Así nos vendían...

Ya hemos hablado de la publicidad en la década del 70 ACÁ y ACÁ. Pero nos referimos hasta ahora a los comerciales que pasaban por TV.
Hoy toca la gráfica.
La historia de la publicidad nos cuenta como en las décadas anteriores, lo mas importante era el producto. Un mensaje simple y concreto de sus ventajas y listo.
Con el avance de la industria, la cosa se va complicando, pues la competencia es mayor. Entonces no era suficiente vender un producto de buena calidad y bajo costo. Había que seducir al consumidor de alguna manera. Y es así que la emotividad comienza a jugar un papel importante en la publicidad.
Veamos algunos ejemplos. Si cliquean en las imágenes, las verán mejor.

Shampú Cadum (1971) con Susana Gimenez

El Capitán Piluso (1970)

Jeans Far West (1971)

Jeans Perfecta Lew (1974) (con Carlitos Monzón)

Plancha Atma (1975)

Shampúes Roby (1978) con las Trillizas de Oro

Lencería Triumph (1974)

La Victoria (navidad 1975) con Federico Luppi

La suavidad de los cabellos, la risas de los chicos y las sonrisas de los grandes, la amistad que conseguimos con un vaquero, la personalidad dominante (ésta me causó gracia, en realidad, a esta altura y sabiendo como terminó, me parece tragicómica), las trillizas y todo lo que ellas significaban, la liberación femenina...
Son claros ejemplos de lo que vivíamos por esas épocas.
Y dejé para el final la de la sidra, porque me parece muy emblemática.
Con los cambios que se estaban produciendo en el mundo y, específicamente en nuestro país, decidieron apelar a los viejos tiempos. Volver a la familia y a lo tradicional. La cara de la campaña fue Federico Luppi, quien años después se exiliaría en otro país.
Cosas que nos pasaron...

En el próximo capítulo, publicidades de autos.
Fuente y Fuente

Noti '70, un poco de todo!

Hacemos una pausa en los refritos del blog para contarles algunas novedades y recomendaciones.

La primera es para los que tienen Facebook.
Hay un grupo, muy activo y muy interesante, que se llama "MUSICA Y VIVENCIAS DE LOS '70"
Lo armó Nancy Griffa, amiga de la casa, y tiene mas de 3900 participantes.
Es un grupo formado por gente que fue adolescente en los '70 y artistas de la década, para compartir recuerdos, anécdotas, y vivencias de esos maravillosos años.
Tienen un "Hall de la fama" con artistas que participan, entre los cuales se encuentran los muchachos de La joven guardia, María Esther Lovero, Industria Nacional, Duo Vivencia, Silvestre, Ruben Matos y muchos personajes mas.
Se los recomiendo, es un espacio muy agradable y con mucha informacion, fotos y videos de la década!
Los encuentran poniendo en el buscador de Facebook el nombre del grupo.

Por otro lado, verán que cambiamos el diseño del blog. Era hora, no? ajaja
Para esto pusimos un fondo de Fondos Stella. Esto es como un autobombo, pues el blog es mío, pero en verdad tiene mucha cantidad de fondos para usar en Blogger. Y mis preferidos, son los fondos con motivos "retro". Son muy sencillos de usar y vienen con un tutorial completo para subirlos facilmente.
Y si buscan algo que no haya, pues lo piden y se los hago!
Asi que, los espero por allí! :)

Y, por último, existe una página en la que podemos ver que canción estaba en el Top Ranking el día en que nacimos. Podemos elegir ver el resultado en Estados Unidos, Inglaterra o Australia.
Se llama "This day in music"
Obviamente, puse la fecha de mi cumpleaños de quince, el 15 de mayo de 1975, y elegí Inglaterra. (Confieso que primero elegí USA, pero la cancion me resultó desconocida..ajaja)
El resultado fue Stand by your man, por Tammy Wynette.
Se las dejo para que la disfruten!
Y ustedes, ¿qué día eligieron y que tema les tocó?
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¡¡El último del año!!

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Mucho estuve pensando que tema navideño de la década elegir para este post.
Podría haber puesto el video de José Luis Perales, o el de Carpenters, o tantos otros.
Pero elegí una canción muy emotiva, cuya letra sacude el alma.

"Happy Xmas (War Is Over)" es una canción del músico británico John Lennon grabada en los Record Plant Studios de Nueva York a finales de octubre de 1971 y publicada como sencillo. Con la asistencia en la producción de Phil Spector, incluye un coro de niños procedente del Harlem Community Choir, acreditados en el tema.

Si bien el tema figura como una canción protesta contra la Guerra de Vietnam, se convirtió pronto en un himno navideño, apareciendo en numerosos álbumes recopilatorios de canciones para estas fechas.

La letra se basa en una campaña de publicidad llevada a cabo a finales de 1969 por John y su mujer, Yoko, quienes alquilaron vallas publicitarias y espacios en revistas para incluir el lema "War Is Over (If You Want It)", que puede traducirse al español como "La guerra ha terminado (si tú quieres)". Las ciudades donde se desarrolló la campaña fueron Nueva York, Tokio, Roma, Atenas y Londres. Durante este tiempo, la opinión pública de Estados Unidos se había posicionado de forma unánime en contra de la Guerra de Vietnam.

Los músicos que participan en la grabación son los siguientes:

* John Lennon, Yoko Ono y the Harlem Community Choir: voces
* Hugh McCracken: guitarra
* Chris Osborn: guitarra
* Tedy Irwin: guitarra
* Stuart Scharf: guitarra
* Nicky Hopkins: teclados y glockenspiel
* Jim Keltner: batería



Gracias a todos por habernos acompañado a lo largo del año, recordando lo mejor de la década de los 70, pero sin olvidar todo lo dura y difícil que ha sido para muchos de nosotros.
Que el 2010 venga con mucha salud, mucha felicidad, alegría y, sobre todo, paz para todos!

