Vox Dei

Hace un par de añitos, escribí este post. Ante el reciente fallecimiento de Ruben Basoalto, no se me ocurrió otra cosa que esto. Me gusta recordar a los hombres por sus obras, que en definitiva, es lo que los hace eternos para el resto de lo mortales.

Bienvenidos al Rock Suburbano. A finales de los ´60, si había algo más difícil que querer tocar Rock en la Argentina, era querer hacerlo proviniendo de los suburbios. En Quilmes, bien al sur de conurbano bonaerense, en la primavera del ´67 se juntan unos muchachos con ganas de tocar. Ellos eran Willy Quiroga, Rubén Basoalto, Ricardo Soulé y Juan Carlos Godoy. No tenían un peso partido al medio para comprar instrumentos, y el primer bajo que pudieron armar fue de fabricación cacera, y según comentase tiempo después Willy Quiroga, estaba tan doblado que podía usarse para lanzar flechas.

En un principio, Ricardo Soulé oficiaba de bajista y Quiroga de guitarrista, junto con "Yodi" Godoy. Soulé era el único que había estudiado música seriamente (entiéndase por ello, en un conservatorio) y su instrumento era el violín, el mismo que tocaba en alguna que otra canción. Con el tiempo, el virtuosismo de Ricardo, lo llevó a hacerse cargo de la primera guitarra del grupo, Quiroga gustosamente aceptó.

Se llamaron Match 4 (nombre puesto por Quiroga, quien había pasado por la escuela de aviación) y cantaban en inglés temas propios y, obviamente, covers. En un festival, un hombre flaquísimo que ya comenzaba a tener un poco de fama, les sugirió "con lo rico que es el idioma ¿Por qué no cantan en castellano?" Sin quererlo, Luis Alberto Spinetta, estaba llevando a las nuevas promesas por el camino indicado.

Tras varios shows, la banda consigue audicionar para Jorge Álvarez (productor de Manal, Almendra y Sui Generis, entre otros hitos) quien ocupaba un gran puesto en la primera discográfica de rock argento, Mandioca. Fue el mismo Álvarez que les sugirió a los chicos que con ese nombre no iban a ningún lado. A Quiroga le vino a la mente la frase "Vox Populi, Vox Dei", que en latín, a grandes rasgos, quiere decir "La Voz del Pueblo es la Voz de Dios". Corría el año 1969.

Ese mismo año, graban para Mandioca lo que sería su primer single, "Azúcar Amargo" y "Quiero Ser". Meses después graban un segundo simple que pasaría casi inadvertido hasta que fuera regraba dos años después en un formato más rockero. Estamos hablando de uno de los más grandes clásicos de la historia del Rock Nacional: Presente.

Estos simples que fueron bien vendidos, llevaron a que el grupo tuviera acceso a su primer Larga Duración. En 1970 ve la luz "Caliente". Pero eso no era lo importante. Soulé y compañía venían gestando lo que sería la primera obra conceptual del rock en castellano. "La Biblia".

No hacía mucho que se había editado "Tommy" de The Who, obra que influyó notablemente en la concepción de hacer rock. Vox Dei lo capitalizó al extremo. Entraron a estudios solo con una canción completa y muchas ideas en la cabeza. EL trabajo prácticamente se compuso en estudio, a excepción de Génesis, que ya fuera estrenada en un show en vivo previo a la grabación.

Como no se puede analizar la historia sin tener en cuenta el contexto, hay que mencionar que por esos años, la Argentina se encontraba bajo un gobierno de facto. De más está decir que la obra despertó inquietudes de la Iglesia Católica de nuestro país, cuyas autoridades le requirieron al sello Mandioca la entrega de las letras para "controlarlas" antes de su publicación. El Arzobispo de Buenos Aires, Cardenal Antonio Caggiano, no solo la autorizó, sino que además dirigió unas palabras a los músicos: "A mí me hubiera costado tres horas explicar qué es Dios y vos apenas con un silogismo lo conseguiste." Se refería a "Él era el principio y de la noche hizo luz", obrante en Génesis.

El disco era grabado bajo una presión constante que recaía sobre los músicos, ante la expectativa que se generaba en torno a la obra y sobre todo, por la quiebra de Mandioca. Finalmente fue editado por el sello "Disc Jockey", quienes cometieron un error gravísimo. En la contratapa del álbum, invirtieron los nombres de las canciones de "Profecías" y "Libros Sapienciales", generando una confusión terrible (de hecho yo, 20 años después de editado el disco, no entendía porque los nombres coincidían con las letras inversamente). Toda esta presión llevó a una pelea irreconciliable entre Godoy y Soulé, por lo que el primero de ellos, abandonó la banda una vez finalizada la grabación. Su voz es la de la segunda parte de "Las Guerras" y la de "Cristo".

En 1974, el Ensamble Buenos Aires (orquesta que se puede escuchar en Cuando Ya Me Empiece a Quedar Solo y Rasguña las Piedras de Sui Generis) decide llevar a cabo una versión un tanto más pesadita del disco, que ya de por sí tenía un sonido potente, muy a lo Black Sabbath. Aliándose con la Pesada del Rock Nacional, se grabó la obra integra con músicos de la talla de Claudio Gabis, Jorge Pinchevsky, Charly García, Black Amaya, David Lebón, Oscar Moro, Carlos Cutaia, Alejandro Medina, Billy Bond y otros grosos más. Vox Dei, a pesar de haber dado el visto bueno, no pudo participar de modo alguno por esas cosas que tienen las discográficas.

La carrera de Vox Dei continuó más allá de La Biblia, aunque nada volvió a ser lo mismo. Es una regla casi general que cuesta sobrevivir a una obra tan superior como lo fue este trabajo increíble desde el punto de vista musical y cultural.

