¡¡El último del año!!

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Mucho estuve pensando que tema navideño de la década elegir para este post.
Podría haber puesto el video de José Luis Perales, o el de Carpenters, o tantos otros.
Pero elegí una canción muy emotiva, cuya letra sacude el alma.

"Happy Xmas (War Is Over)" es una canción del músico británico John Lennon grabada en los Record Plant Studios de Nueva York a finales de octubre de 1971 y publicada como sencillo. Con la asistencia en la producción de Phil Spector, incluye un coro de niños procedente del Harlem Community Choir, acreditados en el tema.

Si bien el tema figura como una canción protesta contra la Guerra de Vietnam, se convirtió pronto en un himno navideño, apareciendo en numerosos álbumes recopilatorios de canciones para estas fechas.

La letra se basa en una campaña de publicidad llevada a cabo a finales de 1969 por John y su mujer, Yoko, quienes alquilaron vallas publicitarias y espacios en revistas para incluir el lema "War Is Over (If You Want It)", que puede traducirse al español como "La guerra ha terminado (si tú quieres)". Las ciudades donde se desarrolló la campaña fueron Nueva York, Tokio, Roma, Atenas y Londres. Durante este tiempo, la opinión pública de Estados Unidos se había posicionado de forma unánime en contra de la Guerra de Vietnam.

Los músicos que participan en la grabación son los siguientes:

* John Lennon, Yoko Ono y the Harlem Community Choir: voces
* Hugh McCracken: guitarra
* Chris Osborn: guitarra
* Tedy Irwin: guitarra
* Stuart Scharf: guitarra
* Nicky Hopkins: teclados y glockenspiel
* Jim Keltner: batería



Gracias a todos por habernos acompañado a lo largo del año, recordando lo mejor de la década de los 70, pero sin olvidar todo lo dura y difícil que ha sido para muchos de nosotros.
Que el 2010 venga con mucha salud, mucha felicidad, alegría y, sobre todo, paz para todos!

Hasta el año que viene!!

Grupo de Te cuento los setenta!!

Fuente

¿Querés llorar?...

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Uno de los recuerdos que aún guardo con cariño de los años en los que dejaba de ser una niña para ser una tierna adolescente, eran los días en los que junto a mis amigas, íbamos al cine.

Al momento de elegir la película, un actor "buen mozo" podía ser el gancho alentador, más allá de que el argumento tuviera su cuota de interés. Pero a esto también debíamos sumar otro detalle: la música del film.

Las radios por entonces, solían difundir los temas de diversas películas que estaban en cartel -y que en los años setenta hicieron historia-; es así que ese día en particular, la música también nos invitó al cine.
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"Castillos de hielo" 1978
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Era la historia de dos jóvenes que se amaban y compartían afinidades por el patín sobre hielo. Competencias y amor, en una danza sobre patines.
Todo venía como era de esperar hasta que el destino -con su cuota infaltable de tragedia- le juega una mala pasada a la bella y joven protagonista: un accidente le produce ceguera...
¡¡Para qué!!, mis dos amigas y yo empezamos a llorar sin parar. El acomodador, un señor alto y barrigón, se acercaba cada dos minutos para alentarnos a bajar el volumen del trío de llantos. Pero todo fue infructuoso: la llantina continuó ¡¡y cargada de congoja!!

Nunca supimos realmente si el argumento de la película tuvo la verdadera responsabilidad; o la cara de pena de la protagonista; o la música; o si nuestro llanto fue realmente "contagioso" -como decía el acomodador-, pero absolutamente todos -TODOS- los que asistieron a la misma función que nosotras salieron llorando ¡¡a los gritos!! (conste que la historia ¡no era para tanto!).

Con ésta película además de deshidratarnos en llanto, supimos que la melodía nos tendría con el recuerdo a flor de piel. Mirar nuestras caras bañadas en llanto al salir del cine y las de los demás, aún hoy sigue siendo motivo de risa.

Gracias a la vida, seguimos siendo amigas con aquellas dos sátrapas con las que fui al cine y cuando escuchamos esta melodía -hoy, por alguna publicidad- preguntamos: "¿querés llorar?"...

¿Recuerdan la música de alguna película de los años setenta como "lacrimógena"?

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De La Candorosa para Te cuento los Setenta.

Un poco de publicidad

Publicidad gráfica, chicles Bazoka, década de los 70

Cuando a mediados de la década del 70 llegaron a la Argentina los primeros televisores con control remoto ya se sabía cuál era la experiencia de este nuevo aparato en regiones como Europa y los Estados Unidos con relación al consumo de la programación. Los primeros estudios de comportamiento advertían que esa diminuta herramienta ponía en riesgo la pauta publicitaria porque simplemente se la llamaba el matador de avisos.

Estamos hablando de una época de la Argentina en la cual no existía el servicio de cable y la oferta de programación televisiva era de sólo 5 canales. En la siguiente década el control remoto además de liquidar avisos se dedicó a saltear la programación no deseada por el televidente para aterrizar en la más agradable.

Recopilamos tres videos con publicidades que pasaban en la televisión argentina durante la década del 70.
Ojalá los disfruten!

♥ Jockey Club, con una versión de Soley Soley, originariamente de Middle of de Road, pero esta vez en español.



♥ Ford Falcon, año 1973. Si la memoria no me falla, la muchacha que aparece es Gachi Ferrari.




♥ Sylvapen automática, año 1971. Una joyita de la "mafia", protagonizada por Rodolfo Bebán! Para mi, ésta es la mejor de todas las tres!




Y les comparto una duda que tengo, por ahi alguien me puede ayudar.
La serie de publicidades de L&M, protagonozadas por Claudia Sanchez y el Nono Pugliese, en donde se los veía recorriendo el mundo entero, ¿de qué año son?
Yo creo que hay algunas de fines de los 70 y otras de principio de los 80. Pero no puedo conseguir la información justa.

