paz para todos!

Hasta el año que viene!!

Grupo de Te cuento los setenta!!

Fuente

ALL THEY ARE IS DUST IN THE WIND

Kansas es una banda estadounidense de rock progresivo que alcanzó la popularidad en la década de los años 70
Fue fundada en 1970 por el bajista Dave Hope, el baterista Phil Ehart y el guitarrista Kerry Livgren, a quienes se unieron el vocalista Lynn Meredith, los teclistas Don Montre y Dan Wright, y el saxofonista Larry Baker. Después de una serie de cambios en su formación, el grupo se asienta con Hope, Ehart, el violinista Robby Steinhardt, el teclista y vocalista Steve Walsh y el guitarrista Rich Williams. Esta alineación grabó los mayores éxitos de la discografía de Kansas, que constituyeron además los mayores éxitos de público que incluyeronlas canciones: "Carry On Wayward Son" o "Dust in the Wind".



Dust in The Wind es la séptima canción en el álbum discográfico "Point of Know Return" lanzado en 1977, interpretada y grabada por la banda de rock progresivo Kansas.
Llegó al #6 lugar de las listas de popularidad del Billboard Hot 100 en la semana del 22 de abril de 1978 siendo este el único single de Kansas que ha alcanzado el top ten en el Billboard Hot 100. Fue escrita por Kerry Livgren, y fue una de las primeras piezas acústicas de la banda; su melodía suave y su letra melancólica difiere ostensiblemente de otros éxitos de la banda, como "Carry On Wayward Son" y "The Wall". El interludio de la canción contiene una melodía distintiva y memorable solo de violín interpretado por Robby Steinhardt.
Está compuesta con un profundo significado espiritual y se toca actualmente en muchos funerales.
Kansas también publicó una versión en vivo de la canción en su álbum Two for the Show.
Diversas bandas y cantantes hicieron covers de esta canción. Entre las mas conocidas están Sarah Brightman, Scorpions, The Eagles, Cat Stevens y Simon & Garfunkel

Después de una serie de tensiones entre los miembros del grupo, éste se disolvió en 1984, pero volvería a escena en 1985.

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La banda estadounidense Kansas llega por primera vez a la Argentina en el contexto de su gira internacional con motivo del festejo de sus 35 años de carrera. Se presenta el 17 de septiembre en Tango (ex Cine Metro).
Así, en el marco de su recorrido por Sudamérica -realizará shows en Argentina, Chile, Perú, Panamá y Guatemala- Kansas llegará a nuestro país con su formación actual.

Fuente: Wikipedia, Web oficial

Queen

Los setenta están llenos de grandes artistas, glorias gigantes que perdurarán en la eternidad de la buena música. Pero hubo algunos grupos que han fusionado la novedad musical, la innovación, la vanguardia y encima contaban con carisma, lo que los convierte en inmortales.

Esta vez les contaré de un cuarteto increíble que sonaban en vivo al igual que en estudio, lo cual no sería gran logro sino fuera que se trata de un grupo que tenía cientas de guitarras, arreglos vocales imposibles, baterías solo posibles para un pulpo y un bajo tan rítmico que ni un reloj podria hacerlo mejor.

El Escudo Clásico de la banda, fue diseñado y dibujado por Freddie y está inspirado en los signos astrológicos de los integrantes del grupo.

Farouk Bulsara nació hijo de un diplomático británico en la isla de Zanzibar y se crió en un colegio pupilo en la India. Quizás su nombre no diga nada, pero si les digo que entre sus parientes y amigos los llamaban Freddie, quizás ya sepan de quién les hablo. Sus hobbies eran dos, el boxeo y la música clásica para la cual aprendió a tocar el piano. Su tono de voz era único y especial ya de adolescente. Mientras la mayoría de los hombres tienen registros que van entre el barítono y el tenor, él era contraalto, registro femenino.

Una vez egresado, se mudó con su familia a Londres, donde empezó sus estudios de Arte, compartiendo la habitación con Tim Stafel, quien tocaba el bajo y cantaba en Smile, un grupo casi anónimo que había tocado de telonero de Pink Floyd y Génesis. Freddie empezó a ir asiduamente a los recitales de la banda, también integrada por el odontólogo Roger Taylor y el matemático Brian May. Luego de un fracaso discográfico con la edición de un simple, Tim Staffel larga la banda, no sin antes sugerir un reemplazante. Su compañero de facultad.