Hasta el año que viene!!

Grupo de Te cuento los setenta!!

Fuente

Un poco de publicidad

Publicidad gráfica, chicles Bazoka, década de los 70

Cuando a mediados de la década del 70 llegaron a la Argentina los primeros televisores con control remoto ya se sabía cuál era la experiencia de este nuevo aparato en regiones como Europa y los Estados Unidos con relación al consumo de la programación. Los primeros estudios de comportamiento advertían que esa diminuta herramienta ponía en riesgo la pauta publicitaria porque simplemente se la llamaba el matador de avisos.

Estamos hablando de una época de la Argentina en la cual no existía el servicio de cable y la oferta de programación televisiva era de sólo 5 canales. En la siguiente década el control remoto además de liquidar avisos se dedicó a saltear la programación no deseada por el televidente para aterrizar en la más agradable.

Recopilamos tres videos con publicidades que pasaban en la televisión argentina durante la década del 70.
Ojalá los disfruten!

♥ Jockey Club, con una versión de Soley Soley, originariamente de Middle of de Road, pero esta vez en español.



♥ Ford Falcon, año 1973. Si la memoria no me falla, la muchacha que aparece es Gachi Ferrari.




♥ Sylvapen automática, año 1971. Una joyita de la "mafia", protagonizada por Rodolfo Bebán! Para mi, ésta es la mejor de todas las tres!




Y les comparto una duda que tengo, por ahi alguien me puede ayudar.
La serie de publicidades de L&M, protagonozadas por Claudia Sanchez y el Nono Pugliese, en donde se los veía recorriendo el mundo entero, ¿de qué año son?
Yo creo que hay algunas de fines de los 70 y otras de principio de los 80. Pero no puedo conseguir la información justa.

Al partir nos dejó su música

Hoy tendría 65 años, pero no pudo ser. FalLeció cuando tenía apenas 28 años.
Nació en Valencia, España y en el año 1962 comenzó con sus primeras actuaciones, cantando junto a su banda que se llamaba "Los Hispánicos". Luego de formar otros grupos, y lanzarse finalmente como solista, es recién en el 69 cuando logra un éxito rotundo con la canción Te quiero, Te quiero, que fue elegida como la canción del verano.
Y si, estoy hablando de Nino Bravo, quien es por definición, quizás el cantante mas conocido de lengua hispana de la década que nos convoca.
A Te quiero, te quiero le siguieron Noelia, Perdona, Mi gran amor, Esa será mi casa, Mi querida mamá, Voy buscando, Un beso y una flor, Libre, entre otras.

Con las primeras copias lanzadas por Polydor del álbum "Un beso y una flor" se entregaba de regalo un almanaque del año 1972 junto con una de las imágenes promocionales del LP. En su reverso, el calendario contaba además con todas las letras de los temas incluídos en el disco.

En 1972 viaja a Buenos Aires donde actúa en el canal 9 de esa ciudad, en un programa especial, junto con el cantante de tangos Argentino Ledesma. Al respecto, el director artístico de Fonogram habría de confesar: "Nino llegó con grandes antecedentes, que se quedaron cortos, y nos dejó pasmados con su forma de cantar y su inigualable voz"
Poco después edita su tercer álbum, titulado "Un beso y una flor", con el que obtiene gran éxito en España e Hispanoamérica.
En noviembre de 1972 sale a la venta su cuarto álbum, titulado "Mi tierra", en el que se incluye uno de sus principales éxitos: "Libre".

Anuncio publicado en revistas de la época, muy probablemente en octubre o noviembre de 1973.

El 14 de marzo de 1973 realiza su última actuación en Valencia, dentro del Parador 73 de las conocidas Fallas valencianas. Allí canta, por primera y única vez, el Himno de Valencia ayudado por el público asistente. Los granadinos Jardines de Neptuno acogerían poco después la que sería la última actuación del intérprete valenciano.

La mañana del lunes del 16 de abril de 1973, Nino Bravo falleció a causa de un accidente automovilístico, mientras viajaba a Madrid.
Año tras año, su tumba sigue rebosando de flores como tributo al gran cantante que tan prematuramente nos abandonó. Los homenajes se suceden, los tributos son inevitables, y es que todo es poco para honrar la memoria del mayor cantante que dio la música hispana.
Nino Bravo aún vive: en el corazón de miles y miles de personas que le recuerdan y admiran cada día.


Actuación de Nino Bravo en 1972 en el programa "La gran ocasión" de TVE donde interpretó además, en riguroso directo: Puerta de amor-Noelia, Te quiero te quiero, Un beso y una flor y Yo te quiero dar

Página oficial

24 horas de la mejor música de la década de los 70!!

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Los amigos de RADIO CERO programaron 24 hs corridas
de música de la década de los 70,
para recibir a la primavera,
que comienza justo hoy por estas latitudes!
Queremos compartirlo con ustedes!
Hoy, 21 de setiembre, hasta las 12 de la noche, hora Argentina!
Solo tenés que hacer click en la imagen y empezar a disfrutar!

También están en facebook: ACÁ

ALL THEY ARE IS DUST IN THE WIND

Kansas es una banda estadounidense de rock progresivo que alcanzó la popularidad en la década de los años 70
Fue fundada en 1970 por el bajista Dave Hope, el baterista Phil Ehart y el guitarrista Kerry Livgren, a quienes se unieron el vocalista Lynn Meredith, los teclistas Don Montre y Dan Wright, y el saxofonista Larry Baker. Después de una serie de cambios en su formación, el grupo se asienta con Hope, Ehart, el violinista Robby Steinhardt, el teclista y vocalista Steve Walsh y el guitarrista Rich Williams. Esta alineación grabó los mayores éxitos de la discografía de Kansas, que constituyeron además los mayores éxitos de público que incluyeronlas canciones: "Carry On Wayward Son" o "Dust in the Wind".