En 1972, Vox Dei edita "Jeremías Pies de Plomo", que sería un éxito arrastrado por la obra anterior. Lejos de lo conceptual, es un soberbio disco de flor, rock y blues. En el mismo están muchos de los clásicos del grupo: Detrás del Vidrio, Juntando Semillas en el Suelo, Si Separarnos Más y Ritmo y Blues Con Armónica.

En 1974 y luego de editar un disco en vivo (La Nave Infernal) la banda edita "Vox Dei para Vox Dei" y Soulé se va del grupo. La carrera siguió erráticamente hasta nuestros días, con idas y vueltas de Soulé y obviamente, con una merma en la calidad de las composiciones ante la ausencia de su principal autor.

Barry White

Sinónimo del apriete y de la música para estar a solas con una chica, varios jóvenes deben su existencia a algún disco de Barrence Eugene Carter, más conocido como Barry White. Poseedor de una voz increíblemente grave y, a la vez, melodiosa, Barry no imaginaba que podría llegar a donde llegó. Nació en un barrio marginal de Los Angeles y a los 15 años ya estaba preso. Sin embargo, dijo que esa estadía en la carcel le cambió la vida. Al poco tiempo era Director del coro de la Iglesia a la que asistía con su familia y comenzó a grabar discos con diversas formaciones y dudoso éxito.

Hay quienes creen en los golpes de suerte. El caso de Barry no fue el ejemplo. Luego de años de grabar sin pegarla, en 1969 arma la Love Unlimited, un trío vocal femenino con el que edita, en 1973, el álbum I’ve Got So Much To Give. Al álbum le fue más que bien, para ser un disco debut, por lo cual los productores accedieron a darle lo que pidiera. Barry hizo realidad sus ambiciosas pretenciones y creó una orquesta gigante para lo que era el mundo del Soul. Así nació la Love Unlimited Orchestra, con la que edita en 1973, el disco Rhapsody in White. Y ahí llega la fama internacional, de la mano de Love´s Theme. El boom era un hecho y  Barry White se convirtió en el ícono del Soul, compartiendo el trono de aquellos años con un joven Stevie Wonder y los Jackson Five.

Pero 1973 todavía no se terminaba y Barry tenía mucho más para demostrar. La Love Unlimited Orchestra edita Stone Gon´ y colocan otro tema en los charts, esta vez con la voz de Barry al frente. El combo era demoledor, una voz grave en pleno boom de las voces agudas, una orquesta clásica cuando ya nadie les daba bola y un ritmo poderoso y contagioso en extremo. Never, Never Gonna Give You Up era el tema del momento.

1974 arrancaba con Barry sonando en todas las discos del planeta, y el éxito aún no había alcanzado su punto máximo. Can’t get enough, estaba saliendo a la calle y ya se percibía en la primera reproducción que iba a hacer historia. Se convirtió en el disco más exitoso de su carrera y uno de los más vendidos del siglo XX. No era para menos, si tenemos en cuenta que contaba en su listado con Can’t get enough of your love, babe y You’re the first, my last, my everything,

En los setenta, el Soul terminó derivando en su hermano más odiado por los puristas -y por los músicos en general- que fue la Disco Music. A pesar de ello, Barry White ya había llegado antes que todos a copar las discotecas, sin perder la calidad de sonido, de composiciones complicadas, de arreglos soberbios y de letras sugerentes, sin llegar a lo obseno. Barry hizo del romanticismo una marca registrada y, a pesar de sus perfectas composiciones, no dudó en grabar covers de otros artistas. Así y todo, les daba un toque tan personal, que el tema parecía pertenecerle. Tal fue el caso de Just The Way You Are, de Billy Joel, que fue más popular por la versión de White que por la del gran Billy.

La carrera de Barry continuó por las décadas siguientes de un modo particular. Sus discos no eran exitosos en los charts, pero se vendían como si lo fueran. Se había convertido en un artista de culto para millones de personas. En los ´90 se hizo popular para nuevas generaciones gracias a la televisión, siendo uno de los primeros famosos en poner voz para su propia caricatura en Los Simpsons, como sus numerosas apariciones en Ally Mc Beal. En 2002 su hipertensión crónica no le permitió resistir la espera de un transplante renal y abandonó este mundo, no sin antes dejarnos un legado único en lo que se refiere a música, ritmo, sensualidad y buen gusto. 

Espero que no se hagan los otarios y cuenten cómo la pasaban en los asaltos y/o bailes con estas canciones.

Tienes un e-mail

La vida nos da sorpresas y muchas veces, a Dios gracias, muy agradables.
Ésta es una de ellas y es necesario compartirla.

En abril del 2008, en este blog escribimos un post sobre la telecomedia "Los Campanelli". La entrada la pueden leer ACÁ.
El pasado fin de semana, en la cuenta de la redacción del blog, recibimos un e-mail de Carlos Escalada, quien fuera director durante el primer año del programa, y que, por desconocimiento, obviamos nombrar en el post. Mil perdones por ello.
Carlos me dio permiso para compartir el texto con todos los lectores, de manera que no les cuento mas, solo que vale la pena leerlo, pues tiene detalles del programa que, al menos yo, desconocía.
Aprovecho la ocasión para agradecerle a Carlos la deferencia de escribirnos y, especialmente, de seguir en contacto con nosotros para futuros post de la década que tanto disfrutamos.

Ahora sí, el texto completo del e-mail.