Arriba, May; izquierda, Deacon; derecha Taylor y por último Freddie.

Consiguieron en una audiencia al bajista John Deacon. Freddie se puso el apellido artístico Mercury en honor a la deida griega y sugirió de entrada cambiarle el nombre a la banda por el de Queen. Grabaron algunos simples, pero nada pasó hasta que luego de tocar en el mítico Marquee consiguieron un contrato para grabar el primer disco homónimo publicado en 1973. Si bien este primer trabajo no se parece casi en nada a lo que musicalmente nos demostró Queen más adelante, se podía notar una increíble obsesión por los detalles, las letras místicas y un sonido hard rock que llevarían adelante con altibajos a lo largo de toda su carrera.

Al año siguiente, editan Queen II, un disco conceptual extremadamente ambicioso para una banda nueva, pero la pegan con Seven Seas of Rhye en el Top Ten. En 1975 sale a la luz Sheer Heart Attack y el sencillo Killer Queen llega al puesto número dos. El disco estuvo casi un año entre los más vendidos y el grupo estaba de para bienes.

Sin embargo, la masividad llegaría con la contratación del grupo por parte de EMI y, por ende, el mayor presupuesto con el que contaban, el cual sería aprovechado al máximo. A lo largo de 5 meses grabaron un disco ambicioso por dónde se lo mire. A night at the Opera se dió a conocer en noviembre del '75 a través de una canción que eligió la banda y la discográfica se negaba a difundirla por su extensión. Sostenían que nadie toleraría en la radio una pista que dure 6 minutos. Freddie insistió y la compañía aceptó. Rapsodia Bohemia llegó al puesto numero 1 al instante.

Canción llamativa y curiosa por dónde se la mire. Una balada dramática que pasa por un intervalo de ópera -para la cual se regrabaron las voces de los 4 miembros superponiéndolas unas 150 veces- derivando en un heavy metal que decae nuevamente en la balada. El éxito fue rotundo, llegando al puesto número 1. En el mismo disco estaban incluídas You`re My Best Friend y Love of my Life, como si fuera poco.

Para no dormirse en los laureles, al año siguiente editan A Day at the Races, en el que se incluía un nuevo clásico de la banda llamado Somebody to Love. El disco tuvo un éxito discreto para nada despreciable, alcanzado el puesto 2 de la lista. Pero en 1977 aparece un simple como adelanto del futuro disco que los transformaría en clásicos de cualquier cancha, pero no les generaría ningún primer puesto. We Will Rock You y We Are the Champions eran las dos caras del mismo y salieron un par de semanas antes que el LP News of the World.

En 1978 empiezan a aparecer algunas contradicciones entre la crítica y el esfuerzo del grupo con la edición del disco Jazz que fue vapuleado por los especialistas. Si bien el disco no era para nada conceptual, como compendio de canciones era excelente. Tuvo tres cortes de difusión -Don`t stop me Now, Bicicle Race y Fat Bottomed Girls fueron- y una buena aceptación del público, aunque ya ranqueó lejos de lo que estaban acostumbrados en sus trabajos anteriores.

Sin embargo, el disco doble en vivo Live Killers, los colocaría nuevamente en el primer puesto a ambos lados del océano atlántico, lo que los impulsó a entrar a grabar nuevamente, pero con una idea fija. Cambiar la imágen. Se cortaron el pelo, se dejaron de maquillar, se vistieron con ropa de calle y cambiaron de escenografía. Editan The Game y todo estalla de nuevo. Crazy Little Thing Called Love es puesto número uno en todas partes y es el primero de una seguidilla de éxitos extraídos del mismo album. Another One Bust the Dust empieza a sonar en cuanta discoteca abriese, Save Me era cantada por la calle por cualquier adolescente sombrío y Play the Game la pasaban hasta en los noticieros. El disco fue número uno en Europa, Estados Unidos, Japón y Sudamerica, lo que impulsó a la banda a lanzarse a una gira por estos pagos, que lo único de moda extranjero que había visto hasta ese entonces, era la selección holandesa en el mundial `78.