Dust in The Wind es la séptima canción en el álbum discográfico "Point of Know Return" lanzado en 1977, interpretada y grabada por la banda de rock progresivo Kansas.
Llegó al #6 lugar de las listas de popularidad del Billboard Hot 100 en la semana del 22 de abril de 1978 siendo este el único single de Kansas que ha alcanzado el top ten en el Billboard Hot 100. Fue escrita por Kerry Livgren, y fue una de las primeras piezas acústicas de la banda; su melodía suave y su letra melancólica difiere ostensiblemente de otros éxitos de la banda, como "Carry On Wayward Son" y "The Wall". El interludio de la canción contiene una melodía distintiva y memorable solo de violín interpretado por Robby Steinhardt.
Está compuesta con un profundo significado espiritual y se toca actualmente en muchos funerales.
Kansas también publicó una versión en vivo de la canción en su álbum Two for the Show.
Diversas bandas y cantantes hicieron covers de esta canción. Entre las mas conocidas están Sarah Brightman, Scorpions, The Eagles, Cat Stevens y Simon & Garfunkel

Después de una serie de tensiones entre los miembros del grupo, éste se disolvió en 1984, pero volvería a escena en 1985.

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La banda estadounidense Kansas llega por primera vez a la Argentina en el contexto de su gira internacional con motivo del festejo de sus 35 años de carrera. Se presenta el 17 de septiembre en Tango (ex Cine Metro).
Así, en el marco de su recorrido por Sudamérica -realizará shows en Argentina, Chile, Perú, Panamá y Guatemala- Kansas llegará a nuestro país con su formación actual.

Fuente: Wikipedia, Web oficial

Mátame suavemente....

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Roberta Flack fue una de lals cantantes solistas destacadas de la década de los 70.
Sus dos primeros álbumes (First take en 1969 y Chapter 2 en 1970) apenas sonaron y no llegaron a colocar ningún sencillo. Pero esto cambió cuando en la banda sonora de Play Misty for Me se incluyó una versión de The First Time Ever I Saw Your Face . El single se convirtió en número uno y permaneció en lo más alto seis semanas, convirtiéndose en uno de los mayores hits de 1972.

En ese mismo año Roberta se unió con su compañero de clase Donny Hathaway para grabar un álbum juntos, del que se extraerían éxitos como Where is the love o la versión del clásico de Carole King You've got a friend.

Pero su mayor éxito le llegaría en 1973, y el tema Killing me softly with his song, convirtiéndose en número uno por cinco semanas y siendo uno de los grandes hits de la música contemporánea.
Muchos cantantes han hecho covers de esta canción, entre los cuales se encuentra, en nuestro país, Sergio Denis

En 1974 volvió a las listas de ventas con Feel Like Makin' Love. En ese año se tomó un descanso para actuar con fines benéficos. En los siguientes años sus apariciones eran escasas pero continuaba trabajando duro. En 1979 Donny Hathaway se suicidaba haciendo volver a la escena a Roberta. Afectada por la pérdida, buscó un nuevo compañero musical; Peabo Bryson, con quien hizo una larga gira durante 1980. En 1983 grabaron juntos, consiguiendo el éxito Tonight, I Celebrate My Love. Durante toda la década de los 80s se centró en actuar más que en grabar, haciendo numerosas giras y actuando junto a Miles Davis.



Volvió a los puestos altos de las listas en 1991 con el dúo Set the Night to Music junto a Maxi Priest. Durante toda la década de los años 1990 y en la actualidad se dedica a hacer interminables giras mundiales, en las que especialmente se centra en el jazz.

Fuente

Disco Demolition

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¡Hoy se cumplen 30 años de la famosa Disco Demolition!
El diario Crítica Digital publicó un artículo muy interesante, en donde cuenta lo sucedido en la ciudad de Chicago, cuando el locutor Steve Dahl convocó desde su radio a quemar todos los LP de música disco.
Les copio una parte del mismo, una breve reseña y luego el suceso en cuestión.




Así como para los argentinos, 1978 será por siempre el año del Mundial de Fútbol, la cultura global de aquel tiempo parecía estar unificada por dos palabras: disco music. Eran los años de oro de las discotecas, la hoy icónica bola de espejos y John Travolta encarnando a Tony Manero en Fiebre del sábado por la noche, la película que hizo que el género explotara en todo el globo como una pandemia. La banda de sonido del film, que además era doble, vendió 30 millones de unidades (hoy ya supera los 40 millones), constituyéndose así en el álbum más vendido de todos los tiempos, hasta que Michael Jackson rompiera su marca con Thriller.

No sin resignación, las compañías discográficas, las productoras de Hollywood y las agencias de publicidad dieron su brazo a torcer y se subieron al tren imparable de la música que transformaba en oro todo lo que tocaba. Los Bee Gees, otrora campeones de la canción con melodía azucarada, se convirtieron en una usina de ritmo y resucitaron una carrera que se venía a pique. Los Rolling Stones conquistaron un nuevo número uno con “I Miss You”, un tema disco, hazaña que repetirían Rod Stewart con “Da Ya Think I’m Sexy?” y Kiss con “I Was Made for Loving You”, todo en la misma temporada, 1978.

Así, las cartas parecían echadas y al año siguiente se confirmó y acentuó el dominio casi exclusivo de la música disco, con radios de rock que cerraban y de pronto renacían con nuevo nombre e ímpetu de discoteca. Además, florecían en todas las ciudades los “roller bars”, boliches para niños con patines y ganas de imitar a los grandes, pero en un ámbito sin alcohol. Parecía no haber lugar para ninguna otra cosa que no fuera disco music... hasta que llegó un loco con una bomba.