Gracias por tu recuerdo a los queridos Campanellis!....
Como una de tantas familias anteriores (Los Perez García, La familia Falcón, y tantos otros...llegaron Los Campanelli!!.
En mi condición de Director Integral del Canal 13, fuí convocado por Toto Maselli, quien (te corrijo respetuosamente), fué el dueño de la idea y Productor del programa.
Dirigí a los Campa desde el primer día, y desde el primer programa supimos que era un éxito. Se paraba Buenos Aires!.
Y como nota de color, te cuento que en los primeros programas, las pastas que comían los actores en escena, la traían de un bar cercano. Y siempre llegaban frías!....Los actores evitaban comerlas y nosotros necesitábamos que eso fuera real!.
Por eso junto a Maselli, le propuse incorporar a una cocinera de Buenas tardes Mucho Gusto, colocamos una cocina en el estudio de al lado del nuestro, y todos los domingos venía una señora QUE AMASABA LOS FIDEOS para todo el Elenco!....
Demás está decir que no tuvimos más problemas!...Y como el programa IBA EN VIVO!!, (qué tiempos!....cuando había un error, no se podía repetir nada!), y cuando nos salíamos del aire...estaban todos los técnicos del resto del Canal que venían a devorarse los deliciosos tallarines que amasaba esta señora!.
Por lo dicho, dirigí este programa durante todo el primer año, y cuando pasó al Canal 11, (yo me quedé en el 13), lo siguió dirigiendo Gerardo Mariani, quien continuó en esa otra etapa.
Gracias por llevarme a estos imborrables recuerdos de la mejor etapa de mi vida profesional!. También dirigí Manuela, Muchacha italiana viene a casarse, Así o asá, Tato Bores, e infinidad de programas con increíbles actores!...
Un abrazo grande par vos y tus seguidores.

Carlos Escalada
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Así nos vendían...

Ya hemos hablado de la publicidad en la década del 70 ACÁ y ACÁ. Pero nos referimos hasta ahora a los comerciales que pasaban por TV.
Hoy toca la gráfica.
La historia de la publicidad nos cuenta como en las décadas anteriores, lo mas importante era el producto. Un mensaje simple y concreto de sus ventajas y listo.
Con el avance de la industria, la cosa se va complicando, pues la competencia es mayor. Entonces no era suficiente vender un producto de buena calidad y bajo costo. Había que seducir al consumidor de alguna manera. Y es así que la emotividad comienza a jugar un papel importante en la publicidad.
Veamos algunos ejemplos. Si cliquean en las imágenes, las verán mejor.

Shampú Cadum (1971) con Susana Gimenez

El Capitán Piluso (1970)

Jeans Far West (1971)

Jeans Perfecta Lew (1974) (con Carlitos Monzón)

Plancha Atma (1975)

Shampúes Roby (1978) con las Trillizas de Oro

Lencería Triumph (1974)

La Victoria (navidad 1975) con Federico Luppi

La suavidad de los cabellos, la risas de los chicos y las sonrisas de los grandes, la amistad que conseguimos con un vaquero, la personalidad dominante (ésta me causó gracia, en realidad, a esta altura y sabiendo como terminó, me parece tragicómica), las trillizas y todo lo que ellas significaban, la liberación femenina...
Son claros ejemplos de lo que vivíamos por esas épocas.
Y dejé para el final la de la sidra, porque me parece muy emblemática.
Con los cambios que se estaban produciendo en el mundo y, específicamente en nuestro país, decidieron apelar a los viejos tiempos. Volver a la familia y a lo tradicional. La cara de la campaña fue Federico Luppi, quien años después se exiliaría en otro país.
Cosas que nos pasaron...

En el próximo capítulo, publicidades de autos.
Fuente y Fuente

The Rolling Stones

Si bien han atravesado con contundente éxito todas las décadas de los `60 hasta la fecha, The Rolling Stones tuvieron una participación única en la música de nuestros queridos años `70, época en que empezaron a conocerse como La Banda de Rock Más Grande del Mundo.

Satisfaction en vivo, 1969.

La historia de este mítico grupo podría remontarse a los tempranos años 50, cuando Mick Jagger (vocalista) y Keith Richards (guitarrista) eran compañeros de aula en la escuela primaria en la ciudd de Dartford, obviamente, Reino Unido. Por cuestiones de mudanza, volvieron a encontrarse en 1961 en Londres, teniendo cada uno su propio grupo. Una noche en la que estaban de copas en un bar, conocieron al grupo de Brian Jones y quedaron facinados. Crearon enseguida una nueva propuesta. En 1962 tuvieron su primera presentación como The Rolling Stones en el histórico Marquee, con una formación consistente en el trío Jagger, Richards, Jones, más Ian Stewart en piano, Clif Chapman en batería y Dick Taylor en bajo (si la memoria no me falla) aunque poco tiempo después fueron reemplazados por Charlie Watts y Bill Wyman respectivamente, quedando así conformada la primera formación conocida de sus Satánicas Majestades.

Dead Flowers, del disco Sticky Fingers, en el Marquee. 1971.

Más allá de la estúpida dicotomía entre Beatles y Stones, lo cierto es que sin The Beatles, los Stones difícilmente hubieran llegado a algo. Andrew Oldham era el publicista de los Fab Four y fue quien decidió ser su manager en 1963, consiguiendo gracias a las gestiones de George Harrison (quien junto al resto de los Beatles, concurrían cual fanáticos a los recitales de los Stones) que fueran contratados por Decca Records. Además no es un dato menor saber que el primer éxito de los Stones fue I Wanna Be Your Man, compuesta por un tal John Lennon y un fulano Paul Mc Cartney.

Si bien los `60 nos tuvieron con unos Rolling Stones llegando a una popularidad internacional, mientras nos regalaban temas como Satisfaction, Ruby Tuesday, Paint it Black, simpathy for the Devil, She`s a Rainbow y Let´s Spend The Night Together, más el despido de Brian Jones (quien murió unos meses después) y la primer gira exitosa por los Estados Unidos, atendiendo al espíritu de este blog, empezaremos con la época en que los Stones parecían no tener competencia.