Arrancan los `80 y la historia es más conocida para todos. Un Grandes Exitos que es el disco más vendido de la historia de Gran Bretaña, la banda que aterriza en Buenos Aires en 1981 y llena el Estadio de Velez. Viola pidiendo una foto con el grupo, un milico amenazando a Brian May para que acceda. El grupo que edita Hot Space, un rotundo fracaso del que sólo se destaca Under Preassure con el Maestro Bowie, la banda se toma un descanso. Freddie viaja a Nueva York para pasársela drogado y enfiestado. Vuelven. Lanzan The Works, llegan a la cima nuevamente, comienzan los rumores. A kind of Magic como banda sonora de Highlander, siguen los rumores. El recital de Wembley y el Live Aid en 1985, la despedida de Queen de los escenarios, los rumores que se hacen incontrolables. La edición de The Miracle, el éxito rotundo, Freddie que aparece en público demacrado, los rumores que se agigantan y parecen no tener fin...hasta Innuendo, que no significa otra cosa que insinuación.

Queen en la Argentina previa a la Guerra de Malvinas, cuando Maradona todavía no pensaba que los ingleses eran unos ladrones.

Una banda increíble que marcó un antes y un después en la escena musical. A pesar de la complejidad compositiva, sus temas fueron grabados hasta por Metallica. El grupo favorito de todas las madres que nunca entendieron las letras. El grupo favorito de todos los machotes rockandroleros argentinos que se quisieron matar cuando supieron que Freddie era gay. El grupo favorito de los niños. La primera banda de la que cualquier adolescente se sigue haciendo fanático.

Queen.

Volví a postear. Si hoy no llueven bolsas de cemento, le pega en el palo.

Bruno, para Te Cuento los Setenta

¿A ver si te conocés ésta?

Debo confesar que no recordaba el nombre de la cantante, pero si el tema .
La inglesa Deirdre Elaine Cozier, más conocida como Dee D. Jackson tuvo su auge en la era de la música Disco, a fines de los años 70. Nació en el Reino Unido, pero se mudó a Munich en donde trabajaba procuciendo películas de ciencia ficción. Pero, en realidad, a la muchacha le gustaba cantar. Y asi fue como se lanzó con todo al mercado de la música, logrando un exitazo, Su primer single fue Automatic Lover, que en 1978 arrasó las pistas de baile de Brazil, Argentina, Italia, Francia, España, Turquía, Alemania y Japón.

En este vídeo podíamos ver a la estrafalaria Dee D. en una historia de amor, contoneándose junto a un robot que le hace los coros. Su vestuario era único. La ropa que ella se imaginaba que vestían las princesas intergalácticas o las aventureras de otros mundos. La moda Star Wars estaba en pleno apogeo....

Que lo disfruten!

Un Lado No Tan Oscuro

Si hay un grupo de los Setenta que trascendió todas las fronteras, ese es Pink Floyd. A pesar de haber nacido en los Sesenta, haber grabado en Abbey Road su primer disco al mismo tiempo que los Beatles registraban "Abbey Road", fue en la década del setenta en la que se hicieron gigantes, eternos e íconos de la música, creando un estilo propio. Es tanto lo que se puede contar de ellos que de todas sus obras, hoy hablaremos del Lado Oscuro de la Luna.



Una vez que se fue Syd Barret, Pink Floyd comenzó a dar cierto giro musical sin cambiar la base de la música conceptual. La voz de David Gilmour y su virtuosismo con las seis cuerdas, permitían probar nuevos sonidos. El disco en sí fue producto de la necesidad. Barret era un autor prolífico y costaba igualarlo. Mientras ensayaban para una gira Europea, compusieron en tan solo 7 semanas la totalidad del álbum. De aquellos tiempo quedó el registro en vivo del recital dado en Pompeya (Italia, no al lado del Riachuelo) en el cual ya se incluye la canción "Eclipse", de cuyas estrofas surgiría el nombre del álbum.



El álbum es meramente conceptual y gira en torno a la locura del hombre en los tiempos que corren, producto de la vertiginosa y materialista vida. El miedo al paso del tiempo (Time, Great Gig in The Sky) la ambición por el dinero (Money) y el temor a la locura (Brain Damage) Curiosamente, Money se transformó en la canción que los hizo millonarios.