El loco se llama Steve Dahl, y en 1979 se había quedado sin trabajo en WDAI, una emisora de Chicago que se cambió al formato disco. Fue contratado por una radio rival y desde allí planeó un contraataque que comenzó con un simple en el que satirizaba a Rod Stewart: “Da Ya Think I’m Disco?”. La buena recepción del tema le mostró que había un fuerte sentimiento antidisco en una parte de la población y decidió explotarlo, literalmente. Convenció a la emisora de hacer una promoción por la cual todo aquel que concurriera al partido entre los Detroit Tigers y los Chicago White Sox, el martes 12 de julio de 1979, podría entrar por sólo 98 centavos (la radio transmitía por el 97.9), siempre y cuando viniera con un álbum de música disco que se destruiría en una ceremonia durante el entretiempo. La idea recibió el nombre de Disco Demolition Night.

Steve Dahl consideraba que si lograban atraer a cinco mil personas, la promoción habría sido un éxito. Pero concurrieron 75 mil espectadores con un disco bajo el brazo, listo para ser ofrecido en sacrificio. Dahl, vestido de soldado, recibió una ovación de la multitud cuando apareció en el campo de juego, adornado con enormes banderas que repetían un eslogan único: Disco sucks (“La disco apesta”).

Todos los ejemplares habían sido apilados en un enorme container y Dahl procedió a dinamitarlo. La explosión se quedó un poco corta (ni siquiera la mitad de los discos fue destruida), entonces los concurrentes al evento decidieron colaborar invadiendo la cancha para destrozar las placas con sus manos o con lo que tuvieran a su alcance. Miles de personas fuera de control desbordaron a un tímido cordón de seguridad y le prendieron fuego no solo a los discos, sino también al campo de juego.

Cuando llegó la policía y comenzó la cacería de los enardecidos antidisco, los espectadores de la segunda bandeja, que no podían acceder al campo, atacaron arrojando sus álbumes a las fuerzas de seguridad como se tratase de un frisbee. Toda la cancha quedó cubierta con vinilos destrozados y el referí dijo que no se podía seguir jugando en esas condiciones por lo que el partido quedó suspendido.



La noticia tuvo una difusión internacional, y sus efectos fueron demoledores para la música disco, ya que la campaña hizo que mucha otra gente se manifestara harta de ella. Era evidente que el estilo había superado la barra de la saturación y que el cansancio se había extendido por todos lados. Las radios que habían cambiado a una programación disco alcanzaron las primeras posiciones de audiencia, pero cayeron estrepitosamente en menos de seis meses. Las 100 mil discotecas que se calcula que hubo en el mayor auge de la era disco, comenzaron a cerrar por falta de clientes, hasta que quedó una cantidad razonable en pie: menos del 10 por ciento.

Hoy, Steve Dahl continúa trabajando en radios de Chicago y goza de gran reputación en el terreno de los talk shows. En su sitio de internet no faltan los videos, fotos y audios originales de su gran acto de 1979, recordando ahora los treinta años transcurridos desde aquella noche en la que demolió la música disco.

Como en cualquier buen thriller, el monstruo no fue destruido del todo y se refugió bajo tierra para mutar y resurgir varios años más tarde, en la mismísima Chicago, bajo el nombre de acid house. Pero esa es otra historia, porque nada se pierde: todo se transforma.


Fuente: Crítica Digital y The Steve Dahl Show

Pequeño saltamontes

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El maestro extiende su mano y muestra en la suave y vieja superficie de su palma una única y brillante piedra.
_¿Ves la piedra? - le pregunta
_ Sí. Es muy bella - responde Kwai.
_ Todas las cosas tienen belleza –dice el maestro-. Ahora con tanta rapidez como puedas, arranca la piedra de mi mano.
Sin dudarlo, el estudiante se decide, y con un único y hábil movimiento sin preparación, lanza su mano derecha hacia la piedra. Y la aparta vacía. La mano del Maestro se ha cerrado y alzando la vista hacia él, con rostro inexpresivo dice;
_ Cuando puedas tomar la piedra de mi mano, entonces será el momento de que te vayas.

La serie "Kung fu" (1972/1975) cuenta la historia de Kwai Chang Caine, un monje shaolín nacido en la China imperial que llega al oeste estadounidense a fines del siglo XIX. Viaja con una chaqueta raída y un morral en el que atesora una flauta, alguna medicina y antiguas armas de combate, además de la sabiduría que sus maestros le transmitieron desde que fue entregado a una vida donde cuerpo y espíritu debían, finalmente, confundirse.
El forastero de ojos rasgados esconde un secreto, la razón por la que escapa y por la que no podrá volver jamás, principio de un éxodo que terminará convirtiéndolo, también en la nueva tierra, en un prófugo.

Odia la violencia, pero sin embargo siempre termina protagonizando situaciones en las que no tiene otra salida que aplicarla, como sólo él sabe hacerlo. Los responsables de dar una estética a esta variante del spaghetti western atravesada por la filosofía y las artes marciales orientales (de un año antes es el clásico "El sol rojo", que mezclaba vaqueros con samuráis) aprovecharon el uso de la cámara lenta para las escenas de combate (en el mismo sentido que el director Sam Peckinpah en sus películas), el sol en contraluz, así como los flashbacks, secuencias que se remontan al pasado, en las que los maestros apodaban a su discípulo "pequeño saltamontes", y que son clave para entender el presente. Así quedaría perfilado el fugitivo extranjero, perdido un territorio marcado a fuego por la corrupción y la violencia.