En 1969, en reemplazo de Brian Jones incorporan al grupo a Mick Tylor, guitarrista vinculado al Rock and Roll y el Blues más primigenio, lo que automáticamente devolvió el sonido Stone a sus raíces. Iniciando la década, en 1970 editan Get Yer Ya-ya`s Out, disco grabado en vivo durante unas presentaciones en el Madison Square Garden, considerado por la crítica de ese entonces como el mejor recital que se haya puesto en un disco. A fines de ese año, tras una larga disputa con la compañía discográfica, deciden crear su propio sello, aunque Decca Records se quedó con todos los derechos de la discografía de los Rolling hasta 1970.

Esta nueva etapa la inician con un álbum que, a mi gusto, es una de esas obras maestras que uno debe escuchar en la vida. Sticky Fingers vio la luz en 1971. Su primer corte, Brown Sugar, debutó en el primer puesto de los ranking Norteamericanos y Británicos, permaneciendo en ese lugar un par de semanas, y el arte de tapa del LP fue diseñado nada más y nada menos que por Andy Warhol y es el primer disco en el que aparece la clásica boca con la lengua afuera.

A finales de ese mismo año, presionados por una ley impositiva que les retenía el 90% de sus ingresos, deciden instalarse en un castillo en la campiña francesa, en cuyo sótano dieron vida a Exile on Main St, disco que tuvo que ser terminado en Los Angeles. Lo curioso de este álbum es que cuando salió, si bien fue un éxito de ventas, fue destruído por la crítica. Hoy por hoy, es considerado por la inmensa mayoría como la obra maestra de los Rolling Stones.

Como la fama de desenfrenados no les era injusta, el siguiente disco fue grabado en Jamaica. Sin embargo, de esas caóticas sesiones, salió Goats Head Soup en agosto de 1973, que tiene entre sus canciones Angie, primer corte y terrible éxito. Menos de un año después, editan It´s Only Rock And Roll, album en el que participa Ron Wood como guitarrista invitado en el tema que le da nombre al disco, aunque en el video promocional todavía apareciera Mick Tylor.

A fines de 1974, Mick Tylor abandonaba la banda y recién a mediados del 75, Ron Wood se incorporó como parte estable, haciendo su debut en una presentación sorpresa, en el furgón de un camión en plena 5ª Avenida Neoyorkina.

Entre 1976 y 1978, los Stones eran más conocidos por sus escándalos que por su música. En 1977, Richards es apresado en Canadá con 22 gramos de heroína (para quien desconozca, es una bestialidad) y a Ron Wood se le atribuyó un amorío con la Primera Dama canadiense. Jagger era más visto en el Studio 51 de Nueva York que en un escenario y el resto era una joda permanente.

Pero en 1978, en pleno auge del Punk y el disco, los Rolling Stones lanzaron el álbum más vendido de sus carreras con más de 10 millones de copias vendidas tan solo en Estados Unidos y Europa. Some Girls llegaba de la mano de su primer corte, Miss You, que tuvo el honor de desbarrancar del primer puesto de los charts a un tema de Andy Gibb.

Al finalizar la década entran a grabar Emotional Rescue, que saldría a las ventas recien a comienzos de 1980, constituyendo un nuevo y rotundo éxito de la banda, nuevamente más en el ruedo musical que en las tapas de diarios amarillistas.

El resto de la historia escapa a la década del ´70. En los ´80 también supieron moverse en la cima de la música, con discos impecables y canciones eternas. Podría seguir hablando de esta banda por cinco posts más que no alcanzaría a contar el enorme legado que nos han dejado, no durmiéndose en los laureles de la seguridad de éxitos pasados y sacando discos nuevos antes de salir de gira y que han llegando a estos tiempos que corren tan vitales como siempre y modificando nuestra percepción de la tercera edad. Si pisando los 70 años, estos viejos pueden seguir tocando como lo hacen, nuestras expectativas cambiaron radicalmente. Si no, traten de recordar como veían ustedes a una persona de 65 años hace un par de décadas.

Si alguien fue a verlos alguna de las veces que vinieron a la Argentina, que cuente la experiencia y las iré agregando al post.

RDP

ANECDOTAS:

Fui la primera vez que vinieron, no recuerdo ahora el año, era si el último show (un 16 de febrero); recuerdo la ansiedad que tenía. La primer gran banda, que iba a ver en vivo.Tremendo show, recuerdo que estuve en el campo; y bien adelante, hasta que no aguante mas, y me deje llevar por la marea; creo que en dos segundos estaba en el circulo central. Nunca senti, en mi vida, tanta presión. Pero valio la pena. Cuando tocaron Honky Tonk Woman, piel de gallina!Uh.. y Simpaty for the devil, con Jagger de sombrerito y capa. Que genios.

CGL, 36 años, Argentino. Abogado y Chamán. Sucesiones, Laboral y Tarot.

Seguramente a raíz del gran consumo de estupefacientes de esa época y...de esta (¡hay que decirlo!) a los que están bajo los efectos de drogas se les dice - oye estás "estonazo" - haciendo referencia seguramente, ya por vox populi a quellas actividades non sanctas.

El Drac, Peruano. Antropologo de Drogas.

Lo mío en la adolescencia eran los Bee Gees. No, no me la lastraba.

Mr. Groncho. Argentino, Pincha y Peronista. Reprimido.

En 2006 nos encargaron coordinar algunas boludeces de una tanda de recitales (dos de los Rolling y dos de U2) y nadie tenía muchas ganas de hacer luego el laburo en la cancha. Yo agarré viaje como el mejor, con un pase A (tenía acceso hasta la puerta de camarines). Se imaginarán que no desaproveché la ocasión. El primer día me comporté como el peor de los cholulos, hice una pausa a las 20,45, me mandé para los camarines y entre personajes como Andrés Ciro Martínez (cantante de Los Piojos) y Germán Daffunchio (Las Pelotas) esperé a que salieran los Rolling. Y salieron. Y saludaron. Y le dí la mano a Mick Jagger. El segundo día estuve más en espectador. Luego de terminar con el laburo, me fuí para los palcos VIP. Al tercer tema, no aguanté más y me mandé para el campo. Sublime.