Es un disco increíblemente armado de principio a fin. El unico corte que tiene es en las canciones que antiguamente cerraban y abrían el lado A y B del vinilo. Según Roger Waters, los latido al comienzo y al final del disco es por la naturaleza cíclica del universo, la vida. Es una concepción más bien oriental.



El disco fue registrado entre 1972 y 1973, en los estudios Abbey Road con Alan Parsons como ingeniero de sonido. No es un dato menor, ya que muchos de los detalles que en el disco se encuentran, no hubieran podido ser sin Parsons. Cosas que iban desde sincronizar más de 20 relojes de pared para armar la introducción de "Time", hasta poner a correr a un sujeto en el estudio mientras grababan "On The Run".



Salió a la venta el 24 de marzo de 1973 y desde entonces estuvo 591 semanas en la lista de los 200 discos más vendidos (11 años y medio), lista a la que volvió a entrar varias veces, donde luego de 35 años, sigue estando y mejor rankeado que muchas obras nuevas (de hecho, no hace mucho estuvo 21 sobre 200). Para mayor curiosidad, se venden actualmente 5000 discos por semana en el mundo y en Estados Unidos, el 10% de sus habitantes menores de 60 tienen un ejemplar.


Cuentan que un tipo se dio cuenta una vez que si se reproduce el disco de principio a fin, mientras se ve el film "El Mago de Oz" de 1939, es un videoclip de 45 minutos. Yo lo hice. No les pido que hagan lo mismo, pero si buscan por por "The Dark Side of The Rainbow" tendrán la compaginación ya armada.

Para despedirme por hoy, les dejo un video de la reunión de Pink Floyd de julio de 2005, para aquellos que piensan que los músicos de ahora son grosos.



Bruno, para Te cuento los setenta

Give Lennon a Chance

A esta altura del partido, calculo yo que nadie desconoce quién es John Lennon. Y lo digo en presente, porque una persona como él, trasciende al tiempo y a las generaciones. Son de aquellos eternamente jóvenes. Sino saquen cuentas, nació en 1940, hoy tendría 68 años.

Vino al mundo en Liverpool, Inglaterra, una noche de bombardeos. Quizás ya desde el mismísimo instante en que vio la luz, sintió el temor en el aire y eso lo forjó el activista pacifista más conocido. Quizás no el más importante, pero nadie duda que Lennon es sinónimo de paz.

Que conoció a Mc Cartney y formó los Beatles como una derivación de los Quarrymen, es algo que tendría que analizarse en algún blog sobre los Sesenta. Como así también que en tan solo 7 años, cambiaron la historia musical para siempre. Nunca nada volvió a ser lo mismo después de los Beatles.

La década del ´70, sin embargo, arrancó con una noticia trágica para los fanáticos, los Fab Tour se separaban. Sin embargo, para Lennon fue algo liberador, dado que ya era notoria su inconformidad en el grupo. Si bien ya había editado algunos discos experimentales a finales de los ´60, inauguró la nueva década con el álbum John Lennon/Plastic Ono Band. Era notoria sus diferencias de prioridades respecto de Paul en este disco. Mientras McCartney cantaba “Silly Love Songs”, Lennon irrumpía con “Working Class Hero”, mostrando su lado más contestatario y protestón.

En 1971, la guerra fría Lennon-Mc Cartney llegó a su cúspide con la edición de Imagine. En una entrevista, McCartney había dicho un montón de cosas sobre Lennon y sobre como se separaron los Beatles, que a Lennon le molestó bastante. El nuevo disco de McCartney tenía una tapa en la que aparecía Paul con un carnero. Lennon le respondió con el tema How Do You Sleep y la arte de tapa del album en la que aparece sosteniendo un lechón...

Ese mismo año, John se muda de su mansión es Ascot a un departamento en el Central Park de New York, donde lo encontraría la muerte años más tarde.

La relación de Lennon con los Estados Unidos merece un capítulo aparte. En plena Guerra de Vietnam, Lennon salía a la calle con un megáfono y vestido de militar a arengar a la gente a que marche con él pidiendo por la paz. Una mañana, el mundo amaneció con un cartel que decía War Is Over, y abajo, entre paréntesis “if you want it”. Fue tanto el activismo de Lennon por esos años y la popularidad con la que contaba, que el FBI lo investigó durante meses, como sería reconocido años después. Fue en ese contexto que se editó “Some Time in NYC”, un disco registrado en vivo en Nueva York, con artistas de la talla de George Harrison y Eric Clapton.