Al partir nos dejó su música

Hoy tendría 65 años, pero no pudo ser. FalLeció cuando tenía apenas 28 años.
Nació en Valencia, España y en el año 1962 comenzó con sus primeras actuaciones, cantando junto a su banda que se llamaba "Los Hispánicos". Luego de formar otros grupos, y lanzarse finalmente como solista, es recién en el 69 cuando logra un éxito rotundo con la canción Te quiero, Te quiero, que fue elegida como la canción del verano.
Y si, estoy hablando de Nino Bravo, quien es por definición, quizás el cantante mas conocido de lengua hispana de la década que nos convoca.
A Te quiero, te quiero le siguieron Noelia, Perdona, Mi gran amor, Esa será mi casa, Mi querida mamá, Voy buscando, Un beso y una flor, Libre, entre otras.

Con las primeras copias lanzadas por Polydor del álbum "Un beso y una flor" se entregaba de regalo un almanaque del año 1972 junto con una de las imágenes promocionales del LP. En su reverso, el calendario contaba además con todas las letras de los temas incluídos en el disco.

En 1972 viaja a Buenos Aires donde actúa en el canal 9 de esa ciudad, en un programa especial, junto con el cantante de tangos Argentino Ledesma. Al respecto, el director artístico de Fonogram habría de confesar: "Nino llegó con grandes antecedentes, que se quedaron cortos, y nos dejó pasmados con su forma de cantar y su inigualable voz"
Poco después edita su tercer álbum, titulado "Un beso y una flor", con el que obtiene gran éxito en España e Hispanoamérica.
En noviembre de 1972 sale a la venta su cuarto álbum, titulado "Mi tierra", en el que se incluye uno de sus principales éxitos: "Libre".

Anuncio publicado en revistas de la época, muy probablemente en octubre o noviembre de 1973.

El 14 de marzo de 1973 realiza su última actuación en Valencia, dentro del Parador 73 de las conocidas Fallas valencianas. Allí canta, por primera y única vez, el Himno de Valencia ayudado por el público asistente. Los granadinos Jardines de Neptuno acogerían poco después la que sería la última actuación del intérprete valenciano.

La mañana del lunes del 16 de abril de 1973, Nino Bravo falleció a causa de un accidente automovilístico, mientras viajaba a Madrid.
Año tras año, su tumba sigue rebosando de flores como tributo al gran cantante que tan prematuramente nos abandonó. Los homenajes se suceden, los tributos son inevitables, y es que todo es poco para honrar la memoria del mayor cantante que dio la música hispana.
Nino Bravo aún vive: en el corazón de miles y miles de personas que le recuerdan y admiran cada día.


Actuación de Nino Bravo en 1972 en el programa "La gran ocasión" de TVE donde interpretó además, en riguroso directo: Puerta de amor-Noelia, Te quiero te quiero, Un beso y una flor y Yo te quiero dar

Página oficial

Se nos fué nomás...

No dejes para mañana lo que puedes hacer hoy... Como contaba en mi blog una de mis asignaturas era poder acercarme a él, y escuchar de su propia boca hablar a mi orejón el Topo Gigio.

Juan Carlos Mareco nos dejó a los 83 años.

Conocido como Pinocho, apodo artístico que bautizó el excelente humorista Wimpi, para mantener su anonimato.

Imitador, cómico, actor, locutor, nacido en Uruguay, gran parte de su carrera la desarrolló en Argentina. Llegó aquí hacia fines de los años 40, siendo apadrinado en aquella oportunidad por su coterráneo Wimpy, quien lo vinculó a la radio porteña y le puso el seudónimo de “Pinocho”, que el artista usó durante décadas.
Pero buscar un seudónimo no fue nada fácil. Según contaba el mismo Juan Carlos: “Pensemos en Pinocho, el muñeco de madera, sin voz, fabricado por Gepetto. Supongamos que Pinocho le roba el alma a una calandria (la calandria, ave sin canto propio, imita a otros pájaros), para tener voz... Fue así, con esa alegoría tan 'wimpeana', que empecé mis imitaciones llamándome Pinocho”

Su primera representación fue imitar al conocido Cantinflas. Luego comenzaron a lloverle contratos artísticos en Buenos Aires y se vino con Wimpi. Fue figura fundamental de la radio y la TV argentina.

En Canal 7 debutó en 1954 con “Gran Hotel Panamá”, su primer ciclo en vivo, programa que fue seguido por “La noche con amigos” y “Los amigos del tango”. Pasado al Canal 13 condujo “El show de Pinocho”. Mareco cumplió varias temporadas en la TV madrileña, hasta que en 1966 se radicó en Chile, donde, en la TV santiaguina, hizo “Casino Philips”. Luego regresó para secundar al recordado Topo Gigio, mi orejón, (de quien también hizo su voz), programa que alcanzó gran difusión…Pero que no he encontrado nada en la web¡¡¿Quién SE LOS GUARDÓ?

Su primera aparición en el cine fue “Detective a contramano”, en 1950, filmada en Montevideo. El mismo año enfrentó las cámaras argentinas con “El otro yo de Marcela”, de Alberto de Zavalía, con Delia Garcés y Alberto Closas. También en cine hizo “¡Qué hermanita!”, con Olga Zubarry, y “El patio de la morocha”, con Virginia Luque, ambas de 1951, y “Su seguro servidor” (1954), tras la cual su carrera se interrumpió. Comenzó 1961 con un “pastiche” titulado “Una americana en Buenos Aires”, donde debía lidiar con un elenco importado.
Puso su voz a “El mago de los sueños”, film protagonizado por la familia Telerin. Durante la dictadura se le prohibió trabajar y se dedicó a animar fiestas infantiles.

En radio hizo, además de “Cordialmente”, el “Kenia Sharp Club”, por Radio Nacional, en tanto recibió cuatro premios Martín Fierro (1967, 1968, 1971 y 1972) por sus distintas labores y el Premio Prensario como Mejor Programa Radial de 1984. Los últimos trabajos en la televisión importantes han sido “Cordialmente” y “Homenaje” en ATC a mediados de los ochenta.

Se nos fue un gran actor, un gran hombre… Ahora los ángeles están de fiesta.

Marisa Catania.

24 horas de la mejor música de la década de los 70!!

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Los amigos de RADIO CERO programaron 24 hs corridas
de música de la década de los 70,
para recibir a la primavera,
que comienza justo hoy por estas latitudes!
Queremos compartirlo con ustedes!
Hoy, 21 de setiembre, hasta las 12 de la noche, hora Argentina!
Solo tenés que hacer click en la imagen y empezar a disfrutar!