RDP, Alpedista. Reprimido.

Carpenters

Cuando la familia Carpenter llegó a Downey, California, a principios de los años ´60, Richard buscaba superar su falta de talento con horas de práctica en el piano, mientras que a Karen, cuatro años menor que él, le importaba poco y nada la música. Sin embargo, la convenció de ser baterista del Richard Carpenter Trío, que duró un suspiro.

Ya siendo dos, pasaron a llamarse Spectrum y, como previendo un futuro provisorio, en 1966 ganaron un concurso colegial y llegaron por primera vez a la televisión. Pero fue recién en 1969 cuando la compañía A&M confió en ellos, rebautizados sencillamente como Carpenters, y firmaron para un primer LP, Offering, que les daría su primer y modesto sencillo en el cover que hicieran del éxito Beatle Ticket to Ride.

En 1970 y con su segundo disco, consiguieron el primer número uno gracias a (The Long to be) Close to You, que se mantuvo en ranking Billboard durante un mes entero. Paralelamente, en el puesto número dos se encontraba el segundo sencillo del álbum, We´ve Only Just Begun. El éxito del disco –Close to You- fue tan rotundo que en una encuesta reciente de la Rolling Stone, figura entre los discos más importantes del siglo XX.

En 1972 el boom Carpenter ya era un hecho y una catarata de sencillos se desprendían de los sucesivos álbumes que el dúo editaba. For All We Know, Rainy Days and Mondays, Top of the World, Jambalaya, Sing y Yesterday Once More, se vendían todas como pan caliente y rápidamente alcanzaban el disco de oro.

Con una reversión del tema Superstar, Carpenters ganó el primer Grammy. Sin embargo, la letra había sido modificada del original por una cuestión de “estilo” del dúo, pero que los más acérrimos críticos calificaron de “oportunismo” por mostrar una imagen para cierto mercado. El verso “no puedo esperar para dormir contigo otra vez” fue reemplazado por el más inocente “no puedo esperar para estar contigo otra vez”.

El perfil familiero del duo era aprovechado por los padres conservadores que veían como una salvación que sus hijos escucharan a jóvenes con valores morales, antes que a los salvajes grupos de Rock. No olvidemos que a principios de los ´70 se editaba Exile on Main Street de los satánicos Rolling, Dark Side of the Moon de Pink Floyd, se encontraban en pleno auge los salvajes The Who y hacía tan solo un par de años que había ocurrido el festival de Woodstock. Por motivos como este, era normal que un single con motivos navideños editado por Carpenters fuera un éxito de ventas.

Entrado 1975, Carpenters edita el trabajo sonoramente más ambicioso de la agrupación. Horizon, que rápidamente fue certificado multiplatino. El cover de Please, Mr Postman fue el corte más vendido como sencillo de aquel álbum y elgrupo esbozó una especie de videoclip del mismo en épocas en que no era habitual hacerlo. Obviamente, y fiel al perfil público de ellos, fue filmado en un lugar que no de miedo a la familia. Disneylandia.

Finalizando los ´70, el éxito de ventas del grupo no se traducía en los rankings. Las tendencias cada vez más hacia el Jazz de Richard Carpenter en medio de la fiebre disco, hacían que no lograran demasiada rotación en las radios. Mientras Karen era prácticamente consumida por la anorexia, Richard debió ser internado en un centro de rehabilitación por su adicción a las pastillas. Al año, Richard estaba recuperado, Karen pesaba lo que debería pesar un ser humano y encima se había casado.

En 1980, realizan un especial para la televisión junto a Ella Fitzgerald y colocan un nuevo éxito en los rankings luego de casi cinco años. Touch me When We´re Dancing. Finalmente el matrimonio de Karen se fue al tacho y su salud también. En su afán por verse más delgada de lo normalmente posible, tomaba 10 veces la dosis necesaria para una persona con problemas de hipotiroidismo. Sólo que ella ni siquiera tenía ese problema. Su corazón le dijo basta en 1983. Karen tenía 32 años.

Si bien fueron para su generación música sólo para adolescentes inocentes, a la luz del paso de los años nadie puede dudar de la voz de Karen, fuerte acaudalada y suave a la vez. Tanto que parece mentira que salía de un cuerpo tan frágil. Carpenters (o Los Carpenters, como nos obstinamos en llamarlos) fueron una parte más que importante en la cultura de los ´70. Y el que diga que no le gusta al menos una canción de su repertorio, miente. Lo sé.

Ok, la próxima la encaro para el Rock, o me enfermo en el camino.

RDP

Carly Simon

En un mundo en el que nos acotumbramos a ver a cantautoras de habla inglesa con notable éxito, como Tori Amos, Alanis Morisette o Norah Jones –por nombrar algunas- es justo recordar a quien dio un empujón gigante a la profesión. Cuando las artistas femeninas cantaban canciones de otros, hubo alguien que llevó la creatividad femenina a la cima del éxito mundial.

Así como nuestras vidas se deben a causas y asares, Carly Simon no se animaba a cantar sus propias composiciones hasta que sufrió una serie de rechazos de productores discográficos de música folk a fines de la década del ´60. Nos hicieron un favor. Y no precisamente porque ella tenga fea voz. Sino que consiguieron que ella se sentara a componer con más ímpetu, lo que la llevó a grabar su primer disco solista y a obtener su primer éxito. That's The Way I've Always Heard It Should Be, incluída en su primer disco.