Cuenta la historia de la TV norteamericana que el primer elegido para interpretar al personaje fue el oriental Bruce Lee, pero que en un arranque de xenofobia los directivos de la ABC decidieron descartarlo y elegir a uno de los suyos. El improvisado casting tuvo un triunfador local, David Carradine, que entonces tenía 36 años. El hijo mayor del famoso John Carradine ya era una figura en ascenso del cine y la TV.
La serie, que comenzó a emitirse en octubre de 1973, terminó, después de tres exitosas temporadas, en junio de 1975, por la simple y única razón de que Carradine estaba agotado físicamente (admitió haber recibido más golpes de los que esperaba), a consecuencia de muchos rodajes en los que debía poner, literalmente, el cuerpo.

Cuarenta guionistas participaron de los 62 episodios de la serie, que pegó fuerte en la estética hasta entonces usada para este tipo de productos, dirigidos por una docena de realizadores, que siguieron al pie de la letra el dogma lanzado por Spielman. Junto a Carradine aparecieron numerosos invitados (incluidos su papá John y sus hermanos Keith y Robert), como John Saxon, el mexicano Emilio Fernández, William Shatner, George Dzundza, Harrison Ford (cuando su nombre recién había aparecido en "American Graffiti"), el cantautor José Feliciano y Leslie Nielsen, entre otros.

En Argentina tuvo esta serie un éxito rotundo. Durante el año 1974 por cada emisión de la serie, el 13 supo alcanzar picos de más de tres millones de espectadores frente a los receptores, en especial cuando se trataba de capítulos dobles.
En casa la mirábamos siempre. Primero porque le gustaba a mi papá, y luego porque nos gustaba a todos.
A mi me daba mucha pena, porque parecía que nunca sería feliz. Cada vez que encontraba un lugarcito de paz, o alguna mujer que lo quiera mimar un poco, se tenía que ir el pobre.
También se contaban chistes sobre el Pequeño saltamontes, pero en este momento no recuerdo ninguno. Por ahi algún lector tiene mejor memoria que yo!

David Carradine falleció hoy, a los 72 años, en un hotel de Bangok, en donde se hallaba rodando una película.




Fuente Diario La Nación

UNA SINTESIS GENIAL

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El 16 de octubre de 1971 falleció en París, donde residía desde 1953 Emilio Pettoruti -probablemente el pintor argentino de mayor reconocimiento internacional y cuyas obras se encuentran en diversos museos y colecciones del mundo- poco antes de concretar su traslado definitivo a la Argentina.

Había nacido en La Plata en 1892. Obtuvo una beca en 1913, trasladándose a Florencia, donde tomó contacto con los futuristas –de cuyo manifiesto, publicado en 1909 en el diario Le Fígaro de París, se cumple un siglo- quienes planteaban la representación abstracta del movimiento.

Hizo varias exposiciones en Italia y Alemania, y en 1923 viajó a París, donde conoció a Juan Gris (1887-1927) uno de los artistas más puros del cubismo analítico.


Avenida arbolada ............................................... Dinámica del viento

De esas dos experiencias, Petto –como le decían sus amigos- logra una síntesis genial: el futurocubismo.

Regresó en 1924 a Buenos Aires, para presentar una exposición en la galería Witcomb de la calle Florida, cuyo vanguardismo dividió a la ciudad, acostumbrada a un realismo de tipo impresionista con tintes pintoresquistas, llegándose a opinar que la exposición “Constituía una grave ofensa inferida a la dignidad del país”, al tiempo que otros, como su colega Xul Solar (1887-1963), con quien se había encontrado en Europa en 1916, saludaron su pintura como propia de la época, destacando la simplicidad de medios expresivos como la arquitectura clara y sobria de su obra.

El maestro –cuyo propósito era “hacer un arte sólido como el que quería (Paul) Cezanne (1839-1906)” consideraba que la obra de arte debía reunir como condición esencial “lo geométrico, la claridad y sobre todo el orden” Su pintura -en opinión de un crítico- está entre la modernidad y la tradición, llevando la figuración a una nueva pero a la vez reconocible representación.


Farfalla .................................................................................................... Quinteto

Entre los años 1930 y 1947 Pettoruti dirigió el Museo Provincial de Bellas Artes de su ciudad natal, viajando durante ese período a Chile, Uruguay y Estados Unidos para exponer sus obras, hasta que en 1952 se trasladó a Europa, donde continuó pintando y exponiendo nuevas obras que avanzaron en el camino de la abstracción, como sus célebres Farfallas (Mariposas) y donde lo sorprendió la muerte.-


Hugo Perini, para Te cuento los setenta

Algunas publicidades

El post de hoy es un tutti frutti. De todo, como en botica!

Pusimos un reproductor de música nuevo, con algunos de los temas mas conocidos de la década. Han quedado muchos afuera, pero los iremos variando para no aburrirnos. Por ahora hay 14 temas, nacionales y extranjeros, que podés disfrutar con solo poner play.

Si usás facebook, buscános, también estamos allí. Con regalos de la época para todos, con juegos, encuestas y las novedades en tu bandeja de entrada.

Y ahora, un poquito de publicidad. Y bueno, de algo hay que vivir! (?)

Este video lo encontré en YouTube. Es un compilado de publicidades de los años 70.
Si la memoria no me falla, el primero, con Susana Romero, es de los 80, me gustaría saber si todas están bien.
El de Carefree....?? El de Tubby 3 y 4...?
A lo mejor, algún lector memorioso nos puede ayudar con este tema.
Para mi, el mejor de todos, es el de los botines! Es que "en Europa no se consiguen"

Mil gracias a todos por acompañarnos, por escribirnos mails, por las sugerencias y por estar siempre!
Disfrútenlo!

¿A ver si te conocés ésta?