También están en facebook: ACÁ

ALL THEY ARE IS DUST IN THE WIND

Kansas es una banda estadounidense de rock progresivo que alcanzó la popularidad en la década de los años 70
Fue fundada en 1970 por el bajista Dave Hope, el baterista Phil Ehart y el guitarrista Kerry Livgren, a quienes se unieron el vocalista Lynn Meredith, los teclistas Don Montre y Dan Wright, y el saxofonista Larry Baker. Después de una serie de cambios en su formación, el grupo se asienta con Hope, Ehart, el violinista Robby Steinhardt, el teclista y vocalista Steve Walsh y el guitarrista Rich Williams. Esta alineación grabó los mayores éxitos de la discografía de Kansas, que constituyeron además los mayores éxitos de público que incluyeronlas canciones: "Carry On Wayward Son" o "Dust in the Wind".



Dust in The Wind es la séptima canción en el álbum discográfico "Point of Know Return" lanzado en 1977, interpretada y grabada por la banda de rock progresivo Kansas.
Llegó al #6 lugar de las listas de popularidad del Billboard Hot 100 en la semana del 22 de abril de 1978 siendo este el único single de Kansas que ha alcanzado el top ten en el Billboard Hot 100. Fue escrita por Kerry Livgren, y fue una de las primeras piezas acústicas de la banda; su melodía suave y su letra melancólica difiere ostensiblemente de otros éxitos de la banda, como "Carry On Wayward Son" y "The Wall". El interludio de la canción contiene una melodía distintiva y memorable solo de violín interpretado por Robby Steinhardt.
Está compuesta con un profundo significado espiritual y se toca actualmente en muchos funerales.
Kansas también publicó una versión en vivo de la canción en su álbum Two for the Show.
Diversas bandas y cantantes hicieron covers de esta canción. Entre las mas conocidas están Sarah Brightman, Scorpions, The Eagles, Cat Stevens y Simon & Garfunkel

Después de una serie de tensiones entre los miembros del grupo, éste se disolvió en 1984, pero volvería a escena en 1985.

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La banda estadounidense Kansas llega por primera vez a la Argentina en el contexto de su gira internacional con motivo del festejo de sus 35 años de carrera. Se presenta el 17 de septiembre en Tango (ex Cine Metro).
Así, en el marco de su recorrido por Sudamérica -realizará shows en Argentina, Chile, Perú, Panamá y Guatemala- Kansas llegará a nuestro país con su formación actual.

Fuente: Wikipedia, Web oficial

Mátame suavemente....

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Roberta Flack fue una de lals cantantes solistas destacadas de la década de los 70.
Sus dos primeros álbumes (First take en 1969 y Chapter 2 en 1970) apenas sonaron y no llegaron a colocar ningún sencillo. Pero esto cambió cuando en la banda sonora de Play Misty for Me se incluyó una versión de The First Time Ever I Saw Your Face . El single se convirtió en número uno y permaneció en lo más alto seis semanas, convirtiéndose en uno de los mayores hits de 1972.

En ese mismo año Roberta se unió con su compañero de clase Donny Hathaway para grabar un álbum juntos, del que se extraerían éxitos como Where is the love o la versión del clásico de Carole King You've got a friend.

Pero su mayor éxito le llegaría en 1973, y el tema Killing me softly with his song, convirtiéndose en número uno por cinco semanas y siendo uno de los grandes hits de la música contemporánea.
Muchos cantantes han hecho covers de esta canción, entre los cuales se encuentra, en nuestro país, Sergio Denis

En 1974 volvió a las listas de ventas con Feel Like Makin' Love. En ese año se tomó un descanso para actuar con fines benéficos. En los siguientes años sus apariciones eran escasas pero continuaba trabajando duro. En 1979 Donny Hathaway se suicidaba haciendo volver a la escena a Roberta. Afectada por la pérdida, buscó un nuevo compañero musical; Peabo Bryson, con quien hizo una larga gira durante 1980. En 1983 grabaron juntos, consiguiendo el éxito Tonight, I Celebrate My Love. Durante toda la década de los 80s se centró en actuar más que en grabar, haciendo numerosas giras y actuando junto a Miles Davis.



Volvió a los puestos altos de las listas en 1991 con el dúo Set the Night to Music junto a Maxi Priest. Durante toda la década de los años 1990 y en la actualidad se dedica a hacer interminables giras mundiales, en las que especialmente se centra en el jazz.

Fuente

Disco Demolition

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¡Hoy se cumplen 30 años de la famosa Disco Demolition!
El diario Crítica Digital publicó un artículo muy interesante, en donde cuenta lo sucedido en la ciudad de Chicago, cuando el locutor Steve Dahl convocó desde su radio a quemar todos los LP de música disco.
Les copio una parte del mismo, una breve reseña y luego el suceso en cuestión.




Así como para los argentinos, 1978 será por siempre el año del Mundial de Fútbol, la cultura global de aquel tiempo parecía estar unificada por dos palabras: disco music. Eran los años de oro de las discotecas, la hoy icónica bola de espejos y John Travolta encarnando a Tony Manero en Fiebre del sábado por la noche, la película que hizo que el género explotara en todo el globo como una pandemia. La banda de sonido del film, que además era doble, vendió 30 millones de unidades (hoy ya supera los 40 millones), constituyéndose así en el álbum más vendido de todos los tiempos, hasta que Michael Jackson rompiera su marca con Thriller.

No sin resignación, las compañías discográficas, las productoras de Hollywood y las agencias de publicidad dieron su brazo a torcer y se subieron al tren imparable de la música que transformaba en oro todo lo que tocaba. Los Bee Gees, otrora campeones de la canción con melodía azucarada, se convirtieron en una usina de ritmo y resucitaron una carrera que se venía a pique. Los Rolling Stones conquistaron un nuevo número uno con “I Miss You”, un tema disco, hazaña que repetirían Rod Stewart con “Da Ya Think I’m Sexy?” y Kiss con “I Was Made for Loving You”, todo en la misma temporada, 1978.