Pero el boom le llegó en 1972 con No Secrets, su tercer disco. Y es que la canción You´re So Vain se convirtió inmediatamente es un éxito de ventas internacional. Y con ella, el primer mito. ¿Es una agresión sarcástica al actor Warren Beaty, o tan solo una broma a Mick Jagger, amigo de Carly que además canta en la canción? Lo cierto es que el disco vendió un millón de copias tan solo en unos meses y gano un Grammy. El primero de la cosecha de la artista.

Ese mismo año se casaría con el cantautor canadiense James Taylor, con quién además de la pasión por la música, compartían el activismo pacifista. Luego de un par de discos de aceptables ventas, pero sin mayores éxitos, llegaría la oportunidad de grabar una canción para la banda de sonido de La Espía que me Amó de la saga 007. La canción en cuestión era “Nobody Does It Better” y marcaría el inicio de una excelente relación entre Carly Simon y la industria del cine.

Finalizados los ´70, Carly empezó a presentarse en vivo esporádicamente, luego de haberse desmayado en pleno concierto, lo que marcó el fin de sus giras norteamericanas. Y aunque seguía con su prolífica producción discográfica, no conseguía retomar el éxito la década pasada.

Todo cambió cuando en 1986 volvió a componer para una película. Esta vez fue el turno de Heartburn, que si bien pasó sin pena ni gloria, su canción Coming Around Again permanece como clásico indiscutible de la historia de la música. Tan grande fue la repercusión que un año más tarde volvería a ser convocada para otro filme. Secretaria Ejecutiva se convertiría en un éxito internacional y su canción Let the River Run ganó un Grammy, un Globo de Oro y un Oscar a la Mejor Canción.

Si bien, desde entonces su carrera fue errática en cuanto a ventas, su condición de clásico indiscutible la mantiene siempre vigente. Sus apariciones públicas siguen siendo sorprendentes y su voz, a pesar del paso de los años –el próximo junio cumplirá 65 años- continúa manteniendo la magia.

RDP

Music Was my First Love

La música fue mi primer amor. Desde antes que tuviera uso de razón, la música era mi mundo. Habiendo sido un pibe bastante introvertido, mi universo se expandía a través de los libros y los discos. Hoy que veo este mundo de compresión, donde cuanta más avanza la tecnología, más sordos nos ponemos al pretender escuchar música, cayendo a lo más bajo de bajar un archivo en mp3 que ni por asomo tiene la calidad de audio que una obra de arte necesita.

Eso. Obras de arte. Eso es lo que me imaginaba cada vez que agarraba la bandeja Pioneer de mis viejos y seleccionaba la velocidad de acuerdo a lo que me indicaba el sobre del vinilo. Bajaba las luces, cerraba las ventanas, subía el volumen y colocaba la púa sobre esa circunferencia brillante, cerraba los ojos y me dejaba transportar a otra dimensión.

Las emociones se disparaban con cada canción, con cada pieza musical, tuviera o no letra. La piel se erizaba, las sonrisas, las broncas, las melancolías. Había canciones que con solo escucharlas por primera vez, parecían que eran eternas, como si mi alma extrañara esa concatenación de sonidos que hacían matemáticamente una armonía y que me elevaban al paraíso. Y casi siempre me ponía a pensar en qué les pasaba por la cabeza a sus autores al escribir, imaginar y crear tamañas obras.

En una era sin tanto acceso a información, era común escuchar las más alocadas leyendas luego desmentidas por los autores de las canciones. Que Rasguña las Piedras era para una novia de Charly que se había muerto, algunos más morbosos aseguraban que estaba enferma y que despertó dentro del ataúd. Charly casi se descostilla de risa cuando le preguntaron por ello. Lejos de desilusionarme, más me admiré. ¿Cómo podía ser que un pibe al que no le había pasado tamaña tragedia pudiera escribir al respecto con tanto sentimiento? Lo mismo me sucedió con Eleanor Rigby de los Beatles.

Otras veces era más que atrapante intentar descifrar lo que el artista ocultaba con metáforas, fuera por censura o por ilegalidad. El tiempo y la internet nos trajo todas las verdades, frías como haciéndonos sentir pobres ilusos de haber creído mentiras. Y sin embargo las canciones seguían ahí, esperando a deprimirnos contándonos historias de hermanas muertas, enamorándonos con mujeres ajenas, abriéndonos los ojos en épocas de cegueras nefastas y levantándonos tanto el ánimo que hasta podríamos salir a surfear con los Beach Boys.

La música fue mi primer amor y a eso me dedicaré en las entradas que me toquen en este maravilloso blog que vi nacer y que ahora me permite hablar de otras cosas. Porque la música siempre estará presente. Un mundo sin música, es un mundo imperfecto y la humanidad así lo ha entendido desde que nos paramos en dos patas.

Termino esta breve introducción con una buena música de fondo para este blog tan setentoso. Música del futuro, música del pasado, música sin tiempo. John Miles, aquí con la producción y la genialidad de Alan Parsons quien hacía un par de añitos venía de grabar algo tan gigante como Dark Side of the Moon de Pink Floyd.

Y como en 1976 John Miles escribió una canción sin tiempo, aquí pueden escucharlo hace un par de años, como invitado del grupor alemán PUR, con toda la parafernalia de los estadios y una actuación increíblemente memorable.

Nos vemos pronto.

RDP

Noti '70, un poco de todo!

Hacemos una pausa en los refritos del blog para contarles algunas novedades y recomendaciones.