Debo confesar que no recordaba el nombre de la cantante, pero si el tema .
La inglesa Deirdre Elaine Cozier, más conocida como Dee D. Jackson tuvo su auge en la era de la música Disco, a fines de los años 70. Nació en el Reino Unido, pero se mudó a Munich en donde trabajaba procuciendo películas de ciencia ficción. Pero, en realidad, a la muchacha le gustaba cantar. Y asi fue como se lanzó con todo al mercado de la música, logrando un exitazo, Su primer single fue Automatic Lover, que en 1978 arrasó las pistas de baile de Brazil, Argentina, Italia, Francia, España, Turquía, Alemania y Japón.

En este vídeo podíamos ver a la estrafalaria Dee D. en una historia de amor, contoneándose junto a un robot que le hace los coros. Su vestuario era único. La ropa que ella se imaginaba que vestían las princesas intergalácticas o las aventureras de otros mundos. La moda Star Wars estaba en pleno apogeo....

Que lo disfruten!

Yo en mi casa, con los zapatos rotos!

Francisco Brydon Smith, mejor conocido como Francis Smith, fue uno de los iniciadores del pop argentino. Al promediar la década del 60, comenzó su carrera como integrante del grupo Los In, y desde entonces se dedicó a la composición y a la producción, y también incursionó en el cine como guionista y actor.

A toda velocidad, sus canciones alcanzaron popularidad. Se trataba de melodías pegadizas que, sin excepción, eran producto de situaciones de la vida cotidiana y tenían como protagonistas a gente común. Como muchos otros de su generación musical, Francis Smith se inició en el underground de La Cueva. Fue autor de las primeras canciones interpretadas por Sergio Denis, algunas de las más de 300 que llevan su firma, entre ellas unas 30 muy exitosas y traducidas a numerosos idiomas. Por ejemplo, las más conocidas del grupo Los Náufragos, del que fue productor, como "De boliche en boliche" , "Otra vez en la vía" , "Zapatos rotos" , "Yo en mi casa y ella en el bar", "Quedate piola, Vicente" , "Estoy hecho un demonio" (que, según reconoció, escribió como una broma sobre sí mismo, ya que nunca le gustó bailar), "Vuelvo a naufragar" y "Súbete a mi barco"

Francis Smith (a la dercha de la foto), Marilu y peluquero Ruphert, ¿lugar? "Rugantino" , ¿chisme? Francis estrenaba flamante cirugia en nariz.

Al comenzar la década del 80, fue el creador del trío Los Angeles de Smith, encabezado por su segunda esposa, Sandra. El primer matrimonio de Smith fue en 1972 con Marilú (Marilú Brajer), del ciclo musical de TV Alta tensión , con la que se casó en 1972, en una ceremonia transmitida por la pantalla chica, y con la que tuvo dos hijos.

Smith, que fue director artístico del sello CBS Columbia, donde también produjo a artistas como Pedro y Pablo (cuando popularizaron "La marcha de la bronca"), tuvo una activa participación en el cine, incluso como guionista, tal como ocurrió en la comedia Estoy hecho un demonio (1972), que dirigió Hugo Moser (su padrino de bodas), en la que también actuó junto a Juan Carlos Dual, Ricardo Dupont, Jorge Barreiro. Eduardo Lavié y Osvaldo Terranova

Francis, junto a Ricardo Dupont y Juan Carlos Dual,
en la película "Estoy hecho un demonio"

Recientemente, sus temas volvieron a escucharse en la banda de sonido de Isidoro, la película , el largometraje de dibujos animados que dirigió José Luis Massa, de acuerdo con los personajes creados por Dante Quinterno. Para la TV, donde en su mejor momento llegó a emitirse un programa infantil titulado Zapatos rotos , Smith compuso los temas de los micros animados de Mafalda, dirigidos por Daniel Mayo, que emitió Canal 11 en 1973. En 1995 recibió el Gran Premio Sadaic como "Mejor autor de música popular"

En una entrevista que concedió, comentaba:
“Nunca me imaginé que esas canciones iban a quedar como pintura de una época. Una vez Pipo Mancera me dijo ‘vos sos un periodista musical’. Yo me ponía el traje de hippie y me lanzaba a la calle Corrientes a ver qué pasaba. Yo en mi casa... la escribí en el bar La Paz, mirando a las chicas que discutían durante horas. Y el que iba de boliche en boliche era yo, buscando temas para mis canciones”, supo contarle Smith a Clarín, en la previa del estreno del filme Isidoro, la película, a cuya banda de sonido su música le vino como anillo al dedo.

El 11 de febrero de este año, falleció a los 71 años. Hacía cuatro años que recibía tratamiento de diálisis y al momento de su muerte se encontraba internado.

¿Quién de nosotros no tarareó al menos una de sus canciones?
Eran canciones fáciles, pegadizas, sin mucha ciencia, pero han perdurado durante muchas décadas.
Podemos decir que la candidez del rock de los 70, se fue con él!


Fuente: Diario La Nación.

La Opinión

Era el martes 4 de mayo de 1971, yo tenía 19 años y había crecido en la generación de la información despersonalizada. Los diarios más leídos de la época como Clarín –el que se recibía en casa de mis padres- La Nación, La Prensa, Crónica en sus dos ediciones matutina y vespertina y el vespertino La Razón anoticiaban, pero no explicaban ni investigaban. Eran simples mensajeros de los cables de la agencias noticiosas, a los que se agregaba el titular –eran famosos los grandes titulares de tapa de La Razón a través de los cuales aprendí a leer en mi casa como muchos de mi generación- y algún comentario menor, con esporádicas notas firmadas.

A primera hora de la tarde me encontraba esperando que comenzara la clase de Algebra en la Facultad de Ciencias Económicas de la UBA.

Otro alumno mayor que yo y a quien no conocía, se sentó al lado mío y comenzó a leer un diario. Yo intenté hacerlo también de costado y advertí que era parecido al francés Le Monde, pero se titulaba La Opinión, estaba escrito en castellano y era la primera vez que lo veía. Llegó la profesora y el asunto quedó ahí.