Así, las cartas parecían echadas y al año siguiente se confirmó y acentuó el dominio casi exclusivo de la música disco, con radios de rock que cerraban y de pronto renacían con nuevo nombre e ímpetu de discoteca. Además, florecían en todas las ciudades los “roller bars”, boliches para niños con patines y ganas de imitar a los grandes, pero en un ámbito sin alcohol. Parecía no haber lugar para ninguna otra cosa que no fuera disco music... hasta que llegó un loco con una bomba.



El loco se llama Steve Dahl, y en 1979 se había quedado sin trabajo en WDAI, una emisora de Chicago que se cambió al formato disco. Fue contratado por una radio rival y desde allí planeó un contraataque que comenzó con un simple en el que satirizaba a Rod Stewart: “Da Ya Think I’m Disco?”. La buena recepción del tema le mostró que había un fuerte sentimiento antidisco en una parte de la población y decidió explotarlo, literalmente. Convenció a la emisora de hacer una promoción por la cual todo aquel que concurriera al partido entre los Detroit Tigers y los Chicago White Sox, el martes 12 de julio de 1979, podría entrar por sólo 98 centavos (la radio transmitía por el 97.9), siempre y cuando viniera con un álbum de música disco que se destruiría en una ceremonia durante el entretiempo. La idea recibió el nombre de Disco Demolition Night.

Steve Dahl consideraba que si lograban atraer a cinco mil personas, la promoción habría sido un éxito. Pero concurrieron 75 mil espectadores con un disco bajo el brazo, listo para ser ofrecido en sacrificio. Dahl, vestido de soldado, recibió una ovación de la multitud cuando apareció en el campo de juego, adornado con enormes banderas que repetían un eslogan único: Disco sucks (“La disco apesta”).

Todos los ejemplares habían sido apilados en un enorme container y Dahl procedió a dinamitarlo. La explosión se quedó un poco corta (ni siquiera la mitad de los discos fue destruida), entonces los concurrentes al evento decidieron colaborar invadiendo la cancha para destrozar las placas con sus manos o con lo que tuvieran a su alcance. Miles de personas fuera de control desbordaron a un tímido cordón de seguridad y le prendieron fuego no solo a los discos, sino también al campo de juego.

Cuando llegó la policía y comenzó la cacería de los enardecidos antidisco, los espectadores de la segunda bandeja, que no podían acceder al campo, atacaron arrojando sus álbumes a las fuerzas de seguridad como se tratase de un frisbee. Toda la cancha quedó cubierta con vinilos destrozados y el referí dijo que no se podía seguir jugando en esas condiciones por lo que el partido quedó suspendido.



La noticia tuvo una difusión internacional, y sus efectos fueron demoledores para la música disco, ya que la campaña hizo que mucha otra gente se manifestara harta de ella. Era evidente que el estilo había superado la barra de la saturación y que el cansancio se había extendido por todos lados. Las radios que habían cambiado a una programación disco alcanzaron las primeras posiciones de audiencia, pero cayeron estrepitosamente en menos de seis meses. Las 100 mil discotecas que se calcula que hubo en el mayor auge de la era disco, comenzaron a cerrar por falta de clientes, hasta que quedó una cantidad razonable en pie: menos del 10 por ciento.

Hoy, Steve Dahl continúa trabajando en radios de Chicago y goza de gran reputación en el terreno de los talk shows. En su sitio de internet no faltan los videos, fotos y audios originales de su gran acto de 1979, recordando ahora los treinta años transcurridos desde aquella noche en la que demolió la música disco.

Como en cualquier buen thriller, el monstruo no fue destruido del todo y se refugió bajo tierra para mutar y resurgir varios años más tarde, en la mismísima Chicago, bajo el nombre de acid house. Pero esa es otra historia, porque nada se pierde: todo se transforma.


Fuente: Crítica Digital y The Steve Dahl Show

Peques,vamos a la cama?

A partir del año 1967 aparecieron unos hermanitos que nos mandaban a la cama con unas vocecitas tan tiernas que nos quedabamos dormidos en mitad del camino.
La familia telerín compuesta por Cleo,cukin,colitas,pelusin,Maripí y teté .

Unos hermanitos bien unidos y muy soñadores de ilusiones y fantasías.
Con tanto éxito comenzaron a editarse sus discos bajo el sello de quino
Vamos a la cama

Vamos a cantarle a mamá
Feliz cumpleaños
Vamos a la tele
Vamos al circo
Vamos a multiplicar
Vamos a pasear
Vamos a estudiar
Vamos al futbol
Sus canciones eran cantadas por “Los pibes latinos”Y su creador fue José Luis Moro.
Merchandising pufff a roletes.
Rayito de sol no podía ser menos lanzó su linea de muñecos.De hecho solo una tengo por ahora.(dos lineas una parlante con su disco y la otra normalita).
También se lanzó perfumería para así convencernos de que somos mas bonitos limpitos y perfumados.
jabones,talcos,colonias,shampoo. Todo esto apoyado con el cine,”El mago de los sueños”estrenado en junio de 1969 cuando yo apenas tenía un año. Una peli recomendada para recuperar la fantasía y magia de la niñez. Juan Carlos Mareco”Pinocho hizo la voces de todos los personajes en un bloque.
También le dieron su espacio en la revista anteojito.
Cuentos y también diapositivas,en otro juego de rayito de sol(el calevisor). Tambien compartieron un álbum de figus con Periquita.
Sin dudas con una familia con encanto ,magia y ternura que con sus voces inigualables nos mandaban a la cama..
♫♫♫Vamos a l cama ,que hay que descansar,para que mañana podamos madrugar”♫♫
Hasta mañana peques!!!

No se pierdan el cuento de caperucita un segmento de la peli el "Mago de los sueños ".Sin dudas pura ternura!

Marisa Catania,para te cuento los 70

Pequeño saltamontes

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El maestro extiende su mano y muestra en la suave y vieja superficie de su palma una única y brillante piedra.
_¿Ves la piedra? - le pregunta
_ Sí. Es muy bella - responde Kwai.
_ Todas las cosas tienen belleza –dice el maestro-. Ahora con tanta rapidez como puedas, arranca la piedra de mi mano.
Sin dudarlo, el estudiante se decide, y con un único y hábil movimiento sin preparación, lanza su mano derecha hacia la piedra. Y la aparta vacía. La mano del Maestro se ha cerrado y alzando la vista hacia él, con rostro inexpresivo dice;
_ Cuando puedas tomar la piedra de mi mano, entonces será el momento de que te vayas.