La primera es para los que tienen Facebook.
Hay un grupo, muy activo y muy interesante, que se llama "MUSICA Y VIVENCIAS DE LOS '70"
Lo armó Nancy Griffa, amiga de la casa, y tiene mas de 3900 participantes.
Es un grupo formado por gente que fue adolescente en los '70 y artistas de la década, para compartir recuerdos, anécdotas, y vivencias de esos maravillosos años.
Tienen un "Hall de la fama" con artistas que participan, entre los cuales se encuentran los muchachos de La joven guardia, María Esther Lovero, Industria Nacional, Duo Vivencia, Silvestre, Ruben Matos y muchos personajes mas.
Se los recomiendo, es un espacio muy agradable y con mucha informacion, fotos y videos de la década!
Los encuentran poniendo en el buscador de Facebook el nombre del grupo.

Por otro lado, verán que cambiamos el diseño del blog. Era hora, no? ajaja
Para esto pusimos un fondo de Fondos Stella. Esto es como un autobombo, pues el blog es mío, pero en verdad tiene mucha cantidad de fondos para usar en Blogger. Y mis preferidos, son los fondos con motivos "retro". Son muy sencillos de usar y vienen con un tutorial completo para subirlos facilmente.
Y si buscan algo que no haya, pues lo piden y se los hago!
Asi que, los espero por allí! :)

Y, por último, existe una página en la que podemos ver que canción estaba en el Top Ranking el día en que nacimos. Podemos elegir ver el resultado en Estados Unidos, Inglaterra o Australia.
Se llama "This day in music"
Obviamente, puse la fecha de mi cumpleaños de quince, el 15 de mayo de 1975, y elegí Inglaterra. (Confieso que primero elegí USA, pero la cancion me resultó desconocida..ajaja)
El resultado fue Stand by your man, por Tammy Wynette.
Se las dejo para que la disfruten!
Y ustedes, ¿qué día eligieron y que tema les tocó?
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You Can't Stop The Music!

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Temporada de "refritos" ¡¡en "Te cuento los setenta"!!

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No seré Alejandro Pont Lezica, ni Pipo Lernaud, no tenía tarjeta de descuento en el Centro Cultural del Disco, ni escribí en la Revista Pelo. Tampoco en el Expreso Imaginario, pero me defiendo, ya que la música de aquellos años la vivo como si fuera de hoy. Y es que los Setenta son a la música contemporánea lo que la revolución industrial es a la modernidad. Todos los sonidos que hoy escuchamos, fueron desarrollados durante la década del ´70. Es un hecho, no una opinión, es inobjetable. Y desde esta humilde columna, intentaré demostrarlo en diversas entregas.

Es que fue una década riquísima en sonidos, en estilos musicales, en innovaciones tecnológicas aplicadas a la industria discográfica y la época en que dicha industria vivió su apogeo, sin radiograbadores que hicieran peligrar el lucrativo negocio de la venta de discos.

Fue una década en la que se desarrollaron corrientes musicales que pudieron tener su génesis en los últimos años Sesenta, pero que sin lugar a dudas, crecieron y se popularizaron durante estos años increíbles. Los cimientos de la música pesada se encontraban en Led Zeppelín, Black Sabbath y Deep Purple. La música progresiva del primer Génesis (aquel que comandaba Peter Gabriel y en el cual Phill Collins era simplemente el baterista) Yes y un Pink Floyd que dominaría la escena psicodélica. El Glam Rock, aquel género que disparara a la cima a David Bowie y Queen tuvo su momento de gloria. Nadie puede negar con estos antecedentes, que la escena rockera mundial era dominada nuevamente por los británicos, con contadas excepciones como la de Kiss.

La década del ´70 se inició con una mala noticia. Los Beatles ponían punto final a su vertiginosa historia de la manera más escandalosa posible. Como si fuera una ironía, el grupo que mas influenció en el sonido de la década que comenzaba, no estaría presente como tal, dejando vía libre a los Rolling Stones para que se convirtieran en la leyenda que hoy en día son. Nos dejaban un último regalo, el album Let It Be.





Desde el lado oeste del Atlántico, llegaron a su apogeo en los tempranos ´70 Creedence Clearwater Revival, llegando a poner fin también a su meteórica carrera en medio de un escándalo familiar entre los hermanos Fogerty. La muerte de Jim Morrison también marcó de mala manera al ambiente. Mientras tanto, en los bares de New York se preparaban Lou Reed y sus Velvet Underground, Blondie y The Ramones para llegar a las primeras planas, conjuntamente con los Británicos The Clash,The Police, Sex Pistols y Dire Straits para dar inicio a dos movidas muy ligadas entre sí: La New Wave y el Punk.

En los Estados Unidos, la disquera Motown, llevaría al Soul a las primeras planas de la mano de Marvin Gaye y Al Green. Estos monstruos de la música negra serían los precursores de la fiebre disco, que sin duda alguna es él símbolo de la segunda mitad de la década lanzando a la fama a innumerable cantidad de grupos como los suecos ABBA, Earth Wind & Fire, The Bee Gees, Gloria Gaynor, K.C. and the Sunshine Band, Donna Summer, Kool and the Gang, Barry White (aunque también era el rey del apriete) y fue tal el suceso que hasta los Rolling Stones y Kiss hicieron temas muy disco (Emotional Rescue y I Was Made For Loving You respectivamente).

ABBA

En el hemisferio sur sucedía algo similar que en Gran Bretaña pero a nuestro ritmo. La Balsa de Los Gatos ya habían quedado en los ´60 y muchos de los jóvenes de por entonces necesitaban una alternativa a la música beat, algún espacio en el que otros jóvenes como ellos dijeran las cosas que ellos pensaban. Se escuchaban los acusticazos por un lado y a los pesados por otro. Nadie imaginaría que los sesionistas del primer disco de Sui Generis (1973) eran músicos de La Pesada del Rock and Roll, que comandaba Billy Bond.