A la salida de la clase, al bajar al subterráneo para regresar a mi casa compré un ejemplar en el kiosco del andén.

No tenía nada que ver con los diarios que se editaban en la Argentina en ese momento:

carecía de fotografías, no salía los lunes, ni se hacía mención en sus páginas a las carreras de caballos ni a la cartelera de cines y teatros, pero si tenía una rica cobertura cultural –Pompeyo Camps era el crítico musical y Ernesto Schoo, quien venía de hacerle la primera entrevista para un medio argentino a Gabriel García Márquez en Primera Plana era el Jefe de Arte y Espectáculos -, en sus secciones de política local colaboraban destacados escritores, políticos y periodistas como Ernesto Sábato, Juan Gelman, Rodolfo Walsh, Rodolfo Terragno, Osiris Troiani, Hugo Gambini, Tomás Eloy Martínez junto a jóvenes como Osvaldo Soriano, Horacio Verbitsky, quien se encargó de la novedosa diagramación del diario, Miguel Bonasso, Carlos Ulanovsky, y el dibujante Hermenegildo Sabat, entro otros. Para la cobertura internacional contaba con corresponsales propios en Montevideo, Río de Janeiro, Lima, Santiago de Chile, París, Washington, y una novedad: Jerusalén.

A diferencia de ellos, en La Opinión se practicaba un periodismo interpretativo a través del cual los hechos eran analizados desde notas, la mayoría firmadas, en las que se trataba de rastrear los antecedentes, fijar el contexto y visualizar sus consecuencias, llegándose a veces a presentar dos opiniones opuestas sobre el mismo hecho.

Su director era el periodista Jacobo Timerman, quien en la década del 60 había revolucionado también el medio gráfico con dos revistas Primera Plana y Confirmado, que fueron las primeras en nuestro país en adoptar el modelo de las magazines americanas como Time o Newsweek, y de las que luego se había desvinculado.

La oportunidad para lanzar el nuevo diario se la plantearon los directivos de los talleres Gráficos Alemann, debido a que habían dejado de imprimir The Buenos Aires Herald, por lo que tenían capacidad ociosa, lo que les permitía ofrecerle un buen pecio a Timerman por sus servicios.

Costaba mas caro que sus competidores e iba dirigido básicamente a la juventud capaz de dejar de tomar un café para comprarlo.

Luego de su salida a la calle, la situación política se fue complicando cada vez más y también La Opinión se fue complicando cada vez más con ella en esa complicada década del 70, lo que llevó al diario y a su director a apartase de muchos de sus objetivos iniciales y a muchos periodistas a apartarse del diario; sin embargo ello no implica desconocer su carácter transformador del periodismo argentino durante los setenta, que luego continuarían, a su modo, medios como Página 12 y la nueva Crítica.-

Por Hugo Perini, para Te cuento los Setenta

En la isla se cumplen tus sueños

Ricardo Montanbán nació en México, en 1920, y falleció el 14 de enero de este año, en Los Angeles, California.
Mantuvo su nacionalidad mexicana por propia elección, sin jamás haber solicitado la ciudadanía estadounidense.
Comenzó su carrera en México en la década de 1940 y se hizo conocido en EE.UU. en 1948. Entre 1957 y 1959 actuó en Broadway en el musical Jamaica junto con Lena Horne. Por su actuación fue nominado para el premio Tony como mejor actor en musicales.
Tal vez sus actuaciones más conocidas fueran la del personaje del Sr. Roarke en la serie de tv La Isla de la Fantasía y el que se dice es el mejor villano en la serie de películas de la saga Star Trek: Khan Noonien Singh en el filme Star Trek II: La ira de Khan . Recibió un Emmy por mejor actor secundario en la serie "How the West Was Won" ("La conquista del Oeste") en 1978. Montalban continuó trabajando, incluso en silla de ruedas en sus últimas películas debido a sus dolencias lumbares.

La isla de la fantasía es su trabajo más importante en la década que nos atañe.
En mi casa la mirábamos siempre. Era una serie que combinaba todos los ingredientes necesarios para mantener enganchada a la familia entera. Romance, suspenso, diversión.
Seguramente la recuerdan.
Los sueños se hacen realidad en una paradisíaca y glamorosa isla del Pacífico, donde un misterioso millonario, Mr. Roarke (Ricardo Montalban) secundado por el enano Tattoo (Hervé Villechaize), hace que los invitados puedan vivir sus sueños más preciados por la módica suma de 50 mil dólares cada uno.
Se inició como show semanal el sábado 28 de enero de 1978 a las 22:00 por la ABC y llegó a totalizar 152 capítulos hasta el 19 de mayo de 1984, en que salió de la programación.
El entorno era ciertamente romántico: una remota isla fabulosa en la que cada visitante podía cumplir el sueño de su vida. Ejemplos: un muchacho apocado y hogareño podía convertirse en objeto de deseo de hermosas mujeres, un vendedor frustrado podía efectuar el negocio más rutilante de su carrera, un padre de familia sometido por su esposa podía lograr el respeto de su familia durante ese fin de semana, en fin …
En algunos casos surgía un elemento peligroso, una vuelta de tuerca o una jugada del destino, pero invariablemente se arribaba a un final feliz, o al menos se intentaba traslucir una moraleja. El director de este carrusel fantástico era Mr. Roarke, siempre vestido de blanco, tal como Tattoo, su “mano derecha” con un fuerte acento francés y un metro con veinte de estatura. El pequeñín abría cada emisión avistando la llegada de los pasajeros al grito de “¡El avión, el avión!’. Luego, junto al anfitrión los recibían con tragos tropicales, guirnaldas hawaianas y sonrisas edulcoradas.