En 1973 se separaría de Yoko Ono, mudándose a la costa oeste de los Estados Unidos en lo que se dio a llamar como “The Lost Weekend”. Durante ese lapso de tiempo, sale a la venta el disco “Mind Games” que tiene muchísimas alusiones al estado sentimental de Lennon en soltería, a pesar de tener algunas canciones con letras de fuerte contenido social.

Cataratas de alcohol, toneladas de cocaína, y malas compañías acompañaron a la grabación de Walls and Bridges. El disco fue número uno en Estados Unidos y los más melómanos lo consideran el mejor de su carrera solista (posición que comparto). Posterior al mismo, llegó Rock And Roll, con la producción de Phil Spector, con quien ya había trabajado en el disco Abbey Road de los Beatles, en el que Lennon tocaba todas las canciones que lo habían marcado en su adolescencia. Como curiosidad, este último trabajo cuenta con una foto de Lennon en la tapa que él mismo tuvo que comprar en una convención sobre los Beatles.

Durante la grabación de este último disco, Lennon empezó a verse de vuelta con Yoko, quien queda embarazada de quién sería el segundo hijo de John. Lennon, como reconocería más tarde, no había sido para nada un buen padre con el primero, Julian, de su primer matrimonio, ya que se vio profundamente absorbido por su carrera. Decidido a no atravesar por lo mismo, largó la música por un tiempo para poder estar con su hijo recién nacido, Sean, y devolverle algo del tiempo perdido a Julian.

A principios de 1980, Lennon se fue de viaje con la familia en un barco timoneado por él mismo hasta las islas Bermudas, donde se sintió con ganas de volver al ruedo (según contó él mismo) y fue allí donde terminó algunas canciones compuestas durante los 5 años de ausencia y compuso el resto de las que serían incluidas en “Double Fantasy”.

Con el cumpleaños número 40 de Lennon, sale a la calle el single “(Just Like) Starting Over”, como adelanto del álbum que vería la luz unas semanas después. Dicha canción tiene una letra compuesta para gente de 40 años, que veían para atrás y sentían que el tiempo se les pasó volando, pero que así y todo, pueden volver a sentirse jóvenes de vuelta, como “empesar de nuevo”. Pareciera mentira que mientras esa canción estaba rotando en las radios, un 8 de diciembre de 1980, con el inicio de una nueva década, el mayor referente de una generación fuera asesinado por Mark Chapman, delante de su esposa y en la puerta de entrada al edificio donde vivía. Volvía de grabar. Estaba en un momento de auge compositivo. Le robaron la vida.

Cinco tiros infames por la espalda bastaron para terminar con un ícono del pacifismo mundial y un genio de la música. Lo último que hizo en su vida John Lennon fue firmarle un autógrafo a su asesino. Su última frase, al ver que Chapman no se iba, fue "Qué más quieres de mí?"

Los ´70 empezaron con Lennon y se fueron con él. La nueva década, con música vacía de ideologías, haría que se lo extrañe aún más.

John Winston Lennon

1940-Eternidad

Bruno, para Te Cuento los Setenta

Mamma mía....qué chiquitita!!!

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Hay tanto y taaaaaaanto material e información para compartir de Abba, que no sabía por donde empezar.
Decidí que lo mas importante es el sonido y las imágenes. Así que aquí va mi resumen, mucho ruido (léase música) y pocas nueces para no aburrir!!

En los años 60 Bjorn y Benny eran músicos y cantantes suecos.
Conocieron a dos bellas señoritas, Agnetha y Frida, cantantes también, se enamoraron y se casaron con ellas. Bjorn con Agnetha en el 71, y Benny con Frida en el 78.

El primer single que grabaron juntos se llamó "ring ring", en el 73, y con el que participaron en el festival de Eurovision, con el que ocuparon el tercer puesto en el festival, lo cual les alcanzó para ser un éxito en toda Europa.
Ese mismo año decidieron llamarse Abba, utilizando la primer letra de sus nombres (el primer nombre de Frida era Anni) y grabaron así su primer LP, llamado "Ring Ring".
Lo gracioso es que en esa época había en Suecia una marca de pescado enlatado que se llamaba Abba, y la cual cedió "gentilmente", y a cambio de algún dinerillo, las siglas de su nombre!