La serie "Kung fu" (1972/1975) cuenta la historia de Kwai Chang Caine, un monje shaolín nacido en la China imperial que llega al oeste estadounidense a fines del siglo XIX. Viaja con una chaqueta raída y un morral en el que atesora una flauta, alguna medicina y antiguas armas de combate, además de la sabiduría que sus maestros le transmitieron desde que fue entregado a una vida donde cuerpo y espíritu debían, finalmente, confundirse.
El forastero de ojos rasgados esconde un secreto, la razón por la que escapa y por la que no podrá volver jamás, principio de un éxodo que terminará convirtiéndolo, también en la nueva tierra, en un prófugo.

Odia la violencia, pero sin embargo siempre termina protagonizando situaciones en las que no tiene otra salida que aplicarla, como sólo él sabe hacerlo. Los responsables de dar una estética a esta variante del spaghetti western atravesada por la filosofía y las artes marciales orientales (de un año antes es el clásico "El sol rojo", que mezclaba vaqueros con samuráis) aprovecharon el uso de la cámara lenta para las escenas de combate (en el mismo sentido que el director Sam Peckinpah en sus películas), el sol en contraluz, así como los flashbacks, secuencias que se remontan al pasado, en las que los maestros apodaban a su discípulo "pequeño saltamontes", y que son clave para entender el presente. Así quedaría perfilado el fugitivo extranjero, perdido un territorio marcado a fuego por la corrupción y la violencia.

Cuenta la historia de la TV norteamericana que el primer elegido para interpretar al personaje fue el oriental Bruce Lee, pero que en un arranque de xenofobia los directivos de la ABC decidieron descartarlo y elegir a uno de los suyos. El improvisado casting tuvo un triunfador local, David Carradine, que entonces tenía 36 años. El hijo mayor del famoso John Carradine ya era una figura en ascenso del cine y la TV.
La serie, que comenzó a emitirse en octubre de 1973, terminó, después de tres exitosas temporadas, en junio de 1975, por la simple y única razón de que Carradine estaba agotado físicamente (admitió haber recibido más golpes de los que esperaba), a consecuencia de muchos rodajes en los que debía poner, literalmente, el cuerpo.

Cuarenta guionistas participaron de los 62 episodios de la serie, que pegó fuerte en la estética hasta entonces usada para este tipo de productos, dirigidos por una docena de realizadores, que siguieron al pie de la letra el dogma lanzado por Spielman. Junto a Carradine aparecieron numerosos invitados (incluidos su papá John y sus hermanos Keith y Robert), como John Saxon, el mexicano Emilio Fernández, William Shatner, George Dzundza, Harrison Ford (cuando su nombre recién había aparecido en "American Graffiti"), el cantautor José Feliciano y Leslie Nielsen, entre otros.

En Argentina tuvo esta serie un éxito rotundo. Durante el año 1974 por cada emisión de la serie, el 13 supo alcanzar picos de más de tres millones de espectadores frente a los receptores, en especial cuando se trataba de capítulos dobles.
En casa la mirábamos siempre. Primero porque le gustaba a mi papá, y luego porque nos gustaba a todos.
A mi me daba mucha pena, porque parecía que nunca sería feliz. Cada vez que encontraba un lugarcito de paz, o alguna mujer que lo quiera mimar un poco, se tenía que ir el pobre.
También se contaban chistes sobre el Pequeño saltamontes, pero en este momento no recuerdo ninguno. Por ahi algún lector tiene mejor memoria que yo!

David Carradine falleció hoy, a los 72 años, en un hotel de Bangok, en donde se hallaba rodando una película.




Fuente Diario La Nación

UNA SINTESIS GENIAL

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El 16 de octubre de 1971 falleció en París, donde residía desde 1953 Emilio Pettoruti -probablemente el pintor argentino de mayor reconocimiento internacional y cuyas obras se encuentran en diversos museos y colecciones del mundo- poco antes de concretar su traslado definitivo a la Argentina.

Había nacido en La Plata en 1892. Obtuvo una beca en 1913, trasladándose a Florencia, donde tomó contacto con los futuristas –de cuyo manifiesto, publicado en 1909 en el diario Le Fígaro de París, se cumple un siglo- quienes planteaban la representación abstracta del movimiento.

Hizo varias exposiciones en Italia y Alemania, y en 1923 viajó a París, donde conoció a Juan Gris (1887-1927) uno de los artistas más puros del cubismo analítico.


Avenida arbolada ............................................... Dinámica del viento

De esas dos experiencias, Petto –como le decían sus amigos- logra una síntesis genial: el futurocubismo.

Regresó en 1924 a Buenos Aires, para presentar una exposición en la galería Witcomb de la calle Florida, cuyo vanguardismo dividió a la ciudad, acostumbrada a un realismo de tipo impresionista con tintes pintoresquistas, llegándose a opinar que la exposición “Constituía una grave ofensa inferida a la dignidad del país”, al tiempo que otros, como su colega Xul Solar (1887-1963), con quien se había encontrado en Europa en 1916, saludaron su pintura como propia de la época, destacando la simplicidad de medios expresivos como la arquitectura clara y sobria de su obra.

El maestro –cuyo propósito era “hacer un arte sólido como el que quería (Paul) Cezanne (1839-1906)” consideraba que la obra de arte debía reunir como condición esencial “lo geométrico, la claridad y sobre todo el orden” Su pintura -en opinión de un crítico- está entre la modernidad y la tradición, llevando la figuración a una nueva pero a la vez reconocible representación.


Farfalla .................................................................................................... Quinteto

Entre los años 1930 y 1947 Pettoruti dirigió el Museo Provincial de Bellas Artes de su ciudad natal, viajando durante ese período a Chile, Uruguay y Estados Unidos para exponer sus obras, hasta que en 1952 se trasladó a Europa, donde continuó pintando y exponiendo nuevas obras que avanzaron en el camino de la abstracción, como sus célebres Farfallas (Mariposas) y donde lo sorprendió la muerte.-


Hugo Perini, para Te cuento los setenta

Algunas publicidades

El post de hoy es un tutti frutti. De todo, como en botica!

Pusimos un reproductor de música nuevo, con algunos de los temas mas conocidos de la década. Han quedado muchos afuera, pero los iremos variando para no aburrirnos. Por ahora hay 14 temas, nacionales y extranjeros, que podés disfrutar con solo poner play.

Si usás facebook, buscános, también estamos allí. Con regalos de la época para todos, con juegos, encuestas y las novedades en tu bandeja de entrada.

Y ahora, un poquito de publicidad. Y bueno, de algo hay que vivir! (?)

Este video lo encontré en YouTube. Es un compilado de publicidades de los años 70.
Si la memoria no me falla, el primero, con Susana Romero, es de los 80, me gustaría saber si todas están bien.
El de Carefree....?? El de Tubby 3 y 4...?
A lo mejor, algún lector memorioso nos puede ayudar con este tema.
Para mi, el mejor de todos, es el de los botines! Es que "en Europa no se consiguen"

Mil gracias a todos por acompañarnos, por escribirnos mails, por las sugerencias y por estar siempre!
Disfrútenlo!

Queen

Los setenta están llenos de grandes artistas, glorias gigantes que perdurarán en la eternidad de la buena música. Pero hubo algunos grupos que han fusionado la novedad musical, la innovación, la vanguardia y encima contaban con carisma, lo que los convierte en inmortales.

Esta vez les contaré de un cuarteto increíble que sonaban en vivo al igual que en estudio, lo cual no sería gran logro sino fuera que se trata de un grupo que tenía cientas de guitarras, arreglos vocales imposibles, baterías solo posibles para un pulpo y un bajo tan rítmico que ni un reloj podria hacerlo mejor.

El Escudo Clásico de la banda, fue diseñado y dibujado por Freddie y está inspirado en los signos astrológicos de los integrantes del grupo.

Farouk Bulsara nació hijo de un diplomático británico en la isla de Zanzibar y se crió en un colegio pupilo en la India. Quizás su nombre no diga nada, pero si les digo que entre sus parientes y amigos los llamaban Freddie, quizás ya sepan de quién les hablo. Sus hobbies eran dos, el boxeo y la música clásica para la cual aprendió a tocar el piano. Su tono de voz era único y especial ya de adolescente. Mientras la mayoría de los hombres tienen registros que van entre el barítono y el tenor, él era contraalto, registro femenino.

Una vez egresado, se mudó con su familia a Londres, donde empezó sus estudios de Arte, compartiendo la habitación con Tim Stafel, quien tocaba el bajo y cantaba en Smile, un grupo casi anónimo que había tocado de telonero de Pink Floyd y Génesis. Freddie empezó a ir asiduamente a los recitales de la banda, también integrada por el odontólogo Roger Taylor y el matemático Brian May. Luego de un fracaso discográfico con la edición de un simple, Tim Staffel larga la banda, no sin antes sugerir un reemplazante. Su compañero de facultad.

Arriba, May; izquierda, Deacon; derecha Taylor y por último Freddie.

Consiguieron en una audiencia al bajista John Deacon. Freddie se puso el apellido artístico Mercury en honor a la deida griega y sugirió de entrada cambiarle el nombre a la banda por el de Queen. Grabaron algunos simples, pero nada pasó hasta que luego de tocar en el mítico Marquee consiguieron un contrato para grabar el primer disco homónimo publicado en 1973. Si bien este primer trabajo no se parece casi en nada a lo que musicalmente nos demostró Queen más adelante, se podía notar una increíble obsesión por los detalles, las letras místicas y un sonido hard rock que llevarían adelante con altibajos a lo largo de toda su carrera.

Al año siguiente, editan Queen II, un disco conceptual extremadamente ambicioso para una banda nueva, pero la pegan con Seven Seas of Rhye en el Top Ten. En 1975 sale a la luz Sheer Heart Attack y el sencillo Killer Queen llega al puesto número dos. El disco estuvo casi un año entre los más vendidos y el grupo estaba de para bienes.

Sin embargo, la masividad llegaría con la contratación del grupo por parte de EMI y, por ende, el mayor presupuesto con el que contaban, el cual sería aprovechado al máximo. A lo largo de 5 meses grabaron un disco ambicioso por dónde se lo mire. A night at the Opera se dió a conocer en noviembre del '75 a través de una canción que eligió la banda y la discográfica se negaba a difundirla por su extensión. Sostenían que nadie toleraría en la radio una pista que dure 6 minutos. Freddie insistió y la compañía aceptó. Rapsodia Bohemia llegó al puesto numero 1 al instante.

Canción llamativa y curiosa por dónde se la mire. Una balada dramática que pasa por un intervalo de ópera -para la cual se regrabaron las voces de los 4 miembros superponiéndolas unas 150 veces- derivando en un heavy metal que decae nuevamente en la balada. El éxito fue rotundo, llegando al puesto número 1. En el mismo disco estaban incluídas You`re My Best Friend y Love of my Life, como si fuera poco.

Para no dormirse en los laureles, al año siguiente editan A Day at the Races, en el que se incluía un nuevo clásico de la banda llamado Somebody to Love. El disco tuvo un éxito discreto para nada despreciable, alcanzado el puesto 2 de la lista. Pero en 1977 aparece un simple como adelanto del futuro disco que los transformaría en clásicos de cualquier cancha, pero no les generaría ningún primer puesto. We Will Rock You y We Are the Champions eran las dos caras del mismo y salieron un par de semanas antes que el LP News of the World.

En 1978 empiezan a aparecer algunas contradicciones entre la crítica y el esfuerzo del grupo con la edición del disco Jazz que fue vapuleado por los especialistas. Si bien el disco no era para nada conceptual, como compendio de canciones era excelente. Tuvo tres cortes de difusión -Don`t stop me Now, Bicicle Race y Fat Bottomed Girls fueron- y una buena aceptación del público, aunque ya ranqueó lejos de lo que estaban acostumbrados en sus trabajos anteriores.