Vaya este pequeño homenaje a tan excelente actor, que, ahora desde el cielo, capaz que esté jugando nuevamente a cumplir sueños, esta vez de verdad.
No se a ustedes, pero a mi me tienta pedirle alguno! :)

Fuente: Wikipedia, RetroBlog

Espacio de promoción

Me llegó por mail la promoción de un evento, y pensé que les podía interesar.
Les copio de que se trata y adjunto el link del blog que lo organiza.

MAÑANA 12 DE DICIEMBRE DE 2008 , EL ULTIMO EVENTO DEL AÑO , 4TO. CONVENCION RETRO METROPOLITANA , EN EL TEATRO LA TERRAZA , COMPLEJO LA PLAZA , AV. CORRIENTES 1660, 20 HS , AFETR OFFICE , NO TE LO PODES PERDER , ITALPARK ...LA LEYENDA CONTINUA , ARCHIVOS FILMICOS , PUBLICIDADES Y PERLITAS DEL DESAPARECIDO PARQUE DE DIVERSIONES , RECORDAMOS EL ZAPATO ROTO , CON LA PROYECCION DE IMAGENES DEL PRIMER PROGRAMA CON LA PRESENCIA DE CARLITOS BALA .


HOMENAJE A LOS TITANES EN EL RING , TE REGALAMOS LA PROYECCION DE LOS ARCHIVOS DE CANAL 13 , CON LAS LUCHJAS QUE NUNCA MAS VOLVISTE A VER , Y LA PRESENCIA EN VIVO Y POR PRIMERA VEZ EN UN EVENTO RETRO DE EL SUPERPIBE 72 , SI EL QUE LUCHABA CON PEPINO , NUNCA ANTES LO VISTE EN VIVO Y RETRO MAGIA COMIC LO HACE POSIBLE , ADEMAS , EL GITANO IVANOFF , EL ALDEANO , JULIO CESAR Y JORGE BOCACCI.

TE PRESENTAMOS EN EXCLUSIVA EL DEMO DE LOS GUERREROS DEL RING , ENTRETENIMIENTOS , SORTEOS Y MUCHAS SORPRESAS MAS , NO FALTES

ESTE VIERNES 12 DE DICIEMBRE DE 2008 , 20 HS , TEATRO LA TERRAZA , COMPLEJO LA PLAZA ,
AFTER OFFICE , LOCALIDADES LIMITADAS

Organiza Blog Retro Magia Comic

En los setenta los directores de orquesta sí eran tres

Durante los setenta, tres fueron los grandes directores de orquesta que acapararon la atención de los melómanos mundiales: el austríaco Herbert Von Karajan (1908-1989), el húngaro Georg Solti (1912-1997) y el norteamericano Leonard Bernstein (1918-1990).

Hubo durante ese período otras batutas insignes como la del austríaco Karl Böhm (1894-1981) quien pese a su edad todavía dirigía, la del italiano Carlo María Giulini (1914-2005) o el rumano Sergiu Celibidache (1912-1996) quien casi no salió de Alemania.

Sin embargo los tres primeros eran los preferidos.

Karajan y Solti dirigieron ópera y música sinfónica, Bernstein solo lo segundo, y además fue un compositor de rutilantes y exitosos temas populares, descollando la comedia musical West Side Story. Karajan y Bernstein dirigían sin la partitura a la vista, Solti lo hacía siempre con ella al frente para brindar seguridad a los músicos y especialmente a los cantantes, tal su credo…

El estilo de Karajan era apolíneo: calmo y distante. Bernstein y Solti más dionisíacos, se preocupaban más por los aspectos emotivos de la ejecución.

Karajan comenzó su carrera al amparo del nazismo de la mano de Goering que lo oponía al insigne Wilhem Furtwängler (1886-1954), protegido de Goebbels y probablemente el más grande director wagneriano de la primera mitad del siglo XX. Ambos se detestaban, al punto que Furtwängler se refería a Karajan como “ese hombre K”. Terminada la segunda guerra y luego de un rápido proceso de desnazificación, Karajan escaló posiciones convirtiéndose a partir de los sesenta en el Director Musical de Europa, ostentando la conducción simultánea de las Filarmónicas de Viena y Berlín y participando en los festivales wagnerianos en Bayreuth.

¡¡¡Observen como en el ensayo antes de una función en medio de 100 ejecutantes descubre al que no tocó como el lo pidió!!! Su fama de distante y frío queda contrariada a través de sus gestos para con la orquesta, satisfecho por su desempeño.



Bernstein fue el más polifacético de los tres: compositor, pedagogo, pianista y director de la Filarmónica de Nueva York, y un verdadero ídolo mediático. Fue a el quien se le debe la resurrección de Mahler.

Lenny en estado puro: no solo se movía así cuando dirigía West Side Story, ¡¡¡sino que también lo hacía cuando dirigía a Beethoven o a Mahler y si se trataba de un concierto podía llegar hasta abrazar y besar al ejecutante solista!!!




Por último Solti, el más insigne wagneriano de la segunda mitad del siglo XX y discípulo en Budapest del compositor húngaro Bela Bartok (1881-1945), huyó de Hungría durante la segunda guerra mundial debido a su condición de judío –su padre pereció en un campo de concentración-, estableciéndose en Zurich como pianista, desarrollando luego lentamente una carrera en la dirección orquestal, que lo llevó por diversos países, hasta que a principios de la década del sesenta llegó a Londres, para a fines de la misma hacerse cargo de la Sinfónica de Chicago, a la que llevó a los mayores niveles internacionales.-

Solti dirigiendo en el orchestra hall de chicago con su típico estilo de "boxeador" lanzando trompis al aire. Fíjense como mira a los ejecutantes para señalarles sus entradas.




Hugo Perini, para Te cuento los setenta