Pero vayamos a lo concreto. Sus discos, sin contar los discos de oro, ni los Greatest Hits, o sea, solo contando los discos de estudio, son los siguientes, y vienen casi todos con un videíto para disfrutar!



Ring Ring - 1973

Waterloo - 1974
Waterloo es el nombre de la canción con la que se dieron a conocer al ganar el Festival de la Canción de Eurovisión en 1974. En 2005, en el 50 Aniversario del nacimiento del Festival, en la Gala Congratulations, fue nombrada la mejor canción de la Historia del Certamen, por voto popular de toda Europa!



ABBA - 1975
Mamma Mia



Arrival - 1976
Dancing Queen
Este video fue filmado la noche anterior al casamiento del rey Carlos XVI de Suecia con Silvia Sommerlathm en junio del 76. Observen el vestuario típico del siglo XVIII con el que participaron.
Dedicado especialmente a Rammses!! ajajajaa lo prometido es deuda!!




The Album - 1977
Thank You For The Music





Voulez-Vous - 1979
Chiquitita
Esta canción fue donada por Abba a la Unicef en el año 79. Junto con "Too much heaven" de los Bee gees, son las dos canciones que mas dinero han recaudado para esta organización por derechos de royalties.







Super Trouper - 1980
The Visitors - 1981

Estos últimos no pertenecen a la década!
En la barra lateral de la izquierda pueden ver videos en español.

A comienzos del 79, Bjorn y Agnetha anunciaron su separación y aunque no pretendían terminar con el grupo, si afectó al imagen de "dos parejas felices que hacen música" que habían acuñado durante tanto tiempo.
En Japón fue su última presentación en vivo, el 1980. Meses más tarde, Benny y Frida anuncian su divorcio y esto terminó de sepultar la imagen de cuento de hadas de la banda. Aunque hubo tiempo para otro disco, para 1982 las energías se habían acabado y deciden separarse.

Lo fabuloso de esta banda, es que nunca desapareció., De sus canciones se hicieron muchísimos covers, hubo bandas tributo, y siempre hay algún Dj que rescata su música para que se baile en los boliches.

Algunos puntos de interés extraídos de la wikipedia:


- ABBA cantaba en inglés, sueco, español, alemán, francés y japonés!
- Sigue siendo el máximo vendedor para Universal Music. 3,500 discos por día como mínimo, 15 millones por año.
- ABBA fue el primer grupo en aparecer en un CD.
- El logotipo de ABBA nació de un error al invertir una B en una sesión de fotos.
- Con un éxito incalculable, Dancing Queen entró en nº 1 en 12 países.
- En "Los Simpsons", específicamente en el capítulo "Mamá Simpson" se escucha un extracto de "Waterloo" en la escena en la que el Sr. Burns se propone atacar la casa de dicha familia con un tanque.
- Steven Spielberg que siempre lleva canciones de Abba en su Ipod durante las películas.
- El tema Chiquitita fue interpretado en idioma croata allá por el 79, en un festival en Buenos Aires, por una banda formada por adolescentes, y fue altamente aplaudida por sus familiares y amigos íntimos logrando un éxito arrasador a nivel barrial. Esto no lo dice la wikipedia, lo digo yo que estuve ahí subida al escenario! ajajaajaja


Actualizacion:. Queremos hacer un post con fotos de los años 70, si alguno quiere compartirnos una foto en donde aparezca, nos la puede mandar a redactorsetentoso@gmail.com. Muchas gracias!!

Aloha From Hawaii

Te acuerda de Elvis cuando movió la pelvis?

Voy a hablar de alguien de quien ya se habló mucho, demasiado, pero voy a tratar de limitarme a un evento bien setentoso no sin antes hacer una brevísima presentación.

Elvis Aaron Presley nació en un pueblito americano un 8 de enero de 1935. No hay mucho que decir de su vida que no se haya dicho ya. Sus primeras grabaciones en 1954, su primer éxito en 1956 con Heartbreak Hotel y toda la locura e histeria que vino luego. Fue tal la fama y popularidad alcanzada tan velozmente que en 1957 se pudo comprar su Mansión de Graceland.




A mediados de los ´60 luego de hacer el Servicio Militar y de haber filmado una veintena de películas, Elvis vio como la invasión británica en manos de The Beatles le devoraba el mercado. Recién en 1968 logró resurgir gracias a un especial televisivo. Luego de dicho evento y absolutamente convencido de que necesitaba hacer un cambio en su rumbo musical, innovar, buscar nuevos sonidos, modernizarse, su manager lo obligó a que siguiera siendo una figurita repetida de si mismo, al querer despedirlo, este le amenazó con quitarle su fortuna de la que el era uno de los artífices, sin duda alguna. Pero Elvis quiso progresar más allá de la fama y el dinero y no pudo.

Pues bien, entrados los `70, sucedió algo digno de remarcar. El primer recital transmitido vía satélite. Hacia menos de 4 años que el hombre había llegado a la Luna cuando se anunció un concierto que sería visto en todo el mundo. El lugar elegido no era al azar, era Hawaii, donde Elvis era más ídolo que en cualquier parte, ya que había puesto al archipiélago en el mapa ¿O acaso a usted le nombran Hawaii y lo relaciona con otra cosa? Elvis lo es todo en esas islas, sin ir más lejos, en 2003 se realizó una película de Disney llamada Lilo & Stich, cuya banda de música esta compuesta excluisvamente por canciones del Rey, cantadas algunas por él mismo y otras versionadas.

Así, un 14 de enero de 1973, apenas pasada la Medianoche de Hawaii, Elvis hizo su aparición en el Centro Internacional de Convenciones de Honolulu, para dar inicio a lo que sería una de sus presentaciones más recordadas, tanto por su performnace, por el acontecimiento tecnológico de ver en el instante lo que sucedía en otra parte del mundo desde el livnig de tu casa, como así también por ser la primera aparición en TV del Rey desde su especial de 1968.

De esa presentación salió otro elemento propio de una teconología que avanzaba, el disco doble con el registro del recital fue grabado en sonido cuadrafónico. Muy lejos del 5.1 surround ¡Pero vaya que adelanto!

Algunos años más tarde, 16 de agosto de 1977, Elvis se haría inmortal para algunos, pasaría a la clandestinidad para otros, pero eso no nos ocupa hoy. De algo hay que estar seguro, la década del ´70 transformó al Rey del Rock and Roll de ídolo a ícono, mito y leyenda.

Bruno, para Te Cuento los Setenta

You Can´t Stop The Music!

Vamos a intentar hablar de la música de los ´70. No seré Alejandro Pont Lezica, ni Pipo Lernaud, no tenía tarjeta de descuento en el Centro Cultural del Disco, ni escribí en la Revista Pelo. Tampoco en el Expreso Imaginario, pero me defiendo, ya que la música de aquellos años la vivo como si fuera de hoy. Y es que los Setenta son a la música contemporánea lo que la revolución industrial es a la modernidad. Todos los sonidos que hoy escuchamos, fueron desarrollados durante la década del ´70. Es un hecho, no una opinión, es inobjetable. Y desde esta humilde columna, intentaré demostrarlo en diversas entregas.

Es que fue una década riquísima en sonidos, en estilos musicales, en innovaciones tecnológicas aplicadas a la industria discográfica y la época en que dicha industria vivió su apogeo, sin radiograbadores que hicieran peligrar el lucrativo negocio de la venta de discos.

Fue una década en la que se desarrollaron corrientes musicales que pudieron tener su génesis en los últimos años Sesenta, pero que sin lugar a dudas, crecieron y se popularizaron durante estos años increíbles. Los cimientos de la música pesada se encontraban en Led Zeppelín, Black Sabbath y Deep Purple. La música progresiva del primer Génesis (aquel que comandaba Peter Gabriel y en el cual Phill Collins era simplemente el baterista) Yes y un Pink Floyd que dominaría la escena psicodélica. El Glam Rock, aquel género que disparara a la cima a David Bowie y Queen tuvo su momento de gloria. Nadie puede negar con estos antecedentes, que la escena rockera mundial era dominada nuevamente por los británicos, con contadas excepciones como la de Kiss.

La década del ´70 se inició con una mala noticia. Los Beatles ponían punto final a su vertiginosa historia de la manera más escandalosa posible. Como si fuera una ironía, el grupo que mas influenció en el sonido de la década que comenzaba, no estaría presente como tal, dejando vía libre a los Rolling Stones para que se convirtieran en la leyenda que hoy en día son. Nos dejaban un último regalo, el album Let It Be.




Desde el lado oeste del Atlántico, llegaron a su apogeo en los tempranos ´70 Creedence Clearwater Revival, llegando a poner fin también a su meteórica carrera en medio de un escándalo familiar entre los hermanos Fogerty. La muerte de Jim Morrison también marcó de mala manera al ambiente. Mientras tanto, en los bares de New York se preparaban Lou Reed y sus Velvet Underground, Blondie y The Ramones para llegar a las primeras planas, conjuntamente con los Británicos The Clash,The Police, Sex Pistols y Dire Straits para dar inicio a dos movidas muy ligadas entre sí: La New Wave y el Punk.

En los Estados Unidos, la disquera Motown, llevaría al Soul a las primeras planas de la mano de Marvin Gaye y Al Green. Estos monstruos de la música negra serían los precursores de la fiebre disco, que sin duda alguna es él símbolo de la segunda mitad de la década lanzando a la fama a innumerable cantidad de grupos como los suecos ABBA, Earth Wind & Fire, The Bee Gees, Gloria Gaynor, K.C. and the Sunshine Band, Donna Summer, Kool and the Gang, Barry White (aunque también era el rey del apriete) y fue tal el suceso que hasta los Rolling Stones y Kiss hicieron temas muy disco (Emotional Rescue y I Was Made For Loving You respectivamente).

ABBA

En el hemisferio sur sucedía algo similar que en Gran Bretaña pero a nuestro ritmo. La Balsa de Los Gatos ya habían quedado en los ´60 y muchos de los jóvenes de por entonces necesitaban una alternativa a la música beat, algún espacio en el que otros jóvenes como ellos dijeran las cosas que ellos pensaban. Se escuchaban los acusticazos por un lado y a los pesados por otro. Nadie imaginaría que los sesionistas del primer disco de Sui Generis (1973) eran músicos de La Pesada del Rock and Roll, que comandaba Billy Bond.

Charly y Nito - Sui Generis

La Biblia de Vox Dei, puso al Rock Nacional ante su primer escándalo, ya que los conservadores creían que era un sacrilegio. Influenciados por artistas como Simon & Garfunkel, Elton John y Bob Dylan, nuestra escena rockera se volcó a lo mayormente acústico y protestón: Almendra, Sui Generis, Pastoral, María Rosa Yorio, León Gieco, Raúl Porchetto, todos muchachos que no llegaban a los 25 años y ya eran ídolos. No es para menos, el nivel musical y creativo en general de aquellos años no tiene comparación con otro momento argentino.

Nuestra escena blusera local que había dejado vacante Manal, fue ocupada indiscutiblemente por el Carpo con su Pappo´s Blues. Los amantes de la música progresiva tuvieron en Crucis y en la Máquina de Hacer Pájaros unos buenos ejemplares. Pescado Rabioso, Invisible, Serú Girán, Arco Iris, Alma y Vida, La Cofradía de la Flor Solar. Todos los géneros tuvieron su lugar.

La década del ´70 lo tuvo todo, hasta fue el inicio de la música electrónica con los primeros samplers y sintetizadores. Nunca nadie podrá negar que aquellos años son únicos e irrepetibles y que cualquier músico que se precie de tal, daría lo que fuera pr haber vivido por aquellos años.

Esto es solo una introducción, el tema es inacabable. Otros amigos que la tienen mas lunga en lo que son asaltos y boliches, habrán de dedicarse a eso, a la música de joda...es que acá son todos unos fiesteros...

Bruno, para Te Cuento los Setenta

Importante: Al comienzo de la columna izquierda, me tomé el atrevimiento de poner un reproductor de música que por el momento cuenta con 50 canciones. No tienen más que darle play y elegir la que quieran, o dejarlo sonar. Un servicio a la comunidad. Y es gratis...hasta que le encontremos la vuelta lucrativa.

Bruno, again