Sin embargo, el disco doble en vivo Live Killers, los colocaría nuevamente en el primer puesto a ambos lados del océano atlántico, lo que los impulsó a entrar a grabar nuevamente, pero con una idea fija. Cambiar la imágen. Se cortaron el pelo, se dejaron de maquillar, se vistieron con ropa de calle y cambiaron de escenografía. Editan The Game y todo estalla de nuevo. Crazy Little Thing Called Love es puesto número uno en todas partes y es el primero de una seguidilla de éxitos extraídos del mismo album. Another One Bust the Dust empieza a sonar en cuanta discoteca abriese, Save Me era cantada por la calle por cualquier adolescente sombrío y Play the Game la pasaban hasta en los noticieros. El disco fue número uno en Europa, Estados Unidos, Japón y Sudamerica, lo que impulsó a la banda a lanzarse a una gira por estos pagos, que lo único de moda extranjero que había visto hasta ese entonces, era la selección holandesa en el mundial `78.

Arrancan los `80 y la historia es más conocida para todos. Un Grandes Exitos que es el disco más vendido de la historia de Gran Bretaña, la banda que aterriza en Buenos Aires en 1981 y llena el Estadio de Velez. Viola pidiendo una foto con el grupo, un milico amenazando a Brian May para que acceda. El grupo que edita Hot Space, un rotundo fracaso del que sólo se destaca Under Preassure con el Maestro Bowie, la banda se toma un descanso. Freddie viaja a Nueva York para pasársela drogado y enfiestado. Vuelven. Lanzan The Works, llegan a la cima nuevamente, comienzan los rumores. A kind of Magic como banda sonora de Highlander, siguen los rumores. El recital de Wembley y el Live Aid en 1985, la despedida de Queen de los escenarios, los rumores que se hacen incontrolables. La edición de The Miracle, el éxito rotundo, Freddie que aparece en público demacrado, los rumores que se agigantan y parecen no tener fin...hasta Innuendo, que no significa otra cosa que insinuación.

Queen en la Argentina previa a la Guerra de Malvinas, cuando Maradona todavía no pensaba que los ingleses eran unos ladrones.

Una banda increíble que marcó un antes y un después en la escena musical. A pesar de la complejidad compositiva, sus temas fueron grabados hasta por Metallica. El grupo favorito de todas las madres que nunca entendieron las letras. El grupo favorito de todos los machotes rockandroleros argentinos que se quisieron matar cuando supieron que Freddie era gay. El grupo favorito de los niños. La primera banda de la que cualquier adolescente se sigue haciendo fanático.

Queen.

Volví a postear. Si hoy no llueven bolsas de cemento, le pega en el palo.

Bruno, para Te Cuento los Setenta

Los aventureros

Un clásico film de culto. Tres amigos y el espíritu aventurero. Manu, Roland y Laetitia, parten al Congo en busca de un avión hundido con un tesoro oculto. La trama es simple: Son perseguidos por un grupo de mercenarios que también van tras la misma recompensa. En plena etapa de la descolonización de África y el surgimiento de movimientos estudiantiles y sociales, ésta película muestra algo políticamente incorrecto: También se podía dar la vida por dinero y ésos héroes ser tan adorables como los que la ofrendaban por ideales.


Más allá de la sinopsis argumental, lo que se desprende de ésta película es la melancolía por una forma de hacer, entender y disfrutar la amistad y el espíritu aventurero. La búsqueda de ese tesoro, no es otra cosa que el afán de reencontrarse uno mismo en lo que se soñó de joven (en el caso de Lino Ventura) y darle sentido a la vida (en el caso de Alain Delon). Pero éste film también incorpora en el guión algo impensable: que la bella, dulce e inocente Leticia, muriera en un accidente estúpido, picada por un pez.

Leticia, cantada por Alain Delon. Título original "Entierro submarino".

Cine puro de aventuras sin mayores efectos especiales. La valorización de la amistad, el amor y el compañerismo. Una película exitosa e inmensamente popular en su momento y que marcó una época. Espectacularmente interpretada por la insuperable dupla de Alain Delon y Lino Ventura, ambos en su mejor momento, más el aporte de una exquisita Joanna Shimkus en el especial papel de Laetitia, personaje del cual se enamorara toda una generación.


La fecha de estreno mundial resulta caprichosa. En la Argentina de los 70, las películas se seguían pasando cada tanto, complementaban estrenos y había relanzamientos. Es que la Televisión no se los fagocitaba en seis meses. Cuando averigüé el año del lanzamiento de esta película que me impactó de chico, me sorprendió saber que había sido presentada al menos 10 años antes de que yo -supongo- la hubiera visto en el cine. Me pasa con Tobruk, Los cañones de Navarone, 12 del patíbulo o Los hermanos Karamasov, entre tantas otras. Muchas estrenadas originalmente cuando aún no había nacido.


En aquella época íbamos al cine a ver de a tres películas. Si teníamos suerte (y dinero), a la salida podíamos comernos un tostado con licuado de banana, y volvernos caminando a casa, sin importar la hora. Es cierto que los recuerdos siempre son tristes porque parten de reconocer el hecho de que, lo que fuera, no volverá a repetirse. Pero aquí estamos, reviviéndolos.

Creo que el cine, como toda expresión cultural ha tenido parte importante en la constitución de las personas que somos ahora. Tal vez sea este presente un mundo de sueños rotos, pero nos queda para regocijo recordar un tema musical, una escena, un actor, una risa compartida con amigos en la oscuridad de una sala, que sonaban a eternos, en un mundo que aun seguimos construyendo, como Los Aventureros.

El trailer de la película.

Título original: Les Aventuriers (1967) Dirigida por Robert Enrico; con Alain Delon, Lino Ventura, Joanna Shimkus y Serge Reggiani.

¿A ver si te conocés ésta?

Debo confesar que no recordaba el nombre de la cantante, pero si el tema .
La inglesa Deirdre Elaine Cozier, más conocida como Dee D. Jackson tuvo su auge en la era de la música Disco, a fines de los años 70. Nació en el Reino Unido, pero se mudó a Munich en donde trabajaba procuciendo películas de ciencia ficción. Pero, en realidad, a la muchacha le gustaba cantar. Y asi fue como se lanzó con todo al mercado de la música, logrando un exitazo, Su primer single fue Automatic Lover, que en 1978 arrasó las pistas de baile de Brazil, Argentina, Italia, Francia, España, Turquía, Alemania y Japón.

En este vídeo podíamos ver a la estrafalaria Dee D. en una historia de amor, contoneándose junto a un robot que le hace los coros. Su vestuario era único. La ropa que ella se imaginaba que vestían las princesas intergalácticas o las aventureras de otros mundos. La moda Star Wars estaba en pleno apogeo....

Que lo disfruten!

Endulza tu vida...

Nunca llegaron a mis manos.Imagino que para esa época debieron de ser muy caras como lo son en la actualidad …Los vendedores de antigüedades juegan con nosotros, quieren abusar de nuestros bolsillos y darnos con un hacha,con estas maravillas guarda caramelitos.
Felipe Fort,dueño y señor de la merchandising del mundo de García Ferré ,lanzó además de estas fantásticas carameleras diversidad de golosinas,como el chocolate jack que en su interior contenían personajes del mundo de trulalá y hoy en día los coleccionistas nos matamos por ellos en las ferias. (Foto tomada del amiguitus Luis Ardouin)

El sombreritos con su interior lleno de golosinas y sorpresas(Muero por uno de estos )Y el añorado Nutri super hijitus que al tomarlo creíamos que obtendríamos los super poderes del nenito volador super hijitus..El más grande super héroe de todos los niños.
En la década de los 70 aparecían estas carameleras,que al verlas hoy en día en ferias pensé dos veces en armar repimporoteos para poder saquear y salir corriendo…
Eran realizadas en plástico inflado,pintados a mano totalmente hueco y millones de caramelitos en su interior.Tenían un taponcito en la base de cada personaje ,la única caramelera que había que decapitar era al pobre comisario..Marche palcalabozo sin repimporotear.

Su altura promedio era de 20 cm.
Realizaron 11 motivos.
El hada Patricia :que de tan buena empalaga
Larguirucho :que al verlo me enamora
Raimundo :peor que Jaimito
La bruja cachavacha:que de tanta maldad es simpática
hijitus en el cofre:Cuidando que nadie lo agarre desprevenido
Neurus sentado en el mundo: tratando de apropiarse de él.
Oaky de gala:demostrando una y mil veces que es un niño mal criado y consentido
El buzoncito:que nos trae buenas nuevas.
El comisario :que vigila para evitar piquetes y saqueos .
Pichichus : Vigilando .
Y super hijitus tocando el tambor.
Los caramelitos venían envueltos en un papel con dibujitos de los personajes ,dignos de coleccionar,eran caramelos duros.Esos que por minutos te entretenías chupando.
Despúes llegarían carameleras con otros personajes el zapato roto ,de titanes en el ring etc .Y entre ellos la caramelera de mi amor el topo gigio que de hecho nunca la ví ni siquiera en figurita.

(Una tarde hijitutera,recordando a nuestro mas grande de los heróes)
Hoy en día es el sueño de todos nosotros,los fans del mundo de García Ferré,que mantenemos vivo el recuerdo de hijitus ,lograr que todo esto regrese.
Queremos volver a tener en el kiosquito del barrio,estas maravillosas carameleras entre tantas otras cosas.(Grupo hijitus,junto al amestro de la ternura García Ferré)
Algún familiar de fort seguro tiene las matrices en algún cajoncito .
Lo lograremos,CUMPLIREMOS ESTE SUEÑO de eso no tengo dudas.
Si logramos volver a tener los dvd de hijitus en las manos.
También lograremos esto.
Vamos por más.
“Persevera y triunfarás”

Síndrome de Estocolmo...

Patricia "Patty" Hearst

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Para cuando la noticia se difundió por el mundo, yo era una purreta; poco entendía de cuestiones políticas internacionales o si tal o cual reclamo eran justos o injustos por parte de determinados grupos armados... es que aún no había cumplido mis 10 años de edad.
De todos modos, no podía estar al margen de las informaciones que difundían los noticieros.
Eran épocas en las que tardaban un poquito en llegar a nuestros oídos... aún estábamos lejos de la era digital y de las comunicaciones al instante.
Así fue que por entonces una mujer de nombre Patricia Hearst iniciaba un recorrido de fama inusitada.

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El 4 de febrero de 1974 esta joven de casi 20 años, era secuestrada por un grupo armado. La víctima de dicho accionar no había sido elegida al azar, pues Patty -como se la conoció por el mundo-, era la nieta de un magnate estadounidense William Randolph Hearst: periodista y hombre poderoso de la prensa del país del norte (cuya vida fue reflejada -con otro nombre- en la película "El ciudadano").

Se dijo entonces que los secuestradores, luego de exageradas demandas, lograron que la familia Hearst donara una suma cercana a los 6 millones de dólares en comida para los pobres... pero, tras el pago, Patty no aparecía por ninguna parte y se temía lo peor...
Hasta que a finales de abril de ese mismo año, Patty fuera fotografiada en un atraco a un banco, con un rifle de asalto en sus manos...
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Luego se supo que Patty se había comprometido con las ideas revolucionarias de sus secuestradores y había cambiado su nombre por el de Tania.
Para septiembre de 1974, se dictó su orden de captura y fue arrestada en el departamento de un militante del grupo.

En el juicio -iniciado en marzo de 1976- declaró que había sido encerrada, cegada y abusada: física, psíquica y sexualmente por sus captores, lo que a la postre sería lo que habría causado en ella la decisión de comprometerse con las ideas de sus captores. Situación que se difundiría por el mundo como un caso extremo del Síndrome de Estocolmo.

La defensa de su caso no tuvo éxito, y fue condenada a prisión por el robo al banco. Tras dos años de prisión su sentencia fue reducida por el presidente Jimmy Carter, logrando su libertad condicional en el año 1979; para luego, tras varios años -y finalmente-, ser indultada en los últimos meses del mandato del presidente Bill Clinton.
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De La Candorosa para Te cuento los Setenta.