Charly y Nito - Sui Generis

La Biblia de Vox Dei, puso al Rock Nacional ante su primer escándalo, ya que los conservadores creían que era un sacrilegio. Influenciados por artistas como Simon & Garfunkel, Elton John y Bob Dylan, nuestra escena rockera se volcó a lo mayormente acústico y protestón: Almendra, Sui Generis, Pastoral, María Rosa Yorio, León Gieco, Raúl Porchetto, todos muchachos que no llegaban a los 25 años y ya eran ídolos. No es para menos, el nivel musical y creativo en general de aquellos años no tiene comparación con otro momento argentino.

Nuestra escena blusera local que había dejado vacante Manal, fue ocupada indiscutiblemente por el Carpo con su Pappo´s Blues. Los amantes de la música progresiva tuvieron en Crucis y en la Máquina de Hacer Pájaros unos buenos ejemplares. Pescado Rabioso, Invisible, Serú Girán, Arco Iris, Alma y Vida, La Cofradía de la Flor Solar. Todos los géneros tuvieron su lugar.

La década del ´70 lo tuvo todo, hasta fue el inicio de la música electrónica con los primeros samplers y sintetizadores. Nunca nadie podrá negar que aquellos años son únicos e irrepetibles y que cualquier músico que se precie de tal, daría lo que fuera pr haber vivido por aquellos años.

Esto es solo una introducción, el tema es inacabable. Otros amigos que la tienen mas lunga en lo que son asaltos y boliches, habrán de dedicarse a eso, a la música de joda...es que acá son todos unos fiesteros...

Bruno, para Te Cuento los Setenta

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Los Fabulosos '70

Temporada de "refritos" ¡¡en "Te cuento los setenta"!!

Esta entrada fue concebida para "Amores que matan" y posteada en la plataforma de Full Blog, en la época en que sólo redactaba allí. Esta es sólo una pequeña síntesis, una vaga idea de lo que esta década representó para nosotros, los que la vivimos y gozamos. Época que nos marcó en nuestros jóvenes años de la adolescencia, y que disfrutamos tanto, que hasta le dedicamos un blog.

-Qué bien bailás! Venís siempre a este club?

-No, es la primera vez. Me trajo mi prima. Es esa que está con el flaco alto. La de minifalda blanca...

-Ah..! decime...siempre se pone tan bueno?

-No sé...ya te dije que es la primera vez que vengo...

-Qué buena música..! no querés tomar algo?

-Bueno, una Coca.

Los que vivimos los últimos años de la infancia y el comienzo de la adolescencia en los ´70, guardamos este tipo de recuerdos, de una manera muy singular. Crecimos al amparo de nuestra inocencia. Ignorantes de un entorno violento que nos dejaría muy marcados y dolidos, en una Argentina que se oscurecía. Nosotros, nosotros estábamos en otra...

Comenzando por los asaltos, reuniones vespertinas de los sábados, en donde las chicas llevaban comida y los discos L.P. con los temas que habían estado practicando toda la semana; y los varones, gaseosa y los discos lentos de Roberto Carlos. Arrancaban tipo five o´clock y había que ser puntual. Se bailaba, se jugaba a la botellita y a Verdad o Consecuencia. Tormenta, Silvana di Lorenzo y Trocha Angosta eran nuestros invitados de lujo. A las ocho de la noche nuestros papis nos pasaban a buscar, así que en tres horas teníamos que arreglarnos para bailar, correr, comer chizzitos y, con suerte, robarle un piquito a la belleza de turno, si es que se le podía llamar belleza a una flacuchina con aparatitos (qué digo aparatitos...en esa época eran aparatones) en los dientes...

Roberto Carlos

Ya promediando la década del ´70, fiestitas en los clubes. Éramos grandes! Ahí ya íbamos en colectivo y todo el marco era diferente. Multitud de chicos haciendo "puerta", esperando que entraran las "buenas", cosa que se daba más o menos a las 22.30. Antes de las once tenías que estar adentro, sino planchabas...Dejabas pasar un rato, dabas vueltas alrededor de la pista, mirabas para acá, para allá, ponías el ojo, la bala, y con los deditos cruzados, ibas y encarabas...

-Bailás?

-Bueno.

Gardel y Lepera, juntos y tocando la cumparsita. El tema era tener un buen chamuyo, bailar aceptablemente, e ir llevando la situación para que ella no se fuera. Al fín y al cabo, en un ratito venían la luz negra con los lentos. Y si para entonces el chivo estaba en el lazo, teníamos grandes chances de "chapar" un ratito. Y ahí no eran sólo piquitos. Era cuestión de "pasarse el caramelo" un rato largo, como para volver a casa con la dulce sensación de sentirse un "winner", habiendo disfrutado de "Somebody to love" de Queen, "Conociéndote" de Banana o "Nena, me gusta tu forma" de Peter Frampton, y una tierna noviecita...Y sí, para chapar había que hacerlo legal...

Freddie Mercury- Queen

Ya pasada la barrera de los dieciocho, la movida se había trasladado a los boliches. La música disco era furor. Mucho mover el esqueleto y tragos con alcohol. Y el que lograba sobrevivirlos con cierta decencia podía llamarse contento. Afuera nos esperaban los autos para jugar a otros juegos. Sin drogas, sin SIDA todavía, pero con las hormonas a full. El pasacassette nos regalaba la música del "Expreso de Medianoche" y "Polvo en el viento". El asiento trasero del coche, mudo testigo de la medianoche y el polvo...Rápido como el expreso y fugaz como el viento...

Dios nos crió. Y el viento de los años nos trajo hasta acá. Cuántos recuerdos! Cuántas anécdotas! Algunas las hemos compartido con nuestros hijos. Otras, se las contaremos, un poco más sueltos por la chochera, a nuestros nietos. Inolvidables ´70. Para compartir y para revivir.

Georgie, para "Te cuento los setenta